30 de diciembre de 2011

NEW YORK ROCK & ROLL ENSEMBLE. Dedication, 1970. Noble Dame, 1970. Mr. Tree, 1968.

Quiero ofrecer a los seguidores de este blog un regalo navideño muy especial.
En esta ocasión os presento a una muy original banda llamada, New York Rock & Roll ensemble. Este grupo de excelentes músicos se formó en el año 1967 con tres estudiantes de la Juilliard School de Nueva York, quizás la escuela conservatorio de artes escénicas más acreditada de esa ciudad. Estos tres muchachos llamados, Michael Kamen, Marty Fulterman y Rudnysky Dorian, se unieron a los músicos de rock, Brian Corrigan y Nivison Clif. , pronto consideraron que la música rock podía ser más rentable que la clásica y se pusieron manos a la obra, utilizando su talento en la fusión de ambos estilos. El singular estilo resultante de New York Rock & roll Ensemble, mezcla de manera magistral los sonidos de instrumentos clásicos barrocos como el Cello, Oboes, claves etc., con las canciones de rock y pop , dando como resultado un sonido limpio e impactante, de una belleza que no deja a nadie indiferente.
En 1968 lanzaron su primer L.P. homónimo impresionando al mismísimo Leonard Bernstein que invitó al grupo a aparecer en uno de sus conciertos con la filarmónica neoyorquina. Al año siguiente se publicaría su segunda obra, otro excelente trabajo titulado “Faithful Friends”, para continuar ya en 1970 con el álbum “Reflections” que es para mi gusto el mejor y más original trabajo de su primera etapa. A partir de su cuarto álbum, curiosamente el más vendido, y ya metidos en plena década de los setenta, su música se hace menos interesante.

Pasamos a destapar los regalos:

“Dedication” Es una canción, me atrevo a decir que es mi favorita entre las favoritas de este sorprendente grupo, con esa introducción de piano que recuerda a la banda sonora de una película francesa de los sesenta. Triste y bella a partes iguales. Una melancólica obra maestra, cantada por Michael Kamen.
En “Noble Dame” tenemos un claro ejemplo del sonido barroco que caracteriza a gran parte de la obra de New York Rock & roll Ensemble. Una maravillosa pieza podríamos llamar greco-barroca con aires de sirtaki griego. Posee una parte central instrumental exquisita, a base de Oboe,Cello y cuarteto de cuerdas genialmente ejecutadas, este pasaje me pone la carne de gallina cada vez que lo escucho, suena antiguo y popular.Ambos temas aparecen en su tercer álbum “Reflectións”, que curiosamente se grabó antes que el segundo, se nota la colaboración del compositor griego, Manos Hadjidakis que preparaba una partitura para una película que nunca se estrenó.
Como contraste, quiero incluir por último “Mr. Tree” un tema exquisito perteneciente a su primer trabajo, en él demuestran que también estos muchachos sabían hacer canciones pop sencillas y perfectas.




Dedication





Noble Dame





Mr. Tree


12 de diciembre de 2011

THE LEMON PIPERS. Green tambourine, 1968, Love,beads and meditatión, 1968, Lonely atmosphere, 1968.







Corría el año 1966, cuando un grupo de estudiantes universitarios de la ciudad de Oxford, en el estado norteamericano de Ohio, tuvieron la feliz idea de formar esta banda psicodélica llamada The Lemon Pipers, se trata un grupo bastante conocido si lo comparamos con la mayoría de los que suelen desfilar por esta casa. Como hecho estadístico tengo que decir que The Lemon Pipers publicaron durante los años siguientes un total de cuatro álbumes, todos ellos grabados en estudio.
Los tres temas que os presento son “Green Tambourine”, su primer single de éxito, y que fué incluído en su primer álbum, la canción alcanzó los primeros lugares en las listas americanas, y al año siguiente entró en el Top ten del Reino Unido. Fue versioneada por los Status Quo, e incluidla en su excelente primer álbum, “Pictures of Mastick men” de 1968.
Los otros dos estupendos temas son. “Love beads and meditation”, una preciosa e íntima melodía para una muy sentimental canción. Y que me dicen de “Lonely atmosphere”, otra nostálgica joya flotando en una solitaria atmósfera melódica. Ambos ingenios pertenecen a su segundo álbum lanzado en 1968 titulado “Jungle Marmalade”.
Por desgracia, esta banda entró en la espiral absorbente y depuradora de finales de los sesenta, y salió bastante malparada. The Lemon Pipers se disolvieron como la espuma con el final de la década. Lo que es cierto, es que nos dejaron con ganas de más.




Iván Browne: vocals, rythm guitar.
Bill Bartlett: lead guitar.
Steve Walmsley: bass.
R.G. Nave:Mighty organ.
Bill Albaugh: drums







LOVE,BEADS AND MEDITATION.





lONELY ATMOSPHERE.





19 de noviembre de 2011

DEEP PURPLE. Child in time, 1970.





“Child in time” fue una pieza fundamental de los conciertos de Deep Purple, durante los primeros años de la década de los setenta. Incluida en el álbum “Deep Purple in rock” de 1970, Posteriormente apareció en el mítico álbum en directo “ Made in Japan” de 1972, con una versión algo más larga.
A sido puramente casual el que me cruzara de nuevo con este grandísimo tema, habiendo transcurrido tanto tiempo desde la primera vez que lo escuché en mi juventud. Todo surgió gracias a Youtube, esa maravillosa herramienta que nos permite navegar por mundos que ya creíamos olvidados y descubrir tesoros que considerábamos perdidos en los oscuros e infinitos archivos de nuestra memoria.
Me gusta todo de este grandísimo tema, desde el sonido Hammond del órgano de Jon Lord, hasta la voz pura y desgarradora de Ian Gillan, que suena como un lamento creciente que se funde con el resto de la banda, como un instrumento más, y que decir del mensaje de la letra, tan dramático. “Dulce criatura del tiempo…verás la línea, la linea trazada entre el bien y el mal. Mira al hombre ciego disparando al mundo, las balas volando, haciendo mella…”





"Child in time"










Sweet child in time,
you´ll see the line,
the line that´s drawn between
the good and bad.
See the blind man
shooting at the world,
Bullets flying,
oh taking toll.
If you´ve been bad.
Oh Lord i bet you have
and you´ve not been hit.
Oh by flying bead
you´d better close your eyes.
Oh bow your head,
wait for the ricochet.











28 de octubre de 2011

EYES OF BLUE. Largo, 1968. Adarth, 1969. Extra Hour, 1969.







Llevo varios días tarareando una canción y no me la puedo quitar de la cabeza, esto me ocurre con frecuencia, pero en esta ocasión estoy empezando a preocuparme por que su grata presencia ya dura demasiado.






El caso es que hace poco, navegando por esos mares de Internet, descubrí a un estupendo grupo galés llamado “Eyes of blue” y tengo

que decir que ellos son los culpables de esa maravilla de tema titulado “Largo”, un tema que incluyeron en su álbum debut, “Crossroads of time” de 1968. Largo está inspirada en la obra


de Handel el gran maestro barroco, y es una adaptación de esa bella pieza, cantada por el guitarrista Ritchie Francis. El tema posee unas preciosas armonías vocales de una belleza que te deja sin aliento, y es sin lugar a dudas una de esas joyas ocultas y desconocidas cuyo descubrimiento nos aporta un soplo de aire fresco a nuestras vidas tan sedientas de emociones. Pero el éxtasis no acaba aquí, hay otros temas que os quiero presentar como “Ardarth” o el precioso instrumental “Extra hour”, ambos pertenecientes a su también excelente segundo y último álbum “Fields of Ardath” de 1969, son un claro ejemplo del increíble talento musical de esta banda.










Estas canciones son demasiado buenos como para permanecer languideciéndo sumergidas en la oscuridad del tiempo, ambas son obras maestras absolutamente recomendables e injustamente olvidadas.







Ritchie Francis: guitar, vocals



Gary Pickford Hopckins: vocals


Wyndman Rees: vocals


Phil Ryan: Keyboards


R. Benett: bass


Kohn Weathers: drums.







06 - Largo by Antonilopez





04 Ardath by Antonilopez





09 Extra Hour by Antonilopez



16 de octubre de 2011

RAINBOW FFOLLY. Goodbye,1968. Sun sing,1968. Cone or gone, 1968.eo




Los hermanos Jonathan y Richard Dunsterville, dos jóvenes ingleses casi adolescentes, procedentes de la ciudad de “High Wycombe” en el condado de Backinghamshire. Llevaban haciendo música desde primeros de los sesenta con una banda llamada “The force four” y que se dedicaba principalmente a interpretar temas de sus admirados Everly Brothers.


Años después, ya en 1967, Jonathan conoció en la universidad a un batería llamado Stewart Osborn, quien a la vez propuso invitar a un bajista amigo suyo llamado Roger Newell a tocar. Juntos formaron lo que sería “Rainbow Ffolly” iniciando su andadura de la mano de un mánager llamado John Sparrowhawk (Juan Gabilán para los amigos) poco después lanzaban al mercado su primer single que incluía el tema “Drive my car” (nada que ver con el de Los Beatles), a este sencillo sucedería en 1968 un elaborado y excelente álbum titulado “Sallies Forth”, compuesto con material grabado en los estudios de Malcolm y John Jackson, los hijos del famoso disc-jockey John Jackson. Los derechos fueron adquiridos por EMI Parlophon , lo que no garantizó en absoluto su éxito comercial, si no al contrario, el álbum pasó de largo a pesar de su indudable calidad, sin pena ni gloria, fue olvidado con el paso de los años y perdiéndose en la noche de los tiempos.

“Goodbye” es una bonita canción de amor y despedida, donde se aprecia desde el principio el sello Mcartniano y romántico que imprime el vocalista, hasta el punto de que parece ser el propio Paul el que nos estuviese cantando al oído una melodía recién compuesta por él. “Goodbye”está acompañada de unas guitarras acústicas intachables con cierto aire de Bolero. Preciosa y romántica. Increíblemente desconocida


“Sun sing” excelente pieza que nos hace viajar en una atmósferade psicodélia muy elaborada y de una calidad muy alta. El tema más ácido y auténtico de los que componen el disco. Un claro ejemplo del talento e inventiva de los Rainbow Ffolly.

“Come or gone” es un tema con un ritmo muy pegadizo y me recuerda mucho al estilo Rhythm & blues de los primeros “Pretty Things” lo he querido añadir para que veáis el magistral contraste que hace con el resto de los temas del álbum. Genial.

Goodbye

05 Goodbye by Antonilopez

Come or go

13 Come or Go by Antonilopez

27 de septiembre de 2011

22 de septiembre de 2011

MORTIMER. where dragons guard the doors (1968) Singing on the sunshine (1968) Mortimer´s theme (1968) Ç


Cuando escuché por primera vez “Where the dragons guard the doors” de Mortimer, me di cuenta al instante de que me encontraba ante algo realmente especial. Tenía ante mi una de esas canciones con alma propia, que sólo aparecen en nuestra vida en contadas ocasiones, y que cuando lo hacen, bendito sea, es para quedarse para siempre con nosotros y ayudarnos a ser un poquito más felices.

Este increíble y poco conocido grupo que hoy os quiero presentar, llamado Mortimer, estaba formado por tres muchachos neoyorquinos, todos grandes vocalistas procedentes de dos anteriores formaciones llamadas “Teddy Bears” y “Pinnochio & Puppets”.

Mortimer grabó en 1968 el que sería su único
álbum homónimo que fue producido por la Philips records, un disco con excelentes canciones entre las que destaco en primer lugar
y como ya dije al principio, una muy especial, “Where the dragons guard the doors”, una sorprendente pieza que abre el álbum, donde sobresalen las excelentes y angelicales voces de estos tres chicos, acompañadas por suaves y nostálgicas guitarras, el tema nos transporta a un mundode espíritu lisérgico y psicodélico. Esta canción está bajo mi punto de vista a la misma altura de temas como “Beacause” o “Sun King” de Los Beatles, y en todo caso sólo la calidad de la producción las diferencia.
Otro de los temas que me han gustado mucho de esta caja de sorpresas que es este álbum en general, es por poner un ejemplo, “Singing to the sunshine”, de nuevo con esas preciosas voces, esta vez con un ritmo más Swing.
He querido incluir también en este post el corte “Mortimer´s Theme” un bonito, sencillo y pegadizo tema instrumental que vale la pena conocer.

Estamos ante otro desconocido trabajo que aunque parezca increíble pasó en su momento por la historia sin pena ni gloria. Otra de esas preciosas joyas felizmente rescatadas del olvido para el deleite de nuestros sentidos.

Guy Masson: Voz, guitarra y percusión
Tom Smith: Voz y guitarra.
Tony Van Benschoten: Voz y guitarra.

Where dragons guard the doors

Singing to the sunshine

Mortimer´s theme


6 de septiembre de 2011

JEFFERSON AIRPLANE. Lather, 1968.






En esta ocasión no voy a sorprender a nadie sacando un grupo raro y desconocido del interior de mi chistera. Los Jefferson Airplane son de sobra conocidos para muchos de vosotros, apreciados seguidores de este blog, por lo que intentaré ser breve y ahorraré en presentaciones.

Jefferson Airplane es una de las míticas bandas pioneras de la llamada Escena de San Francisco de mediados de los sesenta, movimiento psicodélico musical y cultural, caracterizado entre otras muchas cosas por el consumo con fines espirituales y creativos del ácido lisérgico o la LSD, y también de otras drogas como la potente Mescalina o la menos peligrosa Marihuana. El éxito de esta formación comenzó con la llegada al grupo de la cantante Grace Slick, una guapa ex modelo que venía con la cabeza llena de brillantes ideas y cuya adorable voz resultó ser esencial para el éxito comercial de los Jefferson Airplane.

El tema “Lather” que quiero presentar es uno de mis favoritos, y abre el que sería el cuarto álbum de esta grandiosa banda, el disco titulado “Crown of creation” , lanzado en el año 1968, un álbum excelente en su conjunto, aunque con un diseño de portada algo catastrófico muy poco acertado para mi gusto, con ese hongo nuclear del que surge una imagen de los Jefferson distorsionada. “Lather” fue compuesta por Grace Slick en un momento de máxima inspiración artística, y según algunas fuentes que he consultado fue con motivo del treinta cumpleaños del batería del grupo, el genial Spencer Dryden que por aquel entonces era su compañero sentimental. La letra de esta alucinante canción que Grace regala a nuestros sentidos de forma desbordante y generosa, nos habla de una manera muy surrealista y enigmática sobre la preocupación que Spencer tenía de hacerse mayor, de perder la inocencia de la infancia y de ver alejarse irremediablemente la primera juventud. Una letra complicada de entender y de traducir con cierto sentido, muy característica de los grupos de la Escena de San Francisco. Lather es en definitiva una bella pieza psico folk, llena de mágicos efectos especiales, una de esas valiosas gemas que nos regala el tiempo, y que se disfrutan mejor cuando uno viaja sin moverse del sillón, sin abrir los ojos, y si es posible bajo los efectos de algún suave estimulante que despierte nuestros escondidos y sedientos sentidos. Vosotros ya me entendéis, amigos.

-Marty Balin- vocals, Rhythm guitar.
-Grace Slikc- vocals, piano, organ.
-Paul Kantner- Rythm guitar, vocals.
-Jorma Kaukonen- Lead guitar.
-Spencer Dryden- Drums, piano, stell balls, vocals.
-Jack Casady- bass, co.percussion.



LATHER
Lather was thirty years old today,
They took away all of his toys.
His mother sent newspaper clippings to him,
About his old friends who'd stopped being boys.
There was Harwitz E. Green, just turned thirty-three,
His leather chair waits at the bank.
And Sergeant Dow Jones, twenty-seven years old,
Commanding his very own tank.
But Lather still finds it a nice thing to do,
To lie about nude in the sand,
Drawing pictures of mountains that look like bumps,
And thrashing the air with his hands.

But wait, oh Lather's productive you know,
He produces the finest of sounds,
Putting drumsticks on either side of his nose,
Snorting the best licks in town,
But that's all over...

Lather was thirty years old today,
And Lather came foam from his tongue.
He looked at me eyes wide and plainly said,
Is it true that I'm no longer young?
And the children call him famous,
what the old men call insane,
And sometimes he's so nameless,
That he hardly knows which game to play...
Which words to say...
And I should have told him, "No, you're not old."
And I should have let him go on...smiling...baby-wide.


www.jeffersonairplane.com/the-band/grace-slick/





Para complementar este artículo, he pensado que sería interesante hacer un breve resumen de la historia del descubrimiento del ácido lisérgico o LSD, dada la influencia que esta potente droga alucinógena tuvo sobre la cultura en general y especialmente la musical, a partir de la mitad de los años sesenta.

Albert Hofmann (11 de Enero de 1906 – 29 de Abril de 2008) fue un químico e intelectual suizo nacido en la ciudad de Basilea. Descubrió la estructura de la quitina, pero es más conocido por haber sintetizado por primera vez en 1938 la LSD, mientras estudiaba los alcaloides producidos por el cornezuelo de centeno. Años más tarde en 1943, mientras purificaba y cristalizaba la LSD una serie de sensaciones extrañas le interrumpieron. Había absorbido una pequeña cantidad a través de la punta de sus dedos, y describía las consecuencias por medio del informe que envió en aquel momento al profesor Stoll:

Viernes 16 de abril, 1943, me vi forzado a interrumpir mi trabajo en el laboratorio a media tarde y dirigirme a casa, encontrándome afectado por una notable inquietud, combinada con cierto mareo. En casa me tumbé y me hundí en una condición de intoxicación no-desagradable, caracterizada por una imaginación extremadamente estimulada. En un estado parecido al del sueño, con los ojos cerrados (encontraba la luz del día desagradablemente deslumbrante), percibí un flujo ininterrumpido de dibujos fantásticos, formas extraordinarias con intensos despliegues caleidoscópicos. Esta condición se desvaneció dos horas después.

Años después Albert Hofmann diría en una de sus ya célebres frases:

“Opino que en la evolución humana nunca ha sido tan necesario tener una sustancia como la LSD. Simplemente es una herramienta que nos convierte en lo que se supone que tenemos que ser”


Albert Hofmann: Historia del LSD por raulespert

22 de agosto de 2011

EDWARDS HAND. Friday Hill, 1969. Close my eyes, 1969


Edwards Hand, un dúo procedente de una anterior banda llamada Picadilly Line, estaba formado por los ingleses Rod Edwards, teclista y vocalista y el guitarrista y vocalista Roger Hand, ambos compositores de la mayoría de los temas. En 1969 publican el que sería su segundo álbum, un LP homónimo producido ni más ni menos que por George Martin. y

considerado como la obra cumbre de su corta carrera. El caso eque George hizo un descanso tras finalizar su trabajo con el magistral Disco Blanco de The Beatles, y dedicó todo su esfuerzo a la producción de este excelente álbum, ya que admiraba el sonido de Edwards Hand.
Rod Edwards colaboró posteriormente con la gran cantante Marianne Segal en la creación de un disco de Jade “Fly on strange winds”, antes del lanzamiento de un último álbum en 1970.

Los dos temas que os quiero presentar son “Friday Hill”, excelente pieza Pop-Folk a base de guitarras acústicas, flautas y cuerdas y “Close my eyes” con un sonido más folk rock y californiano. En ambas destaca por encima de todo la calidad vocal de estos dos fantásticos músicos.


Estamos ante algo realmente especial. Otro ejemplo de disco que se pierde en el olvido sin dejar rastro durante décadas, pese a su enorme calidad, seguramente por culpa de la falta de interés y promoción de la discográfica. Un tesoro escondido, felizmente desenterrado.


FRIDAY HILL

CLOSE MY EYES

10 de agosto de 2011

HARMONY GRASS. My Little girl, 1969. I´vee seen to dream, 1969."



Un sugerente nombre para estos talentosos y descoconocidos muchachos formados en la ciudad de Essex y procedentes de una formación anterior llamada The Rivers. Firmaron en 1969 por la discográfica RCA Records para crear un excelente álbum llamado “This i us”. Los Harmony Grass Dieron sus conciertos a lo largo del Reino unido, actuando entre otros en el famoso Marquee Club de Londres, mítico local del que ya hemos hablado en alguna ocasión en viejo zapato marrón. También aparecieron en numerosos programas de la televisión británica, llegando incluso a crear su propio show. El grupo como suele ser habitual en muchas de las bandas que pasan por el blog, duró lo que duran dos cubitos de hielo en un Whisky, tan sólo un año.

Sus miembros corrieron distintas suertes tras la separación: por ejemplo el guitarrista Tony Ferguson y el bajista Keny Rowe se unieron a los Capability Brown en 1973, mientras que el vocalista Tony Rivers colaboró en los ábumes de Brian Bennet de The Shadows y Roger Daltrey entre otros grandes músicos.

My Little girl”, un tema muy Beach Boys, escrito por Tony Rivers, con unas voces muy bien ejecutadas y una melodía de lo más pegadiza. La primera impresiónque causa es la estar escuchando al mismísimo Paul Mcartney acompañado por los chicos de la playa.
En “I´ve seen to dream, tenemos más de lo mismo y seguimos en la soleada California con una excelente pieza muy elaborada y con unos soberbios pasajes que alcanzan un nivel vocal e instrumental de una calidad increíble, sobre todo para una banda tan poco conocida.

Este álbum es una auténtica joya de su tiempo, un auténtico regalo. Me lo llevo a la playa este verano.

Lo escucho por tercera o cuarta vez mientras termino de escribir este artículo, y sigo descubriendo en él cosas nuevas y sorprendentes que me dejan con la boca abierta.

My little girl

I¨ve seen to dream

Para más información:

http://www.craftweb.org/web/tony/grass.html

Tony Ferguson: guitarra solista y voz

Hill Castle: bateria y voz.

Brian Hudson: bateria y voz.

Tom Marshall: guitarra, piano y voz.

Keny Rowe: voz.

Ray Brown: bajo.

Tony Harding: guitarra y voz



29 de julio de 2011

THE BEATLES, Hey Jude, 1968.




No es costumbre de este blog, publicar canciones tan largas, pero tratándose de “Hey Jude” con The Beatles se puede hacer una excepción, por que a ellos se les está permitido todo en esta casa.

En 1968 John Lennon y Cynthia Powell rompieron definitivamente sus relaciones matrimoniales por culpa de la aventura amorosa que tuvo John con Yoko Ono. Al bueno de Paul le afectó mucho esta ruptura, debido al cariño y a la gran amistad que tenia con Cynthia y con el hijo de ambos, Julian que entonces tenía sólo cinco años. Cynthia recuerda: “Una tarde me sorprendió la visita inesperada de Paul, y me conmovió mucho su preocupación por nuestro bienestar .Aquella misma tarde, en el camino hacia aquí, compuso Hey Jude en el automóvil.”
El título original de este grandísimo tema era “Hey Jules” y Paul lo compuso con la intención de consolar a Julian del dolor causado por la separación de sus padres.
Hey Jude fué grabado en los EMI Studios durante dos sesiones nocturnas, entre el 28 y el 30 de Julio de 1968, pero la grabación definitiva se realizó por razones técnicas en Trident Studios, ya que este último contaba con un moderno equipo de grabación de ocho pistas, en lugar de las cuatro de EMI. La canción se completó el 1 de Agosto con doblajes adicionales, incluyendo una orquesta de 36 piezas dirigida por George Martin. Violines, violas, violonchelos, flautas, contrafagot y fagot, clarinetes, trompetas, trombones y trompas, percusión, cuerda y dos bajos. Durante la grabación de los coros, Los Beatles invitaron a participar a los músicos de la orquesta para que aportaran aplausos y cantaran el estribillo de la coda. Muchos de ellos aceptaron gustosos a condición de que se les doblara el salario…!!

Recuerdo con nostalgia aquél cálido y mágico final del verano de 1968. Mi hermano mayor, Kike, acababa de comprar aquel single que contenía Hey Jude y Revolución en la cara B, y lo hacía sonar en el viejo pick-up de casa, una y otra vez sin descanso. Yo que entonces era un inquieto chavalín de pelo largo, lo escuchaba maravillado, hipnotizado diría yo. Creo que fue entonces, en aquél mismo momento cuando sentí la picadura que me inyectó el dulce veneno de la música, y que me acompañaría ya durante el resto de mi vida.




Hey Jude, don't make it bad.
Take a sad song and make it better.
Remember to let her into your heart,
Then you can start to make it better.

Hey Jude, don't be afraid.
You were made to go out and get her.
The minute you let her under your skin,
Then you begin to make it better.

And anytime you feel the pain, hey Jude, refrain,
Don't carry the world upon your shoulders.
For well you know that it's a fool who plays it cool
By making his world a little colder.

Hey Jude, don't let me down.
You have found her, now go and get her.
Remember to let her into your heart,
Then you can start to make it better.

So let it out and let it in, hey Jude, begin,
You're waiting for someone to perform with.
And don't you know that it's just you, hey Jude, you'll do,
The movement you need is on your shoulder.

Hey Jude, don't make it bad.
Take a sad song and make it better.
Remember to let her under your skin,
Then you'll begin to make it
Better better better better better better, oh.

Na na na nananana, nannana, hey Jude...


16 de julio de 2011

CARL PALMER. The Sage, 1971.



En 1971, ya bien entrada ya la década, los gigantes Emerson,Lake & Palmer, grabaron el que un año después se convertiría en su tercer álbum, y el primero en directo de su discografía, “Pictures at an exhibición”.

Este gran acontecimiento tuvo lugar en el Newcastle city hall, antiguo ayuntamiento de la ciudad de Newcastle, y estaba inspirado en la mayoría de sus temas en la suite del compositor ruso, Modest Mussorgski, lo que dio como resultado una de las obras mas significativas y originales, aunque no exenta de críticas, del rock progresivo-sinfónico de los años setenta.

La obra está compuesta por una colección de variadas y enérgicas piezas, adaptadas a los chispeantes teclados de Emerson, a las vibrantes guitarras y el bajo de Greg Lake y el excelente trabajo de Carl Palmer con su gigantesca batería, todo ello conseguido con más o menos acierto. Dentro de esta explosión de sonido siempre me gustó especialmente lo que yo considero un remanso de paz en medio de esta tormenta electrónica que es este disco. Me refiero a la excelente pieza titulada “The Sage” que Lake canta magistralmente, acompañado tan sólo por su guitarra acústica, y que nos transporta a épocas renacentistas, evocando antiguos mundos pasados. The Sage es una joya inspirada en parte en la obra del compositor noruego Edgard Grieg, titulada ”Solveig song” el último número de la suite número 2 que aparece en la obra dramática “Peer Gynt” que el dramaturgo también noruego, Henrik Ibsen escribió en 1867.











“Llevo el polvo de un viaje

que no pude sacudir lejos.

Vive en lo profundo, dentro de mi.

Para respirarlo cada día.


Tú y yo somos las respuestas del ayer

el pasado de La Tierra que regresa a la carne erosionada

por los ríos del tiempo

a las formas que ahora tenemos.


Venid a compartir de mi aliento y mi sustancia,

Y mezclar las corrientes y los tiempos

En brillantes e infinitos momentos.


Vuestra razón está perdida en vuestros ojos”



I carry the dust of a journey
that cannot be shaken away
It lives deep within me
for I breathed it every day

You and I are yesterday's answers
the earth of the past come to flesh
Eroded by time's rivers
to the shapes we now possess

Come share of my breath and my substance
and mingle our streams and our times
In bright infinite moments
our reasons are lost in our eyes

30 de junio de 2011

BLONDE ON BLONDE. Goodbye,1969. Don´t be to long,1969. Jeanette Isabella,1969.




Muchos recuerdan a Blonde on Blonde, como el grupo revelación del festival de la isla de Wight de 1969.

Procedentes de Newport en Gales del sur, estos excelentes músicos pusieron nombre a su banda inspirándose en el histórico álbum de Bob Dylan de 1966. Blonde on Blonde se formó en 1967 a través del anuncio publicado en el Melody Maker por el vocalista Ralf Denyer, Se trasladan a Londres para dar sus primeros conciertos y firmar al poco tiempo con el sello discográfico Pye, con el que grabaron en 1969 su primer álbum, una maravilla titulada “Contrast”. El álbum contiene entre otras buenas canciones, una versión casi irreconocible del “Eleanor Rigby” de The Beatles, pero las que quiero presentar son composiciones propias y llenas de ingenio. En “Goodbye” estamos ante una canción Pop-prog perfecta de melodía, con un delicioso sonido de clave como acompañamiento que la hacen adorable. “Don´t be to long” es un tema más folk y acústico, con esa agradable voz tan personal que posee Ralf Denyer. Por último quiero presentar una perla llamada “Jeannette Isabella”. Pop progresivo del bueno, una preciosa introducción de guitarras acompañadas por una cascada de órganos, una canción melancólica y algo triste, pero esto, lejos de empañarla, la hacen todavía más bella.

Otra gran banda que entró con buen pie en los setenta, pero cuya magia se fue disipando incomprensiblemente hasta llegar a desaparecer en 1972. Siempre nos quedará su música como un legado inmortal para las generaciones venideras.


Ralf Denyer, voz, guitar.

Les Hicks, Percusión.

Richard Hopkins, Bajo, Organo, Piano, Cornet., Harpsichord.

Gareth Jonson, guitar, Sitar.

Goodbye

Don´t be to long

Jeannette Isabella

20 de junio de 2011

GOLDEN EARRINGS. Must i cry, 1968. Born a second time, 1968.



Golden Earring no son precisamente unos desconocidos en la historia de la música rock, ni mucho menos.

Esta flamante banda holandesa procedente de La Haya, hoy todavía en activo, surgió a principios de los años sesenta, y ha prolongado con éxito su carrera durante cinco décadas, publicando un total de 33 álbums oficiales, eso sin contar las múltiples recopilaciones existentes. En su país de origen consiguieron más de 30 discos de oro y platino y han vendido varios millones de copias en todo el mundo a lo largo de su historia. Golden Earring está considerada en la actualidad como la banda de rock más antigua que existe en activo, superando incluso por un año a los incombustibles y satánicos Rolling Stones.

Los dos temas que quiero presentar, pertenecen a un estupendo álbum de 1968, llamado Miracle Mirror”. Este disco es como reza su nombre una especie de espejito mágico del que surgen excelentes canciones como en el caso de “Must i cry”, cantada por el vocalista Barry Haycon , con esa voz suya, verdaderamente singular. Esta canción es un ruego, algo suplicante, inconformista e intemporal. Con esos coros respondones que la empujan y la acompañan hasta el final. O la bella y romántica “Born a second time” con su excelente trabajo con las guitarras acústicas, y que decir de ese pasaje de flauta que aporta al tema una delicada frescura barroca tan especial, y que nos hace remontarnos en la noche de los tiempos.

Dos joyas olvidadas, que he querido desenterrar para deleite de vuestros sabios y entendidos oídos. Amigos míos.

Jaap Eggermont: bateria

Rinus Gerritsen: bajo, teclados.

Barry Hay: faluta, voz.

George Koymans: guitarra, voz.

Frans Krassenbourg: voz.

César Zuiderwijt: percusión.

Must i cry

Born a second time

9 de junio de 2011

KALEIDOSCOPE. Angel´s Song "Dear Elvis Presley", 1970.



Segunda aparición de los londinenses Kaleidoscope en Viejo Zapato Marrón.
En esta ocasión quiero centrarme en un sólo tema, el tema que últimamente me persigue y me tiene loco. Hablo de esa maravilla titulada “Angel´s song. Dear Elvis Presley”, canción incluida en su último álbum “White faced lady” álbum con diferente sonido al de los principios psicodélicos de la banda, más sinfónico y progresivo, más popular si cabe. Fue grabado entre los años 1970 y 1971, y por una falta de acuerdo con la discográfica, quedó inédito y olvidado hasta 1991. La canción es al parecer un polémico homenaje que la banda dedica al gran rey Elvis, posee una controvertida letra que cuenta más o menos el embarazo psicológico que sufre una chica, Ángel, de piel blanca, por obra y gracia del Sr.Elvis… (cada vez entiendo menos a estos ingleses).
Una canción cortita que a mi parecer podría haber prescindido de toda la orquestación que la acompaña y haberse quedado tan sólo con las excelentes guitarras acústicas y la voz de Peter Daltrey, que pone en ella toda su alma y todo su corazón y que dicho sea de paso, canta como un Ángel.

Peter Daltrey (voz, teclados)
Eddie Pumer (guitarra)
Steve Clark (bajo)
Danny Bridgman (batería)

14 de mayo de 2011

FRESH MAGGOTS. Rosemary Hill, 1971, Who´s t o die, 1971, Everyone´s one to war, 1971. .





Los Fresh Maggots cuyo nombre significa en castellano algo así como: “gusanos frescos”, son un claro ejemplo de grupo de carrera meteórica. Llegaron, dejaron su huevo de oro y desaparecieron. Se trata de un dúo procedente del condado de Warwickshire en el corazón de Inglaterra, formado por dos excelentes multi-instrumentistas llamados Mick Burgoyne y Leigh Dolphin Estos chicos con sólo 19 años grabaron en Londres a principios de los setenta su único vinilo, compuesto por bellos temas de aire campestre y que podríamos encuadrar dentro del acid-folk-rock.. El álbum homónimo fue lanzado con mucho retraso en 1971, lo cual perjudicó su éxito y promoción.
Estamos ante toda una rareza de disco, muy cotizada por coleccionistas de vinilos. El álbum fue reeditado en CD incluyendo en él grabaciones inéditas para la BBC y algunas demos proyectadas para un segundo álbum que nunca vio la luz.


LOS TEMAS ELEGIDOS:
Rosemary Hill” Bellas armonías mezcladas con guitarras acústicas y excelentes cuerdas, con ese delicioso toque de glockenspiel, un instrumento parecido al xilófono que acompaña toda la pieza.
Who´s to die”. Un tema de armonía similar al anterior en el que se utilizan los mismos instrumentos (hay momentos que nos parece estar escuchando la misma canción) otra bella pieza muy caraterística del estilo de la banda.
Everyyoné´s gone to war” los efectos de la guitarra fuzz de Mick Burgoyne se hacen notar aquí y entran en algunas partes del tema, una canción con evidente mensaje social antibélico, muy característico de la obra de Fresh Maggots.



Rosemay Hill


Who´s to die



Everyone´s gone to war.

2 de mayo de 2011

FOTHERINGAY. Nothing More, 1970. Winter winds, 1970. The pond and the Stream, 1970.




Fotheringay, nombre del castillo donde la reina Maria Estuardo de Escocia estuvo encerrada hasta su trágica muerte por decapitación, y del cual sólo quedan unas tristes ruinas en la actualidad.

Esta excelente banda de folk llamada también Fotheringay .Surgió en 1970 como continuación de la desaparecida y legendaria “Fairport Convention”. Sus fundadores fueron la gran vocalista Sandy Denny y su futuro esposo el también cantante, poeta y guitarrista Trevor Lucas.
El mismo año de su fundación, publicaron su álbum debut que fue producido por Joe Boyd, y que entró de inmediato a figurar en las listas del Melody Maker como uno de los veinte mejores discos.
El grupo se separó cuando preparaba la grabación de su segundo LP, por lo que este proyecto quedó guardado y no salió a la luz en su momento. Esto sucedía en el invierno de 1971. Sandy Denny continuó trabajando y publicó cuatro excelentes álbumes en solitario durante los años siguientes de su carrera, pero la fatalidad del destino quiso acabar con su vida un 21 de Abril de 1978, cuando sólo contaba 31 años de edad, a causa de las lesiones cerebrales sufridas tras caer de una escalera. Afortunadamente muchos años después, concretamente en el 2008, algunos supervivientes de la formación, lograron mezclar el material inédito grabado antaño y lanzar un muy aclamado segundo álbum.


“El alma de Denny asistió en silencio a aquél mágico acontecimiento. Nadie la vio, pero estuvo presente el día que el álbum póstumo de Fotheringay salió a la luz después de aguardar durante 38 años. Todos pudieron escuchar su maravillosa e invisible voz flotando en el aire…nadie la vio, pero Denny estuvo allí acompañando a los suyos.”

La excelente “Nothing More” es el tema que abre el álbum y ya nos da una idea general de la atmósfera melancólica que envuelve a todo el trabajo, a la soberbia voz de Sandy Denny le acompaña una perfecta ejecución a la guitarra por parte del guitarrista principal del grupo, Jerry Donahue.
Winter winds” es otro destacado tema, bello y triste como el viento que sopla en los inviernos del norte, y como bien reza su título. Preciosa melodía y maravillosas guitarras clásicas de aire renacentista.
Por último os dejo “The Pond and the Stream” aunque dada la calidad de todo el disco podría haber elegido cualquier otro corte al azar y no hubiera defraudado a nadie.

El álbum de Fotheringay no tiene desperdicio, es bueno de principio a fin, aunque hay que escucharlo con paciencia para poder sacarle todo el jugo. Un auténtico tesoro.


Sandy Denny - voz, piano, guitarra acústica: Trevor Lucas - voz, guitarras acústicas y eléctricas: Jerry Donahue - guitarra principal y coros: Gerry Conway - batería y coros: Pat Donaldson - bajo y coros.

Winter winds

The Pond and the Stream