Viejo zapato marron

KENSINGTON MARQUET. If it is love, 1969. Half closed eyes, 1969. Side I am, 1969.

2012-02-01T18:23:00.005+01:00

Uno de los lugares más bonitos y encantadores de Toronto es sin duda el famoso barrio llamado Kensington Market, se encuentra situado en el centro de la ciudad, siendo el más antiguo de todos, y de visita obligada por la gran oferta multicultural que ofrece. En el año 1999 fue designado como Sitio histórico nacional de Canadá.

Kensington Market es también el nombre adoptado por una banda canadiense procedente de esa bella ciudad, de la que hoy quiero hablaros y cuyo trabajo discográfico se limita a dos únicos álbumes que grabaron a finales de los sesenta que fueron producidos por el gran Felix Pappalardi para el sello Warner Brothers. Los álbumes se titulan, “Avenue Road” de 1968 y el que hoy nos ocupa, titulado “Aardvark” que se publicó en 1969, poco antes de su separación.
Antes de empezar a escuchar esta obra maestra de la música Psico-Pop canadiense, lo primero que nos llama la atención de este Aardvark es la preciosa ilustración de su portada, en la que una especie de oso hormiguero aparece en un psicodélico y colorista escenario. El disco contó con la colaboración de algunos estudiantes de música de la universidad de Toronto, que aportaron un toque clásico con sus bellas y sencillas composiciones.
Al comenzar a escuchar el disco nos invade enseguida una agradable y fresca sensación beatlesca. El propio Keith Mckie, guitarrista de la banda, admite en una entrevista haberse inspirado en el álbum blanco de Los Beatles para componer temas tan bellos y barrocos como “If it is love”, y cuenta como anécdota curiosa que la canción fue inventada durante el trayecto por carretera de un viaje a California, y bajo los efectos alucinógenos de la Mescalina.
Otra de las joyas extraídas de este álbum es, “Half closed eyes”, u “Ojos entornados”, un precioso título para este bello tema de aires folk en el que destaca la ausencia de percusión, sólo los teclados de John Mills Cockell y las guitarras, acompañan a la maravillosa voz de Mckie, suficientes ingredientes para crear esta perfecta gema sonora.
Por último, como broche final a este post, “Side i am”, otra excelencia exquisita y psicótica, con ese comienzo crimsoniano tan enigmático.

Kensington Market se disolvieron al poco tiempo de publicar su segunda obra. Una verdadera pena, por que según he leído, una de causas más importantes su desaparición fue el consumo abusivo e incontrolado de substancias alucinógenas diversas.
Estamos ante otro claro ejemplo de gran banda tristemente olvidada, que si no llegó a ser legendaria, fue por que Dios no lo quiso así, y no por falta de talento.

Keith Mckie: Vocals, guitarra rítmica.
Alex Darou: bajo.
Jimy Watson, batería.
Eugene Matynec: guitarra, piano.
Luke Gibson: vocals, guitarra, harmónica.
John Mills Cockell: sintetizadores, Moog.

THE ANIMALS. The house of the rising sun, 1964.

2012-01-13T17:53:00.008+01:00

The house of the rising sun o la casa del sol naciente es un tema folk de origen muy arcaico y de autor desconocido. La grabación más antigua que se conoce es del año 1934, procede de la ciudad de Nueva Orleans y pertenece a Clarence Ashley y Gwen Foster. Al parecer,Clarence Ashley la aprendió de su abuelo, por lo que se puede deducir que el tema se remonta fácilmente en sus orígenes al siglo XIX , de todas formas, existen varias teorías en la actualidad sobre su verdadero origen.
Joan Baez, Bob Dylan, e incluso The Beatles hicieron su versión anterior a la que aquí nos trae de The Animals, pero fueron estos los que en 1964 la popularizaron y la hicieron mundialmente conocida, creando una canción revolucionaria que está considerada como la primera canción folk rock de la historia. El tema fue grabado en una sola toma el 18 de Mayo de 1964. Comienza con el famoso arpegio del guitarrista Hilton Valentine que ha sido inspiración para guitarristas de todo el mundo, sin olvidar el trabajo de Alan Price con el órgano que aporta un sonido imprescindible e inseparable de la canción.
Eric Burdon nos canta una triste historia que narra los recuerdos vividos en ese antro de juego y prostitución llamado the House of the rising sun. “Hay una casa en Nueva Orleans que llaman del sol naciente, ha sido la ruina de muchos pobres chicos. Dios sabe que yo soy uno de ellos”.

La mejor versión entre la infinidad que existen es sin duda la de The Animals, a partir de esta, innumerables grupos y solistas la han versioneado hasta la saciedad, pongo como ejemplo a Jimy Hendrix, Pink Floyd, Gary Glitter, Nina Simone, Tracy Chapman, y un largo e interminable etc.etc.
Estamos ante una de las 500 mejores canciones de la historia, según la lista de Rolling Stone, pero yo particularmente la considero algo más importante que todo eso. Este tema tiene un sonido muy especial que va más allá de lo que es una buena canción. Algo mágico de verdad.

There is a house in New Orleans

They call the Rising Sun

And it's been the ruin of many a poor boy

And God I know I'm one

My mother was a tailorShe sewed my new blue jeans

My father was a gamblin' man

Down in New Orleans

Now the only thing a gambler needs

Is a suitcase and trunk

And the only time he's satisfied

Is when he's on a drunk

Oh mother tell your children

Not to do what I have done

Spend your lives in sin and misery

In the House of the Rising Sun

Well, I got one foot on the platform

The other foot on the train

I'm goin' back to New Orleans

To wear that ball and chain

Well, there is a house in New Orleans

They call the Rising Sun

And it's been the ruin of many a poor boy

And God I know I'm one

NEW YORK ROCK & ROLL ENSEMBLE. Dedication, 1970. Noble Dame, 1970. Mr. Tree, 1968.

2011-12-30T17:52:00.011+01:00

Quiero ofrecer a los seguidores de este blog un regalo navideño muy especial.
En esta ocasión os presento a una muy original banda llamada, New York Rock & Roll ensemble. Este grupo de excelentes músicos se formó en el año 1967 con tres estudiantes de la Juilliard School de Nueva York, quizás la escuela conservatorio de artes escénicas más acreditada de esa ciudad. Estos tres muchachos llamados, Michael Kamen, Marty Fulterman y Rudnysky Dorian, se unieron a los músicos de rock, Brian Corrigan y Nivison Clif. , pronto consideraron que la música rock podía ser más rentable que la clásica y se pusieron manos a la obra, utilizando su talento en la fusión de ambos estilos. El singular estilo resultante de New York Rock & roll Ensemble, mezcla de manera magistral los sonidos de instrumentos clásicos barrocos como el Cello, Oboes, claves etc., con las canciones de rock y pop , dando como resultado un sonido limpio e impactante, de una belleza que no deja a nadie indiferente.
En 1968 lanzaron su primer L.P. homónimo impresionando al mismísimo Leonard Bernstein que invitó al grupo a aparecer en uno de sus conciertos con la filarmónica neoyorquina. Al año siguiente se publicaría su segunda obra, otro excelente trabajo titulado “Faithful Friends”, para continuar ya en 1970 con el álbum “Reflections” que es para mi gusto el mejor y más original trabajo de su primera etapa. A partir de su cuarto álbum, curiosamente el más vendido, y ya metidos en plena década de los setenta, su música se hace menos interesante.

Pasamos a destapar los regalos:

“Dedication” Es una canción, me atrevo a decir que es mi favorita entre las favoritas de este sorprendente grupo, con esa introducción de piano que recuerda a la banda sonora de una película francesa de los sesenta. Triste y bella a partes iguales. Una melancólica obra maestra, cantada por Michael Kamen.
En “Noble Dame” tenemos un claro ejemplo del sonido barroco que caracteriza a gran parte de la obra de New York Rock & roll Ensemble. Una maravillosa pieza podríamos llamar greco-barroca con aires de sirtaki griego. Posee una parte central instrumental exquisita, a base de Oboe,Cello y cuarteto de cuerdas genialmente ejecutadas, este pasaje me pone la carne de gallina cada vez que lo escucho, suena antiguo y popular.Ambos temas aparecen en su tercer álbum “Reflectións”, que curiosamente se grabó antes que el segundo, se nota la colaboración del compositor griego, Manos Hadjidakis que preparaba una partitura para una película que nunca se estrenó.
Como contraste, quiero incluir por último “Mr. Tree” un tema exquisito perteneciente a su primer trabajo, en él demuestran que también estos muchachos sabían hacer canciones pop sencillas y perfectas.

Dedication

Noble Dame

Mr. Tree

THE LEMON PIPERS. Green tambourine, 1968, Love,beads and meditatión, 1968, Lonely atmosphere, 1968.

2011-12-12T18:52:00.004+01:00

Corría el año 1966, cuando un grupo de estudiantes universitarios de la ciudad de Oxford, en el estado norteamericano de Ohio, tuvieron la feliz idea de formar esta banda psicodélica llamada The Lemon Pipers, se trata un grupo bastante conocido si lo comparamos con la mayoría de los que suelen desfilar por esta casa. Como hecho estadístico tengo que decir que The Lemon Pipers publicaron durante los años siguientes un total de cuatro álbumes, todos ellos grabados en estudio.
Los tres temas que os presento son “Green Tambourine”, su primer single de éxito, y que fué incluído en su primer álbum, la canción alcanzó los primeros lugares en las listas americanas, y al año siguiente entró en el Top ten del Reino Unido. Fue versioneada por los Status Quo, e incluidla en su excelente primer álbum, “Pictures of Mastick men” de 1968.
Los otros dos estupendos temas son. “Love beads and meditation”, una preciosa e íntima melodía para una muy sentimental canción. Y que me dicen de “Lonely atmosphere”, otra nostálgica joya flotando en una solitaria atmósfera melódica. Ambos ingenios pertenecen a su segundo álbum lanzado en 1968 titulado “Jungle Marmalade”.
Por desgracia, esta banda entró en la espiral absorbente y depuradora de finales de los sesenta, y salió bastante malparada. The Lemon Pipers se disolvieron como la espuma con el final de la década. Lo que es cierto, es que nos dejaron con ganas de más.

Iván Browne: vocals, rythm guitar.
Bill Bartlett: lead guitar.
Steve Walmsley: bass.
R.G. Nave:Mighty organ.
Bill Albaugh: drums

LOVE,BEADS AND MEDITATION.

lONELY ATMOSPHERE.

DEEP PURPLE. Child in time, 1970.

2011-11-19T18:04:00.003+01:00

“Child in time” fue una pieza fundamental de los conciertos de Deep Purple, durante los primeros años de la década de los setenta. Incluida en el álbum “Deep Purple in rock” de 1970, Posteriormente apareció en el mítico álbum en directo “ Made in Japan” de 1972, con una versión algo más larga.
A sido puramente casual el que me cruzara de nuevo con este grandísimo tema, habiendo transcurrido tanto tiempo desde la primera vez que lo escuché en mi juventud. Todo surgió gracias a Youtube, esa maravillosa herramienta que nos permite navegar por mundos que ya creíamos olvidados y descubrir tesoros que considerábamos perdidos en los oscuros e infinitos archivos de nuestra memoria.
Me gusta todo de este grandísimo tema, desde el sonido Hammond del órgano de Jon Lord, hasta la voz pura y desgarradora de Ian Gillan, que suena como un lamento creciente que se funde con el resto de la banda, como un instrumento más, y que decir del mensaje de la letra, tan dramático. “Dulce criatura del tiempo…verás la línea, la linea trazada entre el bien y el mal. Mira al hombre ciego disparando al mundo, las balas volando, haciendo mella…”

"Child in time"

Sweet child in time,
you´ll see the line,
the line that´s drawn between
the good and bad.
See the blind man
shooting at the world,
Bullets flying,
oh taking toll.
If you´ve been bad.
Oh Lord i bet you have
and you´ve not been hit.
Oh by flying bead
you´d better close your eyes.
Oh bow your head,
wait for the ricochet.

EYES OF BLUE. Largo, 1968. Adarth, 1969. Extra Hour, 1969.

2011-10-28T17:19:00.011+02:00

Llevo varios días tarareando una canción y no me la puedo quitar de la cabeza, esto me ocurre con frecuencia, pero en esta ocasión estoy empezando a preocuparme por que su grata presencia ya dura demasiado.

El caso es que hace poco, navegando por esos mares de Internet, descubrí a un estupendo grupo galés llamado “Eyes of blue” y tengo

que decir que ellos son los culpables de esa maravilla de tema titulado “Largo”, un tema que incluyeron en su álbum debut, “Crossroads of time” de 1968. Largo está inspirada en la obra

de Handel el gran maestro barroco, y es una adaptación de esa bella pieza, cantada por el guitarrista Ritchie Francis. El tema posee unas preciosas armonías vocales de una belleza que te deja sin aliento, y es sin lugar a dudas una de esas joyas ocultas y desconocidas cuyo descubrimiento nos aporta un soplo de aire fresco a nuestras vidas tan sedientas de emociones. Pero el éxtasis no acaba aquí, hay otros temas que os quiero presentar como “Ardarth” o el precioso instrumental “Extra hour”, ambos pertenecientes a su también excelente segundo y último álbum “Fields of Ardath” de 1969, son un claro ejemplo del increíble talento musical de esta banda.

Estas canciones son demasiado buenos como para permanecer languideciéndo sumergidas en la oscuridad del tiempo, ambas son obras maestras absolutamente recomendables e injustamente olvidadas.

Ritchie Francis: guitar, vocals

Gary Pickford Hopckins: vocals

Wyndman Rees: vocals

Phil Ryan: Keyboards

R. Benett: bass

Kohn Weathers: drums.

06 - Largo by Antonilopez

04 Ardath by Antonilopez

09 Extra Hour by Antonilopez

RAINBOW FFOLLY. Goodbye,1968. Sun sing,1968. Cone or gone, 1968.eo

2011-10-16T18:04:00.013+02:00

Los hermanos Jonathan y Richard Dunsterville, dos jóvenes ingleses casi adolescentes, procedentes de la ciudad de “High Wycombe” en el condado de Backinghamshire. Llevaban haciendo música desde primeros de los sesenta con una banda llamada “The force four” y que se dedicaba principalmente a interpretar temas de sus admirados Everly Brothers.

Años después, ya en 1967, Jonathan conoció en la universidad a un batería llamado Stewart Osborn, quien a la vez propuso invitar a un bajista amigo suyo llamado Roger Newell a tocar. Juntos formaron lo que sería “Rainbow Ffolly” iniciando su andadura de la mano de un mánager llamado John Sparrowhawk (Juan Gabilán para los amigos) poco después lanzaban al mercado su primer single que incluía el tema “Drive my car” (nada que ver con el de Los Beatles), a este sencillo sucedería en 1968 un elaborado y excelente álbum titulado “Sallies Forth”, compuesto con material grabado en los estudios de Malcolm y John Jackson, los hijos del famoso disc-jockey John Jackson. Los derechos fueron adquiridos por EMI Parlophon , lo que no garantizó en absoluto su éxito comercial, si no al contrario, el álbum pasó de largo a pesar de su indudable calidad, sin pena ni gloria, fue olvidado con el paso de los años y perdiéndose en la noche de los tiempos.

“Goodbye” es una bonita canción de amor y despedida, donde se aprecia desde el principio el sello Mcartniano y romántico que imprime el vocalista, hasta el punto de que parece ser el propio Paul el que nos estuviese cantando al oído una melodía recién compuesta por él. “Goodbye”está acompañada de unas guitarras acústicas intachables con cierto aire de Bolero. Preciosa y romántica. Increíblemente desconocida

“Sun sing” excelente pieza que nos hace viajar en una atmósferade psicodélia muy elaborada y de una calidad muy alta. El tema más ácido y auténtico de los que componen el disco. Un claro ejemplo del talento e inventiva de los Rainbow Ffolly.

“Come or gone” es un tema con un ritmo muy pegadizo y me recuerda mucho al estilo Rhythm & blues de los primeros “Pretty Things” lo he querido añadir para que veáis el magistral contraste que hace con el resto de los temas del álbum. Genial.

Goodbye

05 Goodbye by Antonilopez
Come or go

13 Come or Go by Antonilopez

2011-09-27T18:11:00.002+02:00

03-Dear Angie by Antonio Lopez Urios

Amigos: Este post es sólo una prueba para ver si os gusta el nuevo reproductor. Ya me direis.

MORTIMER. where dragons guard the doors (1968) Singing on the sunshine (1968) Mortimer´s theme (1968) Ç

2011-09-22T18:09:00.010+02:00

Cuando escuché por primera vez “Where the dragons guard the doors” de Mortimer, me di cuenta al instante de que me encontraba ante algo realmente especial. Tenía ante mi una de esas canciones con alma propia, que sólo aparecen en nuestra vida en contadas ocasiones, y que cuando lo hacen, bendito sea, es para quedarse para siempre con nosotros y ayudarnos a ser un poquito más felices.

Este increíble y poco conocido grupo que hoy os quiero presentar, llamado Mortimer, estaba formado por tres muchachos neoyorquinos, todos grandes vocalistas procedentes de dos anteriores formaciones llamadas “Teddy Bears” y “Pinnochio & Puppets”.

Mortimer grabó en 1968 el que sería su único

álbum homónimo que fue producido por la Philips records, un disco con excelentes canciones entre las que destaco en primer lugar
y como ya dije al principio, una muy especial, “Where the dragons guard the doors”, una sorprendente pieza que abre el álbum, donde sobresalen las excelentes y angelicales voces de estos tres chicos, acompañadas por suaves y nostálgicas guitarras, el tema nos transporta a un mundode espíritu lisérgico y psicodélico. Esta canción está bajo mi punto de vista a la misma altura de temas como “Beacause” o “Sun King” de Los Beatles, y en todo caso sólo la calidad de la producción las diferencia.
Otro de los temas que me han gustado mucho de esta caja de sorpresas que es este álbum en general, es por poner un ejemplo, “Singing to the sunshine”, de nuevo con esas preciosas voces, esta vez con un ritmo más Swing.
He querido incluir también en este post el corte “Mortimer´s Theme” un bonito, sencillo y pegadizo tema instrumental que vale la pena conocer.

Estamos ante otro desconocido trabajo que aunque parezca increíble pasó en su momento por la historia sin pena ni gloria. Otra de esas preciosas joyas felizmente rescatadas del olvido para el deleite de nuestros sentidos.

Guy Masson: Voz, guitarra y percusión
Tom Smith: Voz y guitarra.
Tony Van Benschoten: Voz y guitarra.

Where dragons guard the doors

Singing to the sunshine

Mortimer´s theme

JEFFERSON AIRPLANE. Lather, 1968.

2011-09-06T18:36:00.008+02:00

En esta ocasión no voy a sorprender a nadie sacando un grupo raro y desconocido del interior de mi chistera. Los Jefferson Airplane son de sobra conocidos para muchos de vosotros, apreciados seguidores de este blog, por lo que intentaré ser breve y ahorraré en presentaciones.

Jefferson Airplane es una de las míticas bandas pioneras de la llamada Escena de San Francisco de mediados de los sesenta, movimiento psicodélico musical y cultural, caracterizado entre otras muchas cosas por el consumo con fines espirituales y creativos del ácido lisérgico o la LSD, y también de otras drogas como la potente Mescalina o la menos peligrosa Marihuana. El éxito de esta formación comenzó con la llegada al grupo de la cantante Grace Slick, una guapa ex modelo que venía con la cabeza llena de brillantes ideas y cuya adorable voz resultó ser esencial para el éxito comercial de los Jefferson Airplane.

El tema “Lather” que quiero presentar es uno de mis favoritos, y abre el que sería el cuarto álbum de esta grandiosa banda, el disco titulado “Crown of creation” , lanzado en el año 1968, un álbum excelente en su conjunto, aunque con un diseño de portada algo catastrófico muy poco acertado para mi gusto, con ese hongo nuclear del que surge una imagen de los Jefferson distorsionada. “Lather” fue compuesta por Grace Slick en un momento de máxima inspiración artística, y según algunas fuentes que he consultado fue con motivo del treinta cumpleaños del batería del grupo, el genial Spencer Dryden que por aquel entonces era su compañero sentimental. La letra de esta alucinante canción que Grace regala a nuestros sentidos de forma desbordante y generosa, nos habla de una manera muy surrealista y enigmática sobre la preocupación que Spencer tenía de hacerse mayor, de perder la inocencia de la infancia y de ver alejarse irremediablemente la primera juventud. Una letra complicada de entender y de traducir con cierto sentido, muy característica de los grupos de la Escena de San Francisco. Lather es en definitiva una bella pieza psico folk, llena de mágicos efectos especiales, una de esas valiosas gemas que nos regala el tiempo, y que se disfrutan mejor cuando uno viaja sin moverse del sillón, sin abrir los ojos, y si es posible bajo los efectos de algún suave estimulante que despierte nuestros escondidos y sedientos sentidos. Vosotros ya me entendéis, amigos.

-Marty Balin- vocals, Rhythm guitar.
-Grace Slikc- vocals, piano, organ.
-Paul Kantner- Rythm guitar, vocals.
-Jorma Kaukonen- Lead guitar.
-Spencer Dryden- Drums, piano, stell balls, vocals.
-Jack Casady- bass, co.percussion.

LATHER
Lather was thirty years old today,
They took away all of his toys.
His mother sent newspaper clippings to him,
About his old friends who'd stopped being boys.
There was Harwitz E. Green, just turned thirty-three,
His leather chair waits at the bank.
And Sergeant Dow Jones, twenty-seven years old,
Commanding his very own tank.
But Lather still finds it a nice thing to do,
To lie about nude in the sand,
Drawing pictures of mountains that look like bumps,
And thrashing the air with his hands.

But wait, oh Lather's productive you know,
He produces the finest of sounds,
Putting drumsticks on either side of his nose,
Snorting the best licks in town,
But that's all over...

Lather was thirty years old today,
And Lather came foam from his tongue.
He looked at me eyes wide and plainly said,
Is it true that I'm no longer young?
And the children call him famous,
what the old men call insane,
And sometimes he's so nameless,
That he hardly knows which game to play...
Which words to say...
And I should have told him, "No, you're not old."
And I should have let him go on...smiling...baby-wide.

www.jeffersonairplane.com/the-band/grace-slick/

Para complementar este artículo, he pensado que sería interesante hacer un breve resumen de la historia del descubrimiento del ácido lisérgico o LSD, dada la influencia que esta potente droga alucinógena tuvo sobre la cultura en general y especialmente la musical, a partir de la mitad de los años sesenta.

Albert Hofmann (11 de Enero de 1906 – 29 de Abril de 2008) fue un químico e intelectual suizo nacido en la ciudad de Basilea. Descubrió la estructura de la quitina, pero es más conocido por haber sintetizado por primera vez en 1938 la LSD, mientras estudiaba los alcaloides producidos por el cornezuelo de centeno. Años más tarde en 1943, mientras purificaba y cristalizaba la LSD una serie de sensaciones extrañas le interrumpieron. Había absorbido una pequeña cantidad a través de la punta de sus dedos, y describía las consecuencias por medio del informe que envió en aquel momento al profesor Stoll:

Viernes 16 de abril, 1943, me vi forzado a interrumpir mi trabajo en el laboratorio a media tarde y dirigirme a casa, encontrándome afectado por una notable inquietud, combinada con cierto mareo. En casa me tumbé y me hundí en una condición de intoxicación no-desagradable, caracterizada por una imaginación extremadamente estimulada. En un estado parecido al del sueño, con los ojos cerrados (encontraba la luz del día desagradablemente deslumbrante), percibí un flujo ininterrumpido de dibujos fantásticos, formas extraordinarias con intensos despliegues caleidoscópicos. Esta condición se desvaneció dos horas después.

Años después Albert Hofmann diría en una de sus ya célebres frases:

“Opino que en la evolución humana nunca ha sido tan necesario tener una sustancia como la LSD. Simplemente es una herramienta que nos convierte en lo que se supone que tenemos que ser”

Albert Hofmann: Historia del LSD por raulespert

EDWARDS HAND. Friday Hill, 1969. Close my eyes, 1969

2011-08-22T10:45:00.008+02:00

Edwards Hand, un dúo procedente de una anterior banda llamada Picadilly Line, estaba formado por los ingleses Rod Edwards, teclista y vocalista y el guitarrista y vocalista Roger Hand, ambos compositores de la mayoría de los temas. En 1969 publican el que sería su segundo álbum, un LP homónimo producido ni más ni menos que por George Martin. y

considerado como la obra cumbre de su corta carrera. El caso eque George hizo un descanso tras finalizar su trabajo con el magistral Disco Blanco de The Beatles, y dedicó todo su esfuerzo a la producción de este excelente álbum, ya que admiraba el sonido de Edwards Hand.

Rod Edwards colaboró posteriormente con la gran cantante Marianne Segal en la creación de un disco de Jade “Fly on strange winds”, antes del lanzamiento de un último álbum en 1970.

Los dos temas que os quiero presentar son “Friday Hill”, excelente pieza Pop-Folk a base de guitarras acústicas, flautas y cuerdas y “Close my eyes” con un sonido más folk rock y californiano. En ambas destaca por encima de todo la calidad vocal de estos dos fantásticos músicos.

Estamos ante algo realmente especial. Otro ejemplo de disco que se pierde en el olvido sin dejar rastro durante décadas, pese a su enorme calidad, seguramente por culpa de la falta de interés y promoción de la discográfica. Un tesoro escondido, felizmente desenterrado.

FRIDAY HILL

CLOSE MY EYES

HARMONY GRASS. My Little girl, 1969. I´vee seen to dream, 1969."

2011-08-10T09:23:00.009+02:00

Un sugerente nombre para estos talentosos y descoconocidos muchachos formados en la ciudad de Essex y procedentes de una formación anterior llamada The Rivers. Firmaron en 1969 por la discográfica RCA Records para crear un excelente álbum llamado “This i us”. Los Harmony Grass Dieron sus conciertos a lo largo del Reino unido, actuando entre otros en el famoso Marquee Club de Londres, mítico local del que ya hemos hablado en alguna ocasión en viejo zapato marrón. También aparecieron en numerosos programas de la televisión británica, llegando incluso a crear su propio show. El grupo como suele ser habitual en muchas de las bandas que pasan por el blog, duró lo que duran dos cubitos de hielo en un Whisky, tan sólo un año.

Sus miembros corrieron distintas suertes tras la separación: por ejemplo el guitarrista Tony Ferguson y el bajista Keny Rowe se unieron a los Capability Brown en 1973, mientras que el vocalista Tony Rivers colaboró en los ábumes de Brian Bennet de The Shadows y Roger Daltrey entre otros grandes músicos.

“My Little girl”, un tema muy Beach Boys, escrito por Tony Rivers, con unas voces muy bien ejecutadas y una melodía de lo más pegadiza. La primera impresiónque causa es la estar escuchando al mismísimo Paul Mcartney acompañado por los chicos de la playa.
En “I´ve seen to dream, tenemos más de lo mismo y seguimos en la soleada California con una excelente pieza muy elaborada y con unos soberbios pasajes que alcanzan un nivel vocal e instrumental de una calidad increíble, sobre todo para una banda tan poco conocida.

Este álbum es una auténtica joya de su tiempo, un auténtico regalo. Me lo llevo a la playa este verano.

Lo escucho por tercera o cuarta vez mientras termino de escribir este artículo, y sigo descubriendo en él cosas nuevas y sorprendentes que me dejan con la boca abierta.

My little girl

I¨ve seen to dream

Para más información:

http://www.craftweb.org/web/tony/grass.html

Tony Ferguson: guitarra solista y voz

Hill Castle: bateria y voz.

Brian Hudson: bateria y voz.

Tom Marshall: guitarra, piano y voz.

Keny Rowe: voz.

Ray Brown: bajo.

Tony Harding: guitarra y voz

THE BEATLES, Hey Jude, 1968.

2011-07-29T17:53:00.009+02:00

No es costumbre de este blog, publicar canciones tan largas, pero tratándose de “Hey Jude” con The Beatles se puede hacer una excepción, por que a ellos se les está permitido todo en esta casa.

En 1968 John Lennon y Cynthia Powell rompieron definitivamente sus relaciones matrimoniales por culpa de la aventura amorosa que tuvo John con Yoko Ono. Al bueno de Paul le afectó mucho esta ruptura, debido al cariño y a la gran amistad que tenia con Cynthia y con el hijo de ambos, Julian que entonces tenía sólo cinco años. Cynthia recuerda: “Una tarde me sorprendió la visita inesperada de Paul, y me conmovió mucho su preocupación por nuestro bienestar .Aquella misma tarde, en el camino hacia aquí, compuso Hey Jude en el automóvil.”
El título original de este grandísimo tema era “Hey Jules” y Paul lo compuso con la intención de consolar a Julian del dolor causado por la separación de sus padres.
Hey Jude fué grabado en los EMI Studios durante dos sesiones nocturnas, entre el 28 y el 30 de Julio de 1968, pero la grabación definitiva se realizó por razones técnicas en Trident Studios, ya que este último contaba con un moderno equipo de grabación de ocho pistas, en lugar de las cuatro de EMI. La canción se completó el 1 de Agosto con doblajes adicionales, incluyendo una orquesta de 36 piezas dirigida por George Martin. Violines, violas, violonchelos, flautas, contrafagot y fagot, clarinetes, trompetas, trombones y trompas, percusión, cuerda y dos bajos. Durante la grabación de los coros, Los Beatles invitaron a participar a los músicos de la orquesta para que aportaran aplausos y cantaran el estribillo de la coda. Muchos de ellos aceptaron gustosos a condición de que se les doblara el salario…!!

Recuerdo con nostalgia aquél cálido y mágico final del verano de 1968. Mi hermano mayor, Kike, acababa de comprar aquel single que contenía Hey Jude y Revolución en la cara B, y lo hacía sonar en el viejo pick-up de casa, una y otra vez sin descanso. Yo que entonces era un inquieto chavalín de pelo largo, lo escuchaba maravillado, hipnotizado diría yo. Creo que fue entonces, en aquél mismo momento cuando sentí la picadura que me inyectó el dulce veneno de la música, y que me acompañaría ya durante el resto de mi vida.

Hey Jude, don't make it bad.
Take a sad song and make it better.
Remember to let her into your heart,
Then you can start to make it better.

Hey Jude, don't be afraid.
You were made to go out and get her.
The minute you let her under your skin,
Then you begin to make it better.

And anytime you feel the pain, hey Jude, refrain,
Don't carry the world upon your shoulders.
For well you know that it's a fool who plays it cool
By making his world a little colder.

Hey Jude, don't let me down.
You have found her, now go and get her.
Remember to let her into your heart,
Then you can start to make it better.

So let it out and let it in, hey Jude, begin,
You're waiting for someone to perform with.
And don't you know that it's just you, hey Jude, you'll do,
The movement you need is on your shoulder.

Hey Jude, don't make it bad.
Take a sad song and make it better.
Remember to let her under your skin,
Then you'll begin to make it
Better better better better better better, oh.

Na na na nananana, nannana, hey Jude...

CARL PALMER. The Sage, 1971.

2011-07-16T17:42:00.007+02:00

En 1971, ya bien entrada ya la década, los gigantes Emerson,Lake & Palmer, grabaron el que un año después se convertiría en su tercer álbum, y el primero en directo de su discografía, “Pictures at an exhibición”.

Este gran acontecimiento tuvo lugar en el Newcastle city hall, antiguo ayuntamiento de la ciudad de Newcastle, y estaba inspirado en la mayoría de sus temas en la suite del compositor ruso, Modest Mussorgski, lo que dio como resultado una de las obras mas significativas y originales, aunque no exenta de críticas, del rock progresivo-sinfónico de los años setenta.

La obra está compuesta por una colección de variadas y enérgicas piezas, adaptadas a los chispeantes teclados de Emerson, a las vibrantes guitarras y el bajo de Greg Lake y el excelente trabajo de Carl Palmer con su gigantesca batería, todo ello conseguido con más o menos acierto. Dentro de esta explosión de sonido siempre me gustó especialmente lo que yo considero un remanso de paz en medio de esta tormenta electrónica que es este disco. Me refiero a la excelente pieza titulada “The Sage” que Lake canta magistralmente, acompañado tan sólo por su guitarra acústica, y que nos transporta a épocas renacentistas, evocando antiguos mundos pasados. The Sage es una joya inspirada en parte en la obra del compositor noruego Edgard Grieg, titulada ”Solveig song” el último número de la suite número 2 que aparece en la obra dramática “Peer Gynt” que el dramaturgo también noruego, Henrik Ibsen escribió en 1867.

“Llevo el polvo de un viaje

que no pude sacudir lejos.

Vive en lo profundo, dentro de mi.

Para respirarlo cada día.

Tú y yo somos las respuestas del ayer

el pasado de La Tierra que regresa a la carne erosionada

por los ríos del tiempo

a las formas que ahora tenemos.

Venid a compartir de mi aliento y mi sustancia,

Y mezclar las corrientes y los tiempos

En brillantes e infinitos momentos.

Vuestra razón está perdida en vuestros ojos”

I carry the dust of a journey
that cannot be shaken away
It lives deep within me
for I breathed it every day

You and I are yesterday's answers
the earth of the past come to flesh
Eroded by time's rivers
to the shapes we now possess

Come share of my breath and my substance
and mingle our streams and our times
In bright infinite moments
our reasons are lost in our eyes

BLONDE ON BLONDE. Goodbye,1969. Don´t be to long,1969. Jeanette Isabella,1969.

2011-06-30T18:18:00.007+02:00

Muchos recuerdan a Blonde on Blonde, como el grupo revelación del festival de la isla de Wight de 1969.

Procedentes de Newport en Gales del sur, estos excelentes músicos pusieron nombre a su banda inspirándose en el histórico álbum de Bob Dylan de 1966. Blonde on Blonde se formó en 1967 a través del anuncio publicado en el Melody Maker por el vocalista Ralf Denyer, Se trasladan a Londres para dar sus primeros conciertos y firmar al poco tiempo con el sello discográfico Pye, con el que grabaron en 1969 su primer álbum, una maravilla titulada “Contrast”. El álbum contiene entre otras buenas canciones, una versión casi irreconocible del “Eleanor Rigby” de The Beatles, pero las que quiero presentar son composiciones propias y llenas de ingenio. En “Goodbye” estamos ante una canción Pop-prog perfecta de melodía, con un delicioso sonido de clave como acompañamiento que la hacen adorable. “Don´t be to long” es un tema más folk y acústico, con esa agradable voz tan personal que posee Ralf Denyer. Por último quiero presentar una perla llamada “Jeannette Isabella”. Pop progresivo del bueno, una preciosa introducción de guitarras acompañadas por una cascada de órganos, una canción melancólica y algo triste, pero esto, lejos de empañarla, la hacen todavía más bella.

Otra gran banda que entró con buen pie en los setenta, pero cuya magia se fue disipando incomprensiblemente hasta llegar a desaparecer en 1972. Siempre nos quedará su música como un legado inmortal para las generaciones venideras.

Ralf Denyer, voz, guitar.

Les Hicks, Percusión.

Richard Hopkins, Bajo, Organo, Piano, Cornet., Harpsichord.

Gareth Jonson, guitar, Sitar.

Goodbye

Don´t be to long

Jeannette Isabella

GOLDEN EARRINGS. Must i cry, 1968. Born a second time, 1968.

2011-06-20T18:21:00.008+02:00

Golden Earring no son precisamente unos desconocidos en la historia de la música rock, ni mucho menos.

Esta flamante banda holandesa procedente de La Haya, hoy todavía en activo, surgió a principios de los años sesenta, y ha prolongado con éxito su carrera durante cinco décadas, publicando un total de 33 álbums oficiales, eso sin contar las múltiples recopilaciones existentes. En su país de origen consiguieron más de 30 discos de oro y platino y han vendido varios millones de copias en todo el mundo a lo largo de su historia. Golden Earring está considerada en la actualidad como la banda de rock más antigua que existe en activo, superando incluso por un año a los incombustibles y satánicos Rolling Stones.

Los dos temas que quiero presentar, pertenecen a un estupendo álbum de 1968, llamado “Miracle Mirror”. Este disco es como reza su nombre una especie de espejito mágico del que surgen excelentes canciones como en el caso de “Must i cry”, cantada por el vocalista Barry Haycon , con esa voz suya, verdaderamente singular. Esta canción es un ruego, algo suplicante, inconformista e intemporal. Con esos coros respondones que la empujan y la acompañan hasta el final. O la bella y romántica “Born a second time” con su excelente trabajo con las guitarras acústicas, y que decir de ese pasaje de flauta que aporta al tema una delicada frescura barroca tan especial, y que nos hace remontarnos en la noche de los tiempos.

Dos joyas olvidadas, que he querido desenterrar para deleite de vuestros sabios y entendidos oídos. Amigos míos.

Jaap Eggermont: bateria

Rinus Gerritsen: bajo, teclados.

Barry Hay: faluta, voz.

George Koymans: guitarra, voz.

Frans Krassenbourg: voz.

César Zuiderwijt: percusión.

Must i cry

Born a second time

KALEIDOSCOPE. Angel´s Song "Dear Elvis Presley", 1970.

2011-06-09T18:48:00.005+02:00

Segunda aparición de los londinenses Kaleidoscope en Viejo Zapato Marrón.
En esta ocasión quiero centrarme en un sólo tema, el tema que últimamente me persigue y me tiene loco. Hablo de esa maravilla titulada “Angel´s song. Dear Elvis Presley”, canción incluida en su último álbum “White faced lady” álbum con diferente sonido al de los principios psicodélicos de la banda, más sinfónico y progresivo, más popular si cabe. Fue grabado entre los años 1970 y 1971, y por una falta de acuerdo con la discográfica, quedó inédito y olvidado hasta 1991. La canción es al parecer un polémico homenaje que la banda dedica al gran rey Elvis, posee una controvertida letra que cuenta más o menos el embarazo psicológico que sufre una chica, Ángel, de piel blanca, por obra y gracia del Sr.Elvis… (cada vez entiendo menos a estos ingleses).
Una canción cortita que a mi parecer podría haber prescindido de toda la orquestación que la acompaña y haberse quedado tan sólo con las excelentes guitarras acústicas y la voz de Peter Daltrey, que pone en ella toda su alma y todo su corazón y que dicho sea de paso, canta como un Ángel.

Peter Daltrey (voz, teclados)
Eddie Pumer (guitarra)
Steve Clark (bajo)
Danny Bridgman (batería)

FRESH MAGGOTS. Rosemary Hill, 1971, Who´s t o die, 1971, Everyone´s one to war, 1971. .

2011-05-14T18:52:00.011+02:00

Los Fresh Maggots cuyo nombre significa en castellano algo así como: “gusanos frescos”, son un claro ejemplo de grupo de carrera meteórica. Llegaron, dejaron su huevo de oro y desaparecieron. Se trata de un dúo procedente del condado de Warwickshire en el corazón de Inglaterra, formado por dos excelentes multi-instrumentistas llamados Mick Burgoyne y Leigh Dolphin Estos chicos con sólo 19 años grabaron en Londres a principios de los setenta su único vinilo, compuesto por bellos temas de aire campestre y que podríamos encuadrar dentro del acid-folk-rock.. El álbum homónimo fue lanzado con mucho retraso en 1971, lo cual perjudicó su éxito y promoción.
Estamos ante toda una rareza de disco, muy cotizada por coleccionistas de vinilos. El álbum fue reeditado en CD incluyendo en él grabaciones inéditas para la BBC y algunas demos proyectadas para un segundo álbum que nunca vio la luz.

LOS TEMAS ELEGIDOS:
“Rosemary Hill” Bellas armonías mezcladas con guitarras acústicas y excelentes cuerdas, con ese delicioso toque de glockenspiel, un instrumento parecido al xilófono que acompaña toda la pieza.
“Who´s to die”. Un tema de armonía similar al anterior en el que se utilizan los mismos instrumentos (hay momentos que nos parece estar escuchando la misma canción) otra bella pieza muy caraterística del estilo de la banda.
“Everyyoné´s gone to war” los efectos de la guitarra fuzz de Mick Burgoyne se hacen notar aquí y entran en algunas partes del tema, una canción con evidente mensaje social antibélico, muy característico de la obra de Fresh Maggots.

Rosemay Hill

Who´s to die

Everyone´s gone to war.

FOTHERINGAY. Nothing More, 1970. Winter winds, 1970. The pond and the Stream, 1970.

2011-05-02T08:56:00.005+02:00

Fotheringay, nombre del castillo donde la reina Maria Estuardo de Escocia estuvo encerrada hasta su trágica muerte por decapitación, y del cual sólo quedan unas tristes ruinas en la actualidad.

Esta excelente banda de folk llamada también Fotheringay .Surgió en 1970 como continuación de la desaparecida y legendaria “Fairport Convention”. Sus fundadores fueron la gran vocalista Sandy Denny y su futuro esposo el también cantante, poeta y guitarrista Trevor Lucas.
El mismo año de su fundación, publicaron su álbum debut que fue producido por Joe Boyd, y que entró de inmediato a figurar en las listas del Melody Maker como uno de los veinte mejores discos.
El grupo se separó cuando preparaba la grabación de su segundo LP, por lo que este proyecto quedó guardado y no salió a la luz en su momento. Esto sucedía en el invierno de 1971. Sandy Denny continuó trabajando y publicó cuatro excelentes álbumes en solitario durante los años siguientes de su carrera, pero la fatalidad del destino quiso acabar con su vida un 21 de Abril de 1978, cuando sólo contaba 31 años de edad, a causa de las lesiones cerebrales sufridas tras caer de una escalera. Afortunadamente muchos años después, concretamente en el 2008, algunos supervivientes de la formación, lograron mezclar el material inédito grabado antaño y lanzar un muy aclamado segundo álbum.

“El alma de Denny asistió en silencio a aquél mágico acontecimiento. Nadie la vio, pero estuvo presente el día que el álbum póstumo de Fotheringay salió a la luz después de aguardar durante 38 años. Todos pudieron escuchar su maravillosa e invisible voz flotando en el aire…nadie la vio, pero Denny estuvo allí acompañando a los suyos.”

La excelente “Nothing More” es el tema que abre el álbum y ya nos da una idea general de la atmósfera melancólica que envuelve a todo el trabajo, a la soberbia voz de Sandy Denny le acompaña una perfecta ejecución a la guitarra por parte del guitarrista principal del grupo, Jerry Donahue.
“Winter winds” es otro destacado tema, bello y triste como el viento que sopla en los inviernos del norte, y como bien reza su título. Preciosa melodía y maravillosas guitarras clásicas de aire renacentista.
Por último os dejo “The Pond and the Stream” aunque dada la calidad de todo el disco podría haber elegido cualquier otro corte al azar y no hubiera defraudado a nadie.

El álbum de Fotheringay no tiene desperdicio, es bueno de principio a fin, aunque hay que escucharlo con paciencia para poder sacarle todo el jugo. Un auténtico tesoro.

Sandy Denny - voz, piano, guitarra acústica: Trevor Lucas - voz, guitarras acústicas y eléctricas: Jerry Donahue - guitarra principal y coros: Gerry Conway - batería y coros: Pat Donaldson - bajo y coros.

Winter winds

The Pond and the Stream

KANGAROO. Happy man, 1968. The Only thing i had, 1968.

2011-04-16T09:57:00.007+02:00

Según la enciclopedia Wikipedia, un canguro es un marsupial australiano de gran tamaño.
Kangaroo eran una banda Pop norteamericana que hacían una música con tintes psicodélicos y en ocasiones folk-country, asiduos al famoso Café Wha? de Greenwich village allá por 1968. A pesar de su corta existencia llegaron a ser teloneros de grupos tan monstruosos como The Doors o The Whoo. Lanzaron al mercado un único álbum homónimo, grabado con el sello MGM.
Los miembros más representativos e importantes del grupo son por un lado una famosa cantante de Boston llamada Barbara Keith cuyas canciones han sido interpretadas por Barbara Sterisand, George Lowell y otros artistas de gran calibre. Barbara Keith es la artífice de la voz en alguno de los temas del álbum, pongo como ejemplo una magnífica balada, “The only thing i had”.
Tenemos también en el grupo a John Hall, un excelente multiinstrumentista y gran compositor que aporta ocho de los temas al álbum.
A veces por casualidad uno encuentra una de esas buenas canciones que luego se hacen difíciles de olvidar, y que no se nos borran del pensamiento, como es el caso de “Happy man” que es para mi gusto el mejor de todos los que componen este magnífico trabajo. Se trata de una tema muy beatlesco, cantado por John Hall, con unas estupendas guitarras ácidas y distorsionadas que suenan de maravilla, el tema es de una calidad tal, que pienso que a Paul y John no les hubiera importado tenerlo en su repertorio.

John Hall, voz, guitarra, Steel guitar, teclados. Teddy Spelies, voz, guitar. Norman.Dow Smart, batería. Barbara Keith, voz.

CRESSIDA. One of a group, 1970. Light in my mind, 1970. Spring 69, 1970.

2011-04-04T19:15:00.009+02:00

Londres, año 1969. Un afortunado encuentro entre el vocalista Angus Cullen y el guitarrista John Heyworth, hace que ambos músicos decidan unir sus talentos para formar una banda llamada “Charge” que se completaría con el bajista Kevin McCarthy y el batería Ian Cart. Poco más tarde se les uniría un magnífico teclista llamado Peter Jenning, que aportaría un sonido muy característico de mellotrón al grupo. Es entonces cuando deciden cambiar su nombre por el de “Cressida”, extraño nombre inspirado en el poema medieval “Troilo and Cressida” que más tarde inmortalizaría, para generaciones venideras, un tal William Shakespeare. Cressida dio sus primeros conciertos en Alemania junto a grupos conocidos como “Coliseum” y “East of Eden” y actuando en el famoso Star club de Hamburgo. En 1970 sale al mercado un primer álbum homónimo grabado con el sello Vértigo en los Wessex Sound Studios de Londres, propiedad de George Martin. El resultado será un magnífico trabajo a base de canciones melancólicas y bellas, todavía de corta duración, a las que Angus Cullen aporta un lirismo muy particular con su magnífica voz. Por la época a la que pertenece este álbum se podría etiquetar de progresivo, en el mismo encontramos canciones en las que destaca el excelente trabajo de Peter Jenning con los teclados, como es el caso de “One of a group” o la magnífica “Light in my mind”. Otros temas diferentes o como la triste pero muy bella canción “Spring 69”, una simple balada de aire muy folk en la que escuchamos cantar a Angus Cullen, suficientemente acompañado por unas guitarras acústicas. Tras grabar su segundo y también excelente álbum titulado “Asylum” el grupo se separa para siempre, y sus miembros corren diferentes suertes en sus carreras artísticas. El caso del batería Ian Clark fue el más afortunado, por que se uniría posteriormente a los Uriah Heep. El guitarrista John Heyworth, fundador de la banda, falleció en Enero de 2010.

Angus Cullen. Voz,guitarra Peter Jenning.Órgano, piano, Mellotrón.. John Heyworth. Guitarra, voz. Kevin McCarthy. Bajo. Ian Cart. Batería, percusión.

One of a group.

Light on my mind.

Spring 69

CLEAR LIGHT. Nigths sounds loud, 1967. How many days have passed, 1967.

2011-03-26T22:02:00.009+01:00

Cruzamos de nuevo el charco para aterrizar otra vez en la soleada California, y de paso conocer a los “Clear Light” . Un estupendo grupo formado en Los Ángeles en el año 1966. La banda firmó contrato con el sello Electra para grabar su único álbum al parecer homónimo, pero que aparece en algunas informaciones de la red con el nombre de “Black roses”. Se trata de un soberbio trabajo, otra joya desconocida y recuperada, perteneciente aquel prodigioso año de 1967

Los magníficos teclados y guitarras de “Night sounds loud” crean un sonido ácido, trágico y desgarrador, el cantante y actor Cliff de Young hace un trabajo impecable con esa voz potente y llena de dramatismo, una canción que parece una década adelantada a su época, en cierto aspecto me recuerda a algún tema de Robert Smith de The Cure, aunque esto es sólo una apreciación personal.

El otro tema que os presento se titula “Many days have passed”. Nos encontramos ante algo completamente distinto, más pop, algo folk, una canción perfecta, la personal voz de Cliff, vuelve a poner ese toque de originalidad que convierte el sonido de Clear Light en algo absolutamente adorable y único. Como sólo se hacía en aquellos mágicos tiempos.

Cliff de Young: Vocalista.

Bob Seal: Guitarra y voz.

Schuknett Ralph. Órgano, piano.

Lubahn Doug. Bajo.

Ney Michael, batería, percusión

Dallas Taylor. Batería.

Nighys sounds loud.

How many days haved passed

BULLDOG BREED. Friday Hill, 1969. Dougal, 1969.

2011-03-13T10:11:00.005+01:00

Procedentes de Woodford Green, un suburbio del noreste de Londres, Bulldog Breed se formaron en 1968. Su único álbum grabado a mediados de 1969 y lanzado por el sello Dram en 1970, “Made in England” es un producto típico del final de la era del Pop psicodélico británico, aunque la mayoría de sus temas mezclan blues-rock con algo de psicodélia sin complicaciones, ya denotan unos inevitables aires de transición hacia el progresivo, pero no ocurre lo mismo con los dos temas escogidos.

“Friday Hill”, para mi gusto el mejor corte. Una hermosa y a la vez triste canción, quizás la más psicodélica del álbum, desgarradora tanto la voz como la guitarra. Un emocionante trabajo sin duda.

El otro tema que os presento, “Dougal” está compuesto a base de clavecín y guitarra, suena maravillosamente Barroco. Puro. Una auténtica joyita. Una historia cantada con el corazón, inspirada por la poesía de su época,

Lamentablemente el disco no se vendió muy bien y el grupo se separó muy pronto, algo a lo que ya estamos acostumbrados y que forma parte de la tónica de viejo zapato marrón desde que nació.

Espero que os guste, que os sorprenda.

Louis Farell. Batería

Rod Harrison, Guitar.

Rob Hunt. Faluta.

Bernie Links. Bajo

Nick Spencer. Guitar.

BARCLAY JAMES HARVEST. Mother Dear, 1970. The Iron Maiden, 1970.

2011-02-27T17:16:00.008+01:00

En esta ocasión no voy a sorprender a nadie presentando una rara pieza arqueológica de mi colección particular, ya que se trata de la Barclay James Harvest, banda de sobra conocida para casi todos.
Este post está dedicado especialmente a Stuart John (Wolly) Wolstenholme, el gran vocalista y teclista del grupo, tristemente fallecido el pasado 13 de Diciembre de 2010, fundador de La mítica Barclay James Harvest junto al guitarrista John Lees, el bajista Les Holroyd y el batería Mel Pritchard, allá por el año1967.
Los dos magníficos temas que presento pertenecen a su primer álbum, grabado en los famosos Abbey Road Estudios de Londres, entre Noviembre de 1969 y Febrero del 70. El disco se encuentra en una etapa de transición hacia el sonido progresivo, con temas largos y experimentales, aunque los dos temas escogidos son los más cortos del álbum y ambos poseen una buena dosis de espíritu psicodélico de finales de los sesenta.
“Mother dear” es una canción preciosa,escrita por John Wostenholme, se trata al parecer y según he leído, de un cuento gótico de apariciones de fantasmas en la noche, el tema se remonta al año 1967 en el que ya existía una primera versión. La letra reza: “Oh, querida madre….¡¡ Que noche he tenido!! Me desperté a la luz de una blanca visión. La chica más hermosa que he visto jamás”.
En “The Iron Maiden” encontramos algo parecido. Una misteriosa letra sobre una irreal dama que camina a través de la noche. La canción tiene aires de estilo folk medieval, con una preciosa melodía, unos excelentes coros a mitad del tema, y un buen trabajo del bajista Les Holroyd.

Mother Dear

O Mother dear.
What a night this has been
I awoke in the light of a vision in white
The prettiest girl that I have ever seen

Lately my love, said the lady in white
I have watched from afar, but love draws me near
Now take my hand, hold tight, Mother dear
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?

Mother dear, on that same silver night Saw a figure in black by the lady in white
He said his name was death, was he right?
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?

Mother dear, what a night this has been
It's so cold by your side, no don't cry, can't you see?
Won't you listen to me please, Mother dear
Was it just another dream, Mother dear?

The Iron Maiden (video youtube)

THE FLOOR. In every hand, 1967. Moonbean, 1967. Hush, 1967. Trusting Mr. John, 1967.

2011-02-19T10:49:00.008+01:00

Esta es la primera vez que un grupo procedente de Dinamarca aparece en viejo zapato marrón. Para mi ha sido todo un descubrimiento. La banda formada en 1966 se hacía llamar “The Floor” y era originaria de la ciudad de Copenhague. Su líder Joergen Krabbenhoeft, era el ex cantante de “The Hitmakers”, una formación muy conocida en el viejo país escandinavo. The Floor grabaron un único y estupendo álbum titulado “1st. Floor”, apareció en 1967, fue editado por el sello Philips y producido por el músico, escritor y presentador danés Johnny Reimar, quien aportó un par de temas propios al mismo. Se trata de un experimento muy interesante, de una calidad y originalidad asombrosas, con influencias de otras grandes bandas británicas contemporáneas. Temas psicodélicos, maravillosas melodías barrocas, perfectamente ejecutados con instrumentos clásicos y múltiples y excelentes voces. The Floor se hicieron acompañar en la grabación por un numeroso grupo de amigos y colaboradores, todos sus nombres y aportaciones figuran curiosamente en la contraportada del álbum.
Las románticas notas de piano acompañan a la desgarradora voz de Joergen Krabbenhoeft en “In every hand” preciosa y triste a la vez, o las barrocas “Moonbean” o “Hush” que al escucharlas nos transportan al siglo de las luces. Otro excelente tema es el titulado “Trusting Mr. John”, en el que encontramos una fuerte y placentera dosis de distorsionada psicodélia británica de la mejor calidad. Me encanta esta canción, soy un soñador.
No tengo costumbre de publicar más de dos temas a la vez en este blog, ya me conocéis, pero en esta ocasión no me puedo resistir, me gusta romper las normas, voy a ser más generoso por que la ocasión lo merece. Os dejo en el reproductor todos estos maravillosos temas, que son una buena parte del álbum para que los escuchéis, alucinéis como yo, y podáis juzgar por vosotros mismos.

THE FLOOR:
Steen Bergstroem. (teclados)
Joergen Krabbenhoeft. (vocals)
Bjarne de La Motte. (bajo)
Mogens Petersen. (lead guitar)
Torben Sardorf. (percusión

"In every hand"

"Moonbean"

"Hush"

"Trusting Mr. John"

THE LOST, Everybody knows, 1966. Violet Gown, 1967.

2011-02-07T18:25:00.008+01:00

Estamos a mediados de los sesenta, concretamente en la ciudad de Boston. Poco antes de la aparición del famoso “sonido Bosstown”, el grupo The Lost figuraba entre las bandas de garage más célebres y representativas de la época, junto con grupos como The Remains y The Rockin´Ramrods.
Formados en el Goddard College de Plainfield en Vermont, a finales de 1964 por un cantante y guitarrista llamado Hugh Magbie que seria sustituido posteriormente por Ted Myers, hay que destacar que todos sus miembros eran buenos vocalistas. La carrera de The Lost fue corta aunque duró lo suficiente como para dejarnos un legado de buenas canciones.
La banda se separó en 1967 y Ted Myers pasó a formar parte de los psicodélicos Chamaleon Church. Toda su obra quedó reflejada en una reedición posterior de 1999 llamada “Lost Tapes, 1965-66”,donde se registran los temas grabados en aquellos lejanos años para el sello Capitol.
Dejo en el reproductor mi tema favorito de este recopilatorio “Everybody knows”, tema impecable y de melodía pegadiza con acentuado sonido Stoniano. En el video de youtube escuchamos “Violet Gown” tal vez el más conocido de la banda, considerando su relativo éxito.

FORMACION:
Willie Alexander (teclados, voz), Ted Myers (guitar, voz), Walter Powers (órgano, voz), Kyle Garrahan(guitar, voz). Lee Mason (bateria)

Everybody knows

SYNANTHESIA. "Shifting Sands" 1969. "The tale of the spider and the fly" 1969.

2011-01-29T18:30:00.007+01:00

Shynanthesia. Un extraño nombre para este desconocido trio británico de estilo Psico- Pop- folk cuyos miembros se conocieron en el Londres de 1968 a través de las columnas de anuncios del Melody Maker, y que a pesar de su corta experiencia juntos, ésta dio sus frutos al sacar a la luz en 1969 una maravilla de álbum homónimo repleto de fantásticos temas inspirados en la mitología griega, e interpretados con deliciosos instrumentos como el vibráfono, la Mandolina y la flauta. Shynantesia desapareció del mapa sin dejar rastro y su álbum de edición bastante limitada a pesar de su calidad, se fue perdiendo en el tiempo hasta llegar a convertirse en un disco bastante difícil de encontrar, hasta que finalmente en 2006 fue felizmente reeditado por el sello Sumbean records .

Hermosas canciones de espíritu ácido como “Shifting Sands”, una perla añadida al final del disco como bonus track, o la floydiana “The tale of the Spider and the fly”, ambas son un ejemplo de las maravillas que encierra este excelente álbum.

Espíritu de finales de los sesenta en estado puro, rescatado del olvido para el deleite de nuestros sentidos.

FORMACION.

Dennis Casas: Vibráfono, ghitarra, voz.

Jim Fraser: Saxo soprano, Oboe, flauta de concierto.

Les Cook: ghitarra, bongos, mandolina, voz.

Shifting Sands.

The tale of the spider and the fly.

ROCK SHOP. Yes I love you, 1967.

2010-12-31T18:08:00.007+01:00

Hoy, último día del año, quiero publicar simplemente una bonita canción de amor. No voy a extenderme mucho explicando el origen de este precioso tema titulado “Yes i love you”, sólo decir que pertenece a un teclista y compositor tejano de la ciudad de Topeka en Kansas, llamado Alan Clark. Alan y su amigo el bajista Patt Woertink se unieron al guitarrista John Dalbeck y al bateria Pete Stevens en 1968 para formar un grupo de estilo rockabilly, al que llamaron Rock Shop.
La banda se hizo muy popular en su momento, actuando en un popular club nocturno de la ciudad de West Cobina en el condado de Los Angeles, llamado “Mr. Lee´s Swing,s Affair” que por desgracia cerraría en 1969, a causa de un incendio. Rock Shop grabó su primer y único álbum con la etiqueta Mo-Lee records de Hollywood , el disco fue lanzado en una edición muy limitada y de ámbito local, por lo que se considera una rara y cotizada pieza de coleccionista. Otra joyita rescatada del olvido gracias a la reedición posterior en CD de Radiactive Records.

Rock Shop

"Yes i love you"

98.6 (1967)

2010-12-05T10:26:00.005+01:00

Por muchos años que pasen, uno sigue aprendiendo cosas nuevas cada día.
Estaba curioseando por Youtube cuando descubrí con sorpresa que uno de mis temas favoritos del Pop español de los sesenta, el titulado “98.6” no pertenecía a Los Ángeles, si no que era una versión del original escrito y compuesto por Tony Powers, y George Fischoff e interpretado por un cantante de Filadelfia llamado James Barry Keefer, popularmente conocido como “Keith”. Hay que decir que este estupendo vocalista vendió la friolera cifra de más de 1 millón de copias del disco en cuestión. Al comparar las dos versiones, descubro con sorpresa y agrado que la canción de los granadinos no desmerece en absoluto al original, es más, me atrevo a decir que la supera en algunos aspectos, sobre todo en la parte melódica e instrumental, aunque también hay que reconocer que no posee esos maravillosos y característicos arreglos orquestales de cuerda y viento, ni la dulzura de la voz de Keith.
Llevado por la curiosidad, seguí investigando sobre 98.6, y encontré felizmente una tercera versión del tema, y muy buena por cierto, perteneciente a un popular grupo galés de la época, especialista en interpretar temas ajenos, eran los llamados The Bystanders.

El título de 98.6 hace referencia según parece, a la temperatura normal del cuerpo humano en estado de reposo, medida en grados fahrenheit. Existen dos grabaciones en estudio diferentes en lo que se refiere a la versión española de Los Ángeles, ambas son excelentes, no sé cual me gusta más, me quedo con las dos, y problema resuelto.

Recuerdo esta canción desde que era muy niño, seguramente mi memoria se remonte hasta aquel lejano año de 1967, cuando salió al mercado ese single que se escuchaba aquel verano por todas partes. Aquel cálido verano del amor, que sucedió también en España.

Good morning sun
I say it's good to see you shining.
I know my baby brought you to me.
She kissed me yesterday.
Hello to silver lining.
Got Spring and Summer running through me.

Hey, 98.6.
It's good to have you back again.
Oh, hey, 98.6.
Her lovin' is the medicine that saved me.
Oh, I love my baby.

Hey everybody on the street.
I see you smiling.
Must be because I found my baby.
You know she's got me on
another kind of highway.
I want to go to where it takes me.

Hey, 98.6.
It's good to have you back again.
Oh, hey, 98.6.
Her lovin' is the medicine that saved me.
Oh, I love my baby.

You know she's got me on
another kind of highway.
I want to go to where it takes me.

Hey, 98.6.
It's good to have you back again.
Oh, hey, 98.6.
Her lovin' is the medicine that saved me.
Oh, I love my baby.

LOS ANGELES. 98.6 (guitar)

LOS ANGELES. 98.6 (piano)

THE BYSTANDERS. 98.6

FRAMEWORK. You´re going home, 1969.

2010-11-21T17:05:00.008+01:00

“You´re going home” es un tema que venía rondando por mi cabeza desde hace ya algún tiempo. Una preciosa balada, pegadiza, que te acompaña durante una parte de tu vida. Una especie de agradable insecto zumbón que vive a tu alrededor, que te pica e inyecta su sabia de vez en cuando, poco a poco, en pequeñas y dulces dosis. Un amigo invisible que hace más agradable tu vida…Una guitarra acústica,la voz Tery McCann,un sueño americano que alguna vez existió. Un tiempo de creación con mayúsculas… no hace falta más para hacer una canción perfecta e intemporal. Hijos míos estáis perdonados, no importa cuanto hayáis sufrido en el camino en busca de la verdad. Podéis volver a casa cuando queráis. Siempre os estarán esperando.

Framework. Fue una formación procedente de la mítica ciudad de San Diego (California). Básicamente estaba compuesto por un trío y liderado por un buen cantante y guitarrista llamado Jerry McCann, el bajista Terry Fann y el batería Carl Spiron. Framework. No llegaron a ser tan conocidos internacionalmente como otros tríos contemporáneos mucho más famosos como los Cream o The Jimy Hendrix Experience (palabras mayores), pero a pesar de ello tenían en común la exploración de nuevos e innovadores territorios en la música Rock de finales de los sesenta. Las grabaciones incluidas en este álbum pertenecen a los años 1968 y 1969, y exceptuando la publicación en edición limitada de un sencillo “The dirección” un disco casi imposible de encontrar en nuestros días, el resto del material grabado en su época estaba inédito hasta nuestros días y hasta la aparición de este doble CD titulado “Skeleton”, producido por Shadoks Music en 2007.

"YOU´RE GOING HOME"

THE KOOBAS. The first cut is the deepest 1967. Royston Rose 1967.

2010-10-27T18:39:00.008+02:00

The Koobas se formaron en Liverpool en el año 1962, y al igual que Los Beatles, también pasaron una buena temporada actuando en el mítico Star club de Hamburgo. Debido a la calidad de su música no tardaron mucho en llamar la atención de Brian Epstein, quien se hizo cargo de su representación, y a consecuencia de lo cual llegaron a actuar en 1965 de teloneros en la última gira británica de los Fab Four. Tras la ruptura con Brian Epstein en 1966, The Koobas grabaron singles para el sello Columbia sin demasiado éxito y prolongaron su carrera hasta 1969, año de la publicación de su primer álbum homónimo en el que se recopilan todos sus sencillos. “The first cut is the deepest” es un precioso tema basado en la canción de Cat Stevens, perteneciente a su última etapa, mucho más distorsionado y lisergico que la versión original de Cat, aunque la dura voz de Stuart Leatherwood, brilla también a gran altura. En el otro tema que quiero presentar, “Royston Rose” se aprecia todo el potencial del grupo, es un tema más guitarrero y progresivo, lleno de fuerza y originalidad, otra joyita de este álbum que se ha convertido con el paso del tiempo en una pieza esencial de cualquier colección.

Royston Rose

THE KOOBAS:
• Stuart Leatherwood - guitar, vocals
• Roy Morris - guitar
• Keith Ellis - bass
• John Morris - drums (early)
• Tony O'Reilly - drums (later

First cut is the deepest

SAINT STEVEN. Bastich I, 1969. Voyage to Cleveland, 1969.

2010-10-14T19:04:00.008+02:00

Saint Steven se forman en la ciudad de Boston a finales de la década de los sesenta, partiendo de la idea de un genial guitarrista, cantante y compositor de Massachussets, llamado Steven Cataldo, ex miembro de Ultimate Spinach, contó también para este proyecto con la colaboración del guitarrista Steve Morgan, músico conocido por formar parte años más tarde en los ochenta de la banda de Power Pop “The Nervous Eaters”. Saint Steven son un buen ejemplo del movimiento “Boston sound”del que ya se habló en alguna ocasión en este blog. En la portada de su único álbum publicado en 1969, se representa a un San Esteban abrazado a su guitarra, dentro de una escena apocalíptica correspondiente a un magnífico grabado de Gustavo Doré. En la contraportada vemos el rostro de Cataldo integrado en un cuadro de “El Bosco”. El disco se divide en dos partes tituladas: “Over the hills” en la cara A y “The Bastich” en la B. Un disco que durante décadas fue casi imposible de encontrar y que ha sido recuperado cuarenta años después gracias al sello Ecléctic. Como es costumbre en el blog, he elegido los temas que más me han gustado del álbum, lo cual no quiere decir que sean los mejores. “Bastich I” cuya inquietante introducción a base de coros celestiales da paso a una segunda parte más ácida en la que la cortante guitarra hace un papel soberbio. En “Voyage to Cleveland” tenemos otro buen ejemplo de creatividad, tranquilo, misterioso y deliciosamente psicodélico.

Members:
* Steven Cataldo guitar, vocals
* John Turner Arrangement of the Band
* Russ Hamm Arrangement of the Band
* Stephen Pinney drums (on Bonustracks)
* Ian Bruce Douglas 12string guitar (on Bonustracks)
* Barbara Vanderloop backing singer (on Bonustracks)
* Kerry Frangione backing singer (on Bonustracks)

PLASTIC PENNY. Everything i Am, 1967. No pleasure without pain my love, 1967.

2010-10-02T09:16:00.011+02:00

Plastic Penny. Grupo psicodélico británico, formado en el mítico verano del 67 por cinco miembros procedentes de diferentes lugares del Reino Unido. el vocalista escocés Brian Keiths, el bajista irlandés Tony Murray, el batería Nigel Olsson, el teclista Paul Raymond y un excelente guitarrista llamado Mick Grabham que algunos años más tarde en 1972 se uniría a los míticos Procol Harum como sustituto del guitarrista Dave Ball. El mismo año de su formación ya tenían preparados los temas que compondrían su primer álbum “Two sides of a penny”, que saldría al mercado en 1968. El disco comienza con “Everything i am”, una versión de un tema de los “Box Tops” que alcanzó cierto éxito comercial en las listas de singles del Reino Unido situándose en el número 6 del ranking. En la otra cara del single aparecía otro espléndido tema titulado “No pleasure without pain my love”, en ambos destaca la excelente voz de Brian Keiths y el acompañamiento de cuerdas perfectamente ejecutado y tan característico de su estilo y de su época. Plastic Penny llegó a lanzar un segundo L.P. titulado “Currency” antes de su disolución definitiva en 1969. Una corta carrera la de esta excelente banda, pero a pesar de ello dejaron una marcada huella a su paso por el panorama psicodélico británico

Everithing i am

No pleasure without pain my love

Everything I am, I Everything I am, I am because of you
And everything I do, girl, I do it just for you
You stand by me when the times are rough
How can I ever thank you enough?
Everything I am, darling, I am because of you

Got my feet on the ground, you found some good in me
Everything I am, is what you mean to me
I couldn't have made it without you, no

Can I ever thank you, girl, thank you, girl?
'Cause everythin' I am, I am because of you

Everything I am, I am because of youam

FAPARDOKLY. Lila, 1966. Mr. Clock, 1966.

2010-09-22T19:09:00.007+02:00

Nos encontramos de nuevo en la soleada California de mediados de los sesenta. Fapardokly Es el nombre resultante de unir las iniciales de los apellidos de todos los miembros de este extraño grupo psicodélico. Esta banda estaba liderada por el cantante y compositor Merrell Frankhauser que tras sus inicios en diferentes bandas californianas, publicó el que sería su único álbum en el año 1967. Frankhauser compuso en su totalidad este trabajo, utilizando material antiguo y algún tema nuevo grabado para la ocasión.

“Lila” es un precioso tema grabado en 1966 al igual que “MrClock”, ambos fueron grabados en el Gary Paxton Studio de Hollywood. Merrell pone la voz y guitarra, Mark Thomson los teclados, Jody Cobb el bajo, John Parr a la batería, mientras queDon Aldridge y Gary Lotspeich aportan las segundas voces.

El álbum pasó en su momento sin pena ni gloria, a pesar de poseer talento musical y cierta originalidad, pero debido a su falta de éxito comercial no pudo sobrevivir a su tiempo, aunque actualmente es una de las rarezas más buscadas por los coleccionistas.

Lila

Mr. Clock

AL STEWART. A Small fruit song, 1970. Lover Man, 1967.

2010-09-08T17:21:00.012+02:00

Al Stewart es de sobra conocido por el gran público, debido sobre todo a los éxitos obtenidos durante la década de los setenta con temas como “The year of the cat” o el excelente “Time passages” ambos producidos por Alan Parsons y que lo lanzaron a la fama en todo el mundo. Nacido en la ciudad escocesa de Glasgow en 1945, este gran músico y cantautor de connotaciones folk es autor de una extensísima discografía que comienza en el año 1966 con la publicación de su primer single “The Elf” editado por el sello Decca Records, y se prolonga hasta los años ochenta donde su carrera empezó a sufrir un cierto declive.
Los temas que quiero presentar pertenecen a su primera etapa mucho menos conocida, y están extraídos de un doble álbum publicado en 1993 titulado “To whom it may concerm 1966-1970” donde se recopilan sus tres primeros álbumes, una primera etapa muy influenciada por músicos como Dónovan o el mismísimo John Lennon.
El tema “A small fruit song” de 1970 es una pieza muy folk, a base de guitarras acústicas en la que Al Stewart demuestra su excelencia como virtuso instrumentista. Al se hace de rogar a la hora de entrar a cantar, pero es cierto que cuando su voz aparece por fin hacia el final del tema, nos regala los oídos con una pequeña joya. Una bonita y breve historia que narra la conversación entre una manzana y una naranja. Deliciosa como una fruta.
En “Lover man” tema perteneciente a su primer álbum “Al Stewart First album (Bedsitter images) de 1967, se puede apreciar hasta que punto Al es capaz de crear canciones simples pero llenas de personalidad, divertida, de melodía pegadiza, gusta a la primera, con esa única y maravillosa voz suya que enamora y que en esta canción nos habla de la retorcida historia de un amante celoso y mosqueado con su chica.

A SMALL FRUIT SONG

Said the apple to the orange:"Oh I wanted you to comeClose to me and kiss me to the coreThen you might know me like no other orangeHas ever done before"

LOVER MAN

LONE STAR, Lyla, 1970

2010-08-31T19:16:00.004+02:00

Yo todavía era un niño cuando los catalanes Lone Star lanzaron en 1970 el single “Lyla”. Durante toda mi vida he recordado esta canción sin saber a quien pertenecía hasta que hace unos días por pura casualidad la encontré en youtube y me llevé una gran sorpresa, tanto es así que decidí publicarla en Viejo zapato marrón en cuanto regresara de mis vacaciones. “Lyla” es una de esas canciones que me emocionan de verdad cada vez que la escucho, con esos ritmos orientales de su introducción tan logrados, la voz de de Pedro Gené, llena de emoción y ternura, nos cuenta una bonita historia de amor con una mujer palestina. Un grito irrumpe en el tema para dar paso a un precioso estribillo “Lyla Lyla Lyla, no llores más…” una verdadera maravilla.Es la segunda vez que Lone Star aparecen en este blog, pienso que son una banda verdaderamente importante en la historia del pop español, y que es merecedora de los mejores elogios. En los reproductores dejo la versión original del tema y una versión más reciente muy lograda que hizo el grupo en una de sus últimas reuniones. A mi personalmente me sigue gustando más la primera. Soy un nostálgico, no lo puedo evitar.

Adiós mujer
Para siempre adios
Me voy de aquí
Todo se acabó
Tu pensamiento y tu religión
Son mas fuertes que mi corazón.

Tus ojos negros
Tu pelo al sol
Desierta playa que nos unió
No llores Lyla si he de partir
Tal vez pronto te olvides de mi.

Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más

Mañana vuelvo a mi país
Tu imagen ya no se irá de mi
Y allí en mi casa recordaré
Nuestro amor que volando se fue

En la ciudad de Jerusalén
Hay un lugar que no olvidaré
Aquella mesa solos los dos
Y tus labios dijeron Adios

Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más

SOPWITH CAMEL. The great Morpheum,1967. You always tell me baby,1967.

2010-07-26T18:44:00.006+02:00

Sopwith Camel fue el nombre con el que se bautizó a un famoso avión biplano inglés de la Primera Guerra Mundial, y cuyos heroicos pilotos derribaron un total de 1.294 aparatos enemigos a lo largo de la contienda.
Estamos en 1966. Un encuentro casual entre el guitarrista Terry Macneil y el poeta
Peter Kraemer en una librería de la ciudad de San Francisco, hace que esa misma noche se reúnan ambos en una fiesta para tocar. Un mes más tarde formarían una de las bandas pioneras de la escena de San Francisco con el nombre de ”Sopwith Camel”.
En el año 1967, editado por el sello “Kamasutra Records” sale al mercado su primer álbum homónimo, el cual se mantuvo durante 13 semanas en el número 1 de las listas locales y alcanzó el 26 en los Estados Unidos. El diseño de la portada es obra de Victor Moscoso famoso artista diseñador de postres psicodélicos. El álbum contenía un tema titulado “Hello, Hello” que fué el que les reportó más éxito y por el que se conocía más al grupo. Al año siguiente Sopwith Camel deciden separarse unos años para volver a juntarse ya en 1971 y llevar adelante el proyecto de su segundo y último álbum “The miraculous hump returns from the moon”

Esta es a grandes rasgos la historia de este estupendo grupo californiano que nos dejó temas como “The Great Morpheum” una excelente pieza psico, cuyo inquietante ritmo de piano que nos transporta hacia unos pasajes de auténtico desbordamiento instrumental, aunque sin perder nunca el hilo de la canción. Con el otro tema escogido “You allways,tell me Baby” nos podemos relajar después del viaje, puesto que se trata de una composición mucho más clásica, Pop elegante y sencillo sin más pretensiones que alegrarnos el corazón.

Peter Kraemer: vocal-saxo-teclados.
Terry Macneil: guitar.
Norm Mayell: batería-Sitar.
Martin Beard: bass.
William Sievers: guitar.

THE PEEP SHOW. Mazy,1967. Lovey dovey feeling,1967.

2010-07-18T10:04:00.007+02:00

The Peep Show es otro claro ejemplo de una de tantas bandas psicodélicas que tal vez por falta de promoción o de suerte, quedaron apartadas de la escena musical a finales de los sesenta. The Peep Show eran un cuarteto de músicos formado en Londres, que poseía una peculiar visión lírica y estaba dotado de una excelente sensibilidad para el Pop, como bien supieron dejar reflejado en su excelente trabajo.
Transcurridos treinta años de su separación, en 1999, su casi desconocida obra pudo ser recuperada gracias a la iniciativa del sello discográfico ”Tenth Planet” que tuvo la feliz idea de lanzar un vinilo incluyendo los temas correspondientes a los dos únicos singles que salieron al mercado durante el corto año de existencia del grupo, además de un puñado de temas inéditos recuperados a través de viejas cintas guardadas largo tiempo y a buen recaudo. En el reproductor de youtube escuchamos dos versiones de “Mazy”, una alucinante canción, perteneciente a su primer single. Convertida con el paso del tiempo en un clásico del género Pop, fue editada por la discográfica Polydor en 1967, en plena efervescencia del Verano del Amor. En la cara B grabaron “Your Servent Stephen”, tema algo más conocido por una versión de “The Blues Magoos”. Entre las canciones inéditas que posee el álbum me gusta mucho “Lovely dovey feeling” preciosa canción de estilo más folk con sus rasgantes guitarras acústicas y originales voces melódicas, perfectamente compenetradas durante todo el viaje, tiene a mi parecer algo de inspiración pseudo-beatleliana que hace que te enganche y atrape en cada escucha.

No tengo mucho más que contar sobre The Peep Show. No he podido encontrar más información en la red sobre este curioso grupo y desconozco quienes fueron sus componentes, por consiguiente tampoco se que fue de ellos durante los años siguientes a su disolución. Lo único importante, y en esto estaremos de acuerdo, es que queda la música. Estos muchachos pasaron por la historia dejando la huella imborrable de un puñado de buenas canciones que tuvieron la suerte de ser rescatadas del olvido para nuestro disfrute y el de generaciones venideras. Para la eternidad.

LOVEY DOVEY FEELING

THE BEATLES. I´v just seen a face,1965. Yesterday,1965

2010-07-11T10:59:00.019+02:00

Ayer…todos mis problemas parecían tan lejanos. Ahora parecen estar aquí para quedarse”.
Recuerdo con nostalgia aquellos felices años de mi niñez, que dieron paso a una adolescencia en la que empezaba a despertar en mi la fascinación por la música. Siempre me ha gustado acompañar mi vida con canciones, poner una melodía a aquellas irrepetibles vivencias que tuve la suerte de experimentaren mi juventud. Reconozco haber tenido mucha suerte por nacer en un tiempo en el que todavía era posible cambiar el mundo con una simple canción de amor.
Yo era muy pequeño cuando Paul Mcartney y The Beatles grabaron “I´ve just seen a face” pero tuve la suerte de tener un hermano mayor de larga cabellera que escuchaba repetidamente aquellos singles que giraban y giraban a 45 r.p.m, incansablemente en el Pick-up de mi casa. Este tema siempre me fascinó, me parecía la melodía mas bonita del mundo, con esa magistral introducción de guitarra acústica que me sonaba a música celestial, y ese Paul siempre enamorado, cantando con pasión “Ella es la chica que necesito y quiero que todo el mundo sepa que nos hemos encontrado”. Años más tarde, ya en un flamante equipo Phillips estéro, descubriría el Long Play entero “Help!!”, aquella obra maestra con sus asombrosas canciones como “Yesterday” que tal vez sea la más famosa composición de la década y que por si sola podría representar a toda la humanidad de La Tierra, en caso de tener que elegir una sola canción en el Mundo para enviarla al espacio en misión de paz a cualquier desconocido planeta de nuestro Sistema solar. Dejo en el reproductor estos dos temas que representan un trozo de mi vida y que seguirán ligados a ella mientras Dios me conserve los sentidos, y espero que sea por muchos años. Gracias Paul, John, George y Ringo.

I´VE JUST SEEN A FACE.
John:Guitarra Acústica
Paul:Guitarra Acústica y VozI've just seen a face
George:Guitarra Acústica
Ringo:Batería y Maracas

I can't forget the time or place where we just met
She's just the girl for me
And I want all the world to see we've met
Had it been another day
I might have looked the other way
And I'd have never been aware
But as it is I'll dream of her tonight
Falling, yes I am falling
And she keeps calling me back again
I have never known the like of this
I've been alone and I have
Missed things and kept out of sight
But other girls were never quite like this
Falling, yes I am falling
And she keeps calling me back again
Falling, yes I am falling
And she keeps calling me back again
I've just seen a face
I can't forget the time or place where we just meet
She's just the girl for me
And want all the world to see we've met
Falling, yes I am falling
And she keeps calling me back again

Had
YESTERDAY
Paul: Guitarra acústica y voz
Violins: Tony Gilbert, Sidney Sax Viola:Kennet Essex Chelo:Francisco Gabarro (¡¡¡Un Español Yesterday!!!) Título de Trabajo: Scrambled Eggs.

Yesterday, all my troubles seemed so far away.

Now it looks as though they're here to stay.
Oh, I believe in yesterday.
Suddenly,
I'm not half the man I used to be,
There's a shadow hanging over me,
Oh, yesterday came suddenly
Why she had to go
I don't know she wouldn't say.
I said something wrong,
Now I long for yesterday.
Yesterday, love was such an easy game to play.
Now I need a place to hide away.
Oh, I believe in yesterday.
Why she had to go
I don't know she wouldn't say.
I said something wrong,
Now I long for yesterday.
Yesterday, love was such an easy game to play.
Now I need a place to hide away.
Oh, I believe in yesterday.
Mm mm mm mm mm mm mm.

MICHEL POLNAREFF. La poupée qui fait non,1966. Love me please love me,1967. Voyages,1971.

2010-07-03T17:18:00.008+02:00

Michel Polnareff es un claro ejemplo de que el Pop Rock de los sesenta no era algo exclusivamente Anglo-Sajón. Este gran compositor francés nacido en la Villa de Nérac (Lot et Garonne) en el seno de una familia de músicos, comenzó tocando la guitarra en las escalinatas de la basílica del Sacré Coeur , se hizo muy popular a mediados de los sesenta y su éxito se prolongó hasta los ochenta, perdurando hasta nuestros dias. Canciones tan conocidas por el gran público, como su primer gran éxito “La Poupée qui fait non” de 1966, un precioso tema que a todos nos suena pero que seguramente ignorábamos quien era su autor. Una anécdota curiosa sobre esta canción es que se grabó en Londres con la participación del gran Jimmy Page que por entonces trabajaba como músico de sesión. Otro ejemplo de canción archiconocida en todo el mundo es “Love me please, love me” de 1967, en este precioso y romántico tema de enamorados que Michel Polnareff interpreta al piano, demuestra la calidad de su excelente voz. “Love me please love me” se convirtió en un clásico lento de las pistas de baile durante muchos años.
En 1971, tras dejar atrás una década plagada de éxitos comerciales y algo enturbiada eso si, por su extravagante y polémica imagen personal, Michel publicó el álbum “Polnareff´s” que está considerado como una obra maestra del pop psicodélico francés. Fue a raíz de descubrir este disco, que empecé a interesarme por la carrera de este gran artista, y descubrí con sorpresa todas las maravillas que contenía toda su obra anteriorde los sesenta. Aquellas canciones grabadas en mi mente, que tanto me sonaban por haberlas escuchado de niño, salían del anonimato y por fin tenían rostro, nombre y apellidos. Michel Polnareff no sólo era un gran cantante romántico si no que además su talento como compositor y pianista se demuestra en temas instrumentales como “Voyages” que da inicio a este magnífico álbum. Comienza con una apoteósica overtura a base cuerda y viento que sería digna de acompañar musicalmente al relato de una gran epopeya; seguida de inmediato por unos pasajes de lo más Funky y jazzísticos, con notas de clavecín barroco, el bajo y la percusión me encantan por la fuerza que imprimen. Es un tema corto, antes de que nos demos cuenta, el sonido clásico de órgano nos trasladará hasta el final de forma suave como si todo volviera al principio. Magistral.

Michel Polnareff - Love Me Please Love Me

Love me, please love me.
je suis fou de vous.
pourquoi vous moquez-vous chaque jour de mon pauvre amour ?
love me, please love me.
je suis fou de vous.
vraiment prenez-vous tant de plaisir à me voir souffrir.
si j'en crois votre silence, vos yeux pleins d'ennui.
nul espoir n'est permis.
pourtant je veux jouer ma chance. même si, même si.
je devais y brûler ma vie.
love me, please love me.
je suis fou de vous.
mais vous moquerez-vous toujours de mon pauvre amour ?
devant tant d'indifférence, parfois j'ai envie
de me fondre dans la nuit.
au matin je reprends confiance,
je me dis, je me dis,
tout pourrait changer aujourd'hui.
love me, please love me.

MAGNA CARTA. Times of change,1969. The Ballad of Francis Albadalejo,1969. Emily trhu the window pane,1969.

2010-06-28T19:03:00.005+02:00

En esta ocasión quiero presentar a un grupo que lleva en el tintero bastante tiempo y que estaba deseando publicar, pero ha tenido que esperar su turno como todos, a pesar de ser una de mis bandas favoritas y uno de mis más gratos descubrimientos.
Magna Carta es una banda bitánica, fundada en Mayo de 1969 cuyos principales miembros eran un licenciado en teología llamado Chris Simpson, compositor, poeta, vocalista y magnífico guitarrista acústico. Lyell Tranter, un guitarrista australiano de formación clásica y el también vocalista, Stuart Glenn.
El mismo año en el que el grupo inició su andadura, publicaron su primer L.P. conocido con el nombre “Times of change” editado por el sello Vértigo, salió al mercado poco antes de terminar la década. Se trata de un magnífico álbum lleno de grandes composiciones de las cuales he seleccionado, no sin mucho esfuerzo, tres de ellas
“Times of change” es el tema que abre el álbum y se trata de una soberbia canción, el folk-rock en su máxima expresión, diría yo. Chris Simpson demuestra su admiración por Paul Simon, creando un tema a la altura de los mejores de Simon&Garfunkel, es increíble que una pieza semejante no sea más conocida.
En “Ballad of Francis Albadalejo” o también llamada “El triste destino de Francis Albadalejo”, Chris nos cuenta una historia verdadera, narra sus espantosas experiencias personales cuando trabajaba como ayudante de un médico de autopsias, antes de dedicarse a la composición. A pesar de este morboso relato, la canción a ritmo de vals es una maravilla.
El tercer tema se titula “Emily thru the window pane” y es otra demostración del genio compositivo de Chris, donde las voces y las cuerdas combinan a la perfección. El tema narra una sencilla historia que habla de la paz de los campos y de la vida rural, contemplada a través de una ventana. Absolutamente hermosa.

Magna Carta siguió publicando excelentes discos durante los setenta y prolongó con éxito su existencia durante las siguientes décadas con diferentes formaciones. El 11 de Mayo de 2009 dieron en la ciudad de Amsterdam lo que al parecer fue su último concierto de despedida.

WOODY WOODPECKER SONG, 1941-1968

2010-06-20T11:40:00.006+02:00

Viejo Zapato Marrón cumple ya un año.
Para celebrar este primer aniversario de una forma diferente y divertida he elegido como protagonista de este post a uno de los personajes de dibujos animados que más me cautivaron e hicieron reir en mis lejanos años de infancia. “Woody Woodpecker” era conocido en España como el Pájaro Loco o Loquillo y fue el divertido, alocado e histérico protagonista de una famosa serie de animación, producida por la Walter Lantz Animation Studios. Su origen se remonta al principio los años cuarenta y comenzó a emitirse por primera vez por la televisión norteamericana en 1957 con el nombre de “El Show del Pájaro Loco”. La serie continuó produciendo cortos durante la década de los sesenta y se prolongó hasta 1972, año en el que los estudios cerraron sus puertas por motivos económicos. La primera versión del tema musical “Woodywoodpecker song” fue cantada por Kay Kyser y Gloria Wood y se remonta al año 1948.
Veinte años después en 1968 un estupendo grupo de la ciudad de Denver , conocido con el nombre de “Lothar & The Hand People” incluyó en su primer álbum titulado “Presenting” una particular versión inspirada en el tema principal de la serie, “The Woody Woodpecker song” no es ni mucho menos el más representativo de este disco que posee mejores y mas originales composiciones y merecería un post aparte, pero lo he considerado adecuado para la ocasión y espero al menos arrancar la sonrisa de algunos seguidores que últimamente andan algo bajos de moral.

The Woody woodpecker song

THE MAMAS & THE PAPAS. "Got a feelin" 1966.

2010-06-12T17:45:00.012+02:00

Quiero presentaros en esta ocasión uno de mis temas favoritos de todos los tiempos. Voy a ser breve y no me voy a extender en detalles sobre el grupo, puesto que considero que los californianos The mamas & The Papas son sobradamente conocidos por la mayoría de la gente que ama la buena música. “Got a feelin” compuesta en 1866 por John Phillips y maravillosamente cantada por la divina Cass Elliott, (Mamá Cass) tristemente fallecida en 1974 de un ataque al corazón, y la bella Michelle Gillian quien la acompaña a la perfección con su celestial voz., el canadiense Dennis Doherty cierra la formación.”Got a Feelin” es un bellísimo tema desprovisto de alardes sinfónicos, sólo suaves guitarras con unos deliciosos toques de campanilla y las voces lo hacen todo. Hippismo californiano acomodado en su más pura expresión. Espíritu de una época dorada de la música.

GOT A FEELIN
Got a feelin' that I'm wasting time on you babe;
Got a feelin' that you've been untrue.
I got a feelin' that you're stealin'
All the love I thought I was giving to you.
Baby, it's true.

Got a feelin' that you're playing some game with me babe;
Got a feelin' that you just can't see.
If you're entertaining any thought that you're gaining
By causing me all of this pain and making me blue
The joke's on you.

When I get to feeling that you're stealing love
And I don't know why, baby,
It makes me so discouraged
I finally get the courage not to cry, babe,
Or even try, babe.

Got a feelin' that I'm wasting time on you babe;
Got a feelin' that you've been untrue.
I got a feelin' that you're stealin?
All the love I thought I was giving to you.
Baby, it's true; the joke's on you.
Baby it's true; the joke's on you.

GILES,GILES & FRIPP. Under the Sky, 1968. Thursday Morning, 1968. I talk to the wind, 1968.

2010-06-06T17:50:00.006+02:00

Estamos en Agosto de 1967. Por aquella época, dos hermanos de la ciudad costera de Bournemouth, en el sur de Inglaterra, llamados Michael y Peter Giles, pusieron un anuncio en la prensa local buscando un cantante y teclista para su grupo. Ni corto ni perezoso, nada mas enterarse de la noticia, el Sr. Robert Fripp se presentó a la oferta y a pesar de no cumplir con lo fundamentalmente requerido, fue contratado de inmediato por su magistral y original forma de tocar la guitarra. La banda se formó con el nombre de Giles,Giles& Fripp y se trasladó a vivir a Brondesbury Road en Londres, poniéndose manos a la obra durante muchos meses, experimentado con su música y grabando infinidad de demos en cientos y cientos de metros cinta. Todo este trabajo fue reconocido y dio lugar a un contrato de grabación con la recién formada Dram Records, que era por aquel entonces una división de la gran discográfica Decca, dedicada a descubrir el talento de los grupos más innovadores y experimentales. En 1968 y tras muchos meses de arduo e inventivo trabajo, salió al mercado el álbum titulado “The Ceerful insanity of Giles,Giles & Fripp”. El disco a pesar de su fracaso comercial (al parecer se vendieron menos de mil copias) era un buen trabajo, una mezcla de sonido psicodélico jazzístico, barroco y progresivo, marcado por unas letras repletas de ironía y buen humor. Todo un divertido experimento, absolutamente original, un pequeño anticipo de las magistrales obras que estaban por llegar en los años y décadas siguientes. Efectivamente, en ese mismo año nacería “King Krimson”, una de las más famosas y originales bandas de la historia del rock sinfónico y progresivo. Del trío inicial, tan sólo el bajista Peter Giles quedaría fuera de la formación, siendo sustituido en sus comienzos nada mas y nada menos que por el magnífico guitarrista Grek Lake, músico,cantante y compositor, mas tarde pasaría a ser uno de los tres componentes de los monstruosos Emerson,Lake & Palmer.
“Under the sky” por ejemplo, es un lento e hipnótico tema, interpretado de forma magistral,una muestra de talento primitivo, todo él suena a 1968. Un misteoso himno a la Creación. Cantado bajo un cielo protector. Cuando todavía era posible cambiar el Mundo. En “Thursday morning” la excelencia vocal sobresale, combina a la perfección con los arreglos de cuerda y viento barrocos, donde la virtuosa guitarra eléctrica de Robert Fripp se integra de forma asombrosamente natural, como si siempre hubiera formado parte de ese ancestral sonido dieciochesco y aportando su original virtuosismo. Por último quiero presentar “I talk to the wind” otro ejemplo de ese espíritu que envuelve la música nacida aquel singular año. Dejo este tema en video de youtube, puesto que tiene mejor sonido que en la grabación de mi archivo gratuito. Las imágenes son bastante insignificantes, aunque bonitas, pero el tema es sublime, pertenece a un álbum publicado con posterioridad en el 2001 “The Bolondesbury Tapes”, donde se recopilan grabaciones correspondientes a la primera etapa del trío durante su estancia en Brondesbury Road , grabaciones que curiosamente fueron desestimadas por Decca en su momento. El tema “I talk to wind” se convertiría en un clásico de la emergente primera época de los gigantescos King Krimson. Todo lo demás es historia mas reciente que muchos ya conocéis. Se admiten comentarios…

Under the Sky.

Thursday Morning.

Giles, Giles & Fripp
• Robert Fripp: Guitarras
• Peter Giles: Bajo
• Michael Giles: Batería, Percusión
Personal adicional
• Ted Barker, Cliff Hardy: Trombón
• R. Cohen, G. Campos, K. Isaccs, B. Pecker, W. Reid, G. Salisbury: Violín
• Coulling Juan, Rebecca Patten: Viola
• A. Ford, Charles Tunnell: Violonchelo
• Ivor Raymonde: Arreglos de cuerda
• "Las escapadas": coros
• Mike Hill, Nicky Hopkins: Teclados

CHAMAELEON CHURCH. Spring this year,1968. In a kindly way,1968.

2010-05-30T16:56:00.008+02:00

A mediados de los sesenta, y en pleno movimiento “Boston Sound”, el cantante y guitarrista Ted Myers, ex miembro del grupo “The Lost” y el multiinstrumentista Tony Scheuren ,crean una banda llamada “Chamaeleon Church”, para rivalizar con grupos contemporáneos tan conocidos como “Ultimate Spinach”, “Orpheu” o ”Beacon Street Unión”. La banda lanzó al mercado en 1968 un único álbum producido por Alan Lorber, bajo el sello discográfico MGM. En este magnífico trabajo se mezclan el Pop barroco con la psicodélia y el Sunshine Pop de forma moderada y sin excesos, creando sencillas melodías de cuidadas armonías vocales en todas sus canciones, y formando un muy recomendable álbum en su conjunto. La imagen de la portada nos recuerda a los geniales diseños de Andy Wharol, con esos colores eléctricos y esa fotografía desdoblada, todo un arquetipo de la época dorada que representa.
“Spring this year” transcurre a ritmo de vals, con la ensoñadora voz de Tony Scheuren, que nos recuerda inevitablemente al maestro inspirador Mcartney. El sonido parisino de un acordeón suena en algunos pasajes del tema, creando una atmósfera de atracción ferial muy original y psicodélica. En el video de Youtube, escuchamos “In a Kindy way” un bonito tema de aires folk, con unos preciosos acordes de guitarra acústica, la canción es una pequeña maravilla sonora, de una sencillez tan exquisita que enamora desde la primera escucha.
En 1969 y tras una breve gira, el grupo desapareció definitivamente. La década tocaba a su fin y “Chamaeleon Church” como tantos otros buenos grupos de esta época dorada de la música, no llegó a ver completado su caleidoscópico sueño.

CHAMAELEON CHURCH
Ted Myers: guitarra,voz.
Tony Scheuren: voz principal, guitarra, clavicordio.
Chevy Chase: piano, percusión

Kyle Garran: bajo.

THE TRAVEL AGENCY. What´s a man, 1968. So much love, 1968.

2010-05-22T22:40:00.008+02:00

Cuando en 1968 apareció este álbum del grupo “The Travel Agency”, sus productores olvidaron poner los nombres de sus componentes, tan sólo aparecía el nombre del grupo y la lista de canciones .Con tan poca información disponible y transcurridos ya cuarenta y dos años del lanzamiento del disco por la discográfica Viva records, me ha resultado muy difícil encontrar algo más en la red sobre esta banda. Sólo he podido averiguar que procedían de la ciudad de San Francisco y que uno de sus miembros era el guitarrista y vocalista Frank Davis, que trabajó con la banda texana “The Feber Tree”, formación más conocida por haber publicado cinco álbums entre los años 1968 y 1978. No conozco a fondo la discografía de Feber Tree, pero según he leído en algún blog, el álbum de “The Travel Agency” es superior a cualquiera de los de “The Feber Tree”. Como ejemplo de la calidad y originalidad que posee esta obra, he elegido dos temas entre los doce que componen el disco.
En primer lugar quiero presentar “What´s a man”: Una larga introducción instrumental ocupa la mitad del corte y da paso si tenemos paciencia a un excelente tema Pop-psique-californiano de melodía pegadiza y perfectamente ejecutado por las guitarras, batería y bajo. La letra de la canción según deduzco, nos habla de la dura conversación que mantienen un padre y su hijo. En contraste con este tema nos encontramos con la increíble “So much love”, una hermosa y sencilla balada de enamorado. Cantada en algunos pasajes a dos voces y acompañada tan sólo por una guitarra clásica de aire renacentista. Me encanta esta canción, su intemporal y bucólico sonido me transporta en el tiempo.

Un álbum muy recomendable en su conjunto, casi no tiene desperdicio, variado, original y con personalidad propia. Incomprensiblemente desconocido.

So much Love

What´S a man

THE EXECUTIVES. Moving in a circle, 1968.

2010-05-14T22:42:00.006+02:00

Buscando entre mi colección de buenas canciones sesenteras, encontré en mis desordenados archivos un tema que ya tenía casi olvidado. Se trata de una canción muy psicodélica y curiosa, titulada “Moving in a circle” de un grupo llamado “The Executives”. Esta banda australiana originaria de la ciudad de Sydney, fue fundada en el año 1966 por el matrimonio Brian y Carole King, a la cual no hay que confundir con la gran cantante neoyorquina. Cosecharon muchos éxitos en su país, llegando a ser una de las primeras bandas de Pop australianas en producir sus propios discos. En 1968, al poco de lanzar al mercado su primer LP homónimo con el sello Buda, The Executives realizaron su primera incursión en el mercado norteamericano , y debido al éxito obtenido, repetirían al año siguiente en el 69. “Moving in a circle” era el tema de la cara B del single “It´s a happening World”. Termino este breve post, pues no dispongo de más información sobre esta estupenda banda australiana que siempre será recordada por su gran inventiva y sus preciosas armonías vocales.

THE EXECUTIVES
1966-69 Dennis Allgood (bass, vocals) Ray Burton (guitar, vocals) 1967-69 Rhys Clark (drums) Gino Cunnico (vocals) 1967-69 Dudley Hood (guitar) 1966-67 Brian King (keyboards) Carole King (vocals) Gary King (bass) Keith Leslie (sax, vocals) 1966-67 Brian Patterson (guitar) 1967-69.

THE END. Shades of Orange, 1967. Loving sacred loving, 1967.

2010-05-08T17:54:00.019+02:00

El Grupo “The end” nació en el año 1965 de la mano del cantante y guitarrista Colin Griffin y el bajista Dave Brown. Lo más curioso es que en sus comienzos pasaron una buena temporada en España invitados por un tal Brock, un coreógrafo que por aquel entonces buscaba una banda británica para participar en un programa de televisión y de paso promocionarlos en nuestro país. The End grabaron varios singles con el sello español Sonoplay que estaba dirigido por el argentino afincado en España Adolfo Waitzman , y que alcanzaron cierto éxito sobre todo en el entorno de la escena madrileña de entonces, codeándose con grupos nacionales contemporáneos que grabaron con el mismo sello, tan conocidos como Los Pop Tops, Los Canarios, y alguno menos famoso como Los Polares.En el verano de 1967 se empezó a formar el material que compondría su futuro y único álbum, “Introspectión” cuya publicación se retrasaría 18 meses hasta el año 1969. El álbum fue producido por Bill Wyman el bajista de los Rolling Stones, con el cual les unía una buena amistad, y contó tambien con la participación del batería Charlie Watts, que colaboró en algún tema del disco. Un claro ejemplo de la magia y sabiduría aportada por Wyman lo encontramos en el tema “Shade of Orange”, en él se aprecia un excelente trabajo del bajista, perfectamente fundido con el sonido parecido a un tronco hueco que produce la batería, las estupendas voces aportan una atmósfera pseudo- oriental a este original tema.

En “Loving sacred loving”, un tema que originalmente fue grabado en single por la mencionada discográfica Sonoplay, encontramos una bonita introducción de clavecín barroco a cargo del teclista Nicky Hopkins, seguidas de unas armonías vocales muy breat-Pop y con unos muy personales toques de psicodélia.

La publicación de “Introspection” se retrasó un año y medio en su publicación. Cuando apareció en 1969, ya era tarde, la década llegaba a su fin y la música estaba en plena transformación hacia el rock progresivo, este fué seguramente el motivo de su escaso éxito comercial. Sin duda este gran trabajo hubiera encajado mejor en 1967. No he encontrado ni videos, ni letras, ni más imágenes de esta desconocida banda, cuya gran obra nació por desgracia en un momento equivocado.

THE END

Hug Atwood: batería

Dave Brown: Bajo-voz

Nick Gram.: teclados

Colin Griffin: guitarra-voz

Nicky Hokins. Clavecín

Terry Taylor: guitarra.

BUFFY SAINTE-MARIE. Universal Soldier, 1964. Must i go round,1965. Until it´s time for you to go, 1965.

2010-05-02T09:44:00.008+02:00

Esta gran dama india del folk norteamericano llamada Buffy Sainte-Marie, ha sido a menudo comparada con artistas como Joni Mitchel o Joan Baez, debido a la excelencia de su voz y también a la calidad de sus composiciones. Nacida en el año 1941 en la reserva de Piapot Cree de la provincia de Sascatchewan en el Canadá. Desde sus comienzos como cantautora a principios de los sesenta, su música siempre estuvo vinculada a la lucha por la defensa de los atropellados derechos de su pueblo aborigen. Fue también una incansable activista por la paz mundial, anticipándose varios años al movimiento Hippie, y hasta el punto de ser censurada por el gobierno del presidente de los Estados Unidos, Lyndon Johnson, que hizo desaparecer de un plumazo todas sus canciones de las ondas de radio de todo el país, por considerar que sus letras eran un ataque directo a la honrada e incuestionable gestión de su mandato.
En el año 1963 el gobierno estadounidense, negaba de forma hipócrita su participación en la guerra de Vietnam, mientras los ciudadanos norteamericanos eran testigos de la llegada constante de soldados heridos en cuerpo y alma que regresaban de aquel infierno asiático al que habían sido enviados de forma engañosa. Este hecho inspiró a Buffy Sainte-Marie para componer su canción protesta antibélica titulada “Universal Soldier”, que es quizá el tema mas conocido de su extensa carrera artística, la canción estaba incluida en su primer álbum titulado “It´s my way” publicado en 1964. Más tarde el genial Dónovan la convertiría en un éxito mundial, y también en un himno universal de la lucha pacifista. Al año siguiente, 1965, salió al mercado su segundo álbum, “Many a mile”, un excelente trabajo cargado de estupendos temas siempre en esa línea Folk reivindicativa, tan popular y característica de aquellos años. . Pongo por ejemplo el tema titulado “Must i go round”, se trata de una preciosa balada cargada de nostalgia que hipnotiza al oyente desde su primera escucha, debido principalmente a la excepcional belleza de su vibrante y dulce voz. En “Until it´s time for you to go” la voz de Buffy vuelve a llenar todo el tema, acompañada tan solo por su fiel guitarra, cuya sencilla y perfecta ejecución, hace que no echemos de menos otros instrumentos más tecnológicos y modernos.
Esta incansable trabajadora social, siguió publicando álbums ininterrumpidamente, a razón de uno por año, desde 1964 hasta 1976. Después de un merecido descanso comercial, reemprendió su labor en el año 1992 y sigue trabajando hasta nuestros días. Invito a visitar su página web oficial, para saber hasta dónde llega su magistral obra.
Es la primera vez que una mujer protagoniza un post en este blog. Debido a que se trata de una artista excepcional, me gustaría de alguna forma poder convertir este estreno en un homenaje a todas las mujeres que visitan esta casa.
Va por todas vosotras, amigas seguidoras.

He's five foot two and he's six feet four
He fights with missiles and with spears
He's all of thirty-one and he's only seventeen
Been a soldier for a thousand years

He's a Catholic, a Hindu, an Atheist, a Jain
A Buddhist and a Baptist and a Jew
And he knows he shouldn't kill and he knows he always will
Kill you for me my friend and me for you

And he's fighting for Canada
He's fighting for France, he's fighting for the U.S.A.
And he's fighting for the Russians
And he's fighting for Japan
And he thinks we'll put an end to war this way

And he's fighting for Democracy, he's fighting for the Reds
He says "It's for the peace of all"
He's the one who must decide, who's to live and who's to die
And he never sees the writing on the wall

But without him
How would Hitler have condemned him at Labau?
Without him Caesar would have stood alone
He's the one who gives his body as a weapon of the war
And without him all this killing can't go on

He's the Universal Soldier and he really is to blame
His orders come from far away no more
They come from here and there and you and me
And brothers can't you see
This is not the way we put the end to war

TERRY REID. Season of the witch,1968. Erica,1968. Summer Sequence,1968.

2010-04-22T18:14:00.013+02:00

Terry Reid, excelente guitarrista, cantante y gran compositor. Nacido el 13 de Noviembre de 1949 en Huntingdon Town (Inglaterra). A los quince años dejó el colegio para dedicarse a lo que más le gustaba en la vida, la música. En sus comienzos a mediados de los sesenta formó parte de una banda llamada “Peter Jay & the Jaywalkers”, por aquel entonces no se imaginaba que su destino ya estaba marcado. Lo mas curioso de esta singular historia es que Terry fue formalmente invitado a ocupar el puesto de cantante de los míticos “Yardbirds”, propuesta que no aceptó, y posteriormente tras disolución de estos, se permitió también rechazar la oferta que le hizo personalmente el mismísimo Jimmy Page para entrar como vocalista nada mas y nada menos que en Led Zeppelin. No terminan aquí la serie de desatinos, por que también los Deep Purple lo querían para sustituir a Rod Evans , y Terry dijo que no una vez más, favoreciendo la entrada a Ian Gillan. Terry deja la vieja Inglaterra y se instala en la soleada California para trabajar en sus primeros álbums en solitario, “Bang Bang, You´re Terry Reid” publicado en 1968, y “Terry Reid” en 1969, ambos producidos por Mickey Most, dos magníficas obras en los que Terry ya demuestra su dominio de todos los estilos, Folk, Rock, Soul, Blues…y se consolida como un virtuoso guitarrista. En 1970 regresa temporalmente a Inglaterra para tocar en el histórico festival de la Isla de Wight. Ya metido de lleno en los setenta, concretamente en 1973 sale su tercer trabajo y en 1976 graba un álbum titulado “Seeds of memory” producido por Gaham Nash y David Lindley. En los años siguientes, Terry se dedica más a grabar como músico de sesión, y toca para artistas de la talla de Don Henley , fundador de The Eagles, Jackson Brown y Bonnie Raitt , entre otros muchos.
En 2004 la discográfica EMI lanzó al mercado un muy recomendable doble CD titulado, “Super Lungs”, (the complete recordings, 1966-1969), en él se recogen aparte de los temas incluidos en sus dos primeros álbumes, sus primeras grabaciones con Peter Jay & the Jaywalkers, y algunos temas hasta entonces inéditos. De este álbum he extraído los temas que quiero presentar: “ Season of the witch” es una versión del famoso tema de Donovan, se trata de un largo blues con toques progresistas, de más de diez minutos de duración, espléndidamente interpretado por Terry, en el que se demuestra claramente por qué Jimmy Page quería a Terry para su banda. En “Erica” encontramos un estilo totalmente diferente, una preciosa balada Folck que alterna con unos pasajes Jazzísticos maravillosos, comienza y termina con un misterioso y evocador sonido de órgano que le aporta una nota de ancestral misterio a esta maravillosa pieza. En el video de youtube podemos escuchar “Summer Sequence” que es una especie de canción de cuna, tiernamente cantada por Terry, con un precioso y ensoñador acompañamiento de xilófono. No lo puedo evitar, me encantan este tipo de canciones, pura delicia.
La Diosa Fortuna llamó en varias ocasiones a la puerta de Terry Reid al comienzo de su carrera y éste hizo caso omiso a su señal. A veces pienso que el destino de las personas es ineludible, y que por mucho que queramos cambiarlo, éste sigue su línea marcada en la vida. Terry pudo convertirse en un mito del rock de haber elegido otro camino en su momento, quien sabe hasta donde hubiera llegado. Pero él eligió el suyo, y no le fue nada mal

Season of the witch

Erica.

Erica would much prefer to hide behind her hair
Conveniently you cannot see her face
Though she keeps her mind wide open
To the affluent society
And the mystery's still kept up in her hair

Why don't you just stop and say
One word or two or maybe more
With a face like yours right away I'm sure
One day I caught you running with the wind

I can smell the perfume in the garden of her hair
Mirrors and reflections I can see
Though I never get quite close enough
Because I stop and stare
And the mystery's still kept up in her hair

SOUTHWEST F.O.B. Smell of Inciense 1968, Bells of Baytown 1968.

2010-04-15T17:23:00.011+02:00

“Se quedó tan quieta como una sombra pétrea.
¿Que pasó con sus sueños de infancia?
…Y el olor del incienso, llena su habitación.”

Estas son algunas estrofas pertenecientes a la canción “Smell of inciense”, un tema escrito en 1967 por el grupo West Coast Pop Art Experimental Band y que un año después en el 68, grabaron los South West F.O.B., incluyéndolo en su único álbum, cuya polémica portada escandalizó a los sectores más puritanos de la sociedad americana, sólo por mostrar la fotografía de cuatro señoritas desnudas en una caja de plexiglás. Volviendo al tema en cuestión, “Smell of inciense” es una soberbia pieza de ambiente muy trippy, con una base de órgano ácido y pesado que acompaña a una melodía perfecta y pegadiza. El otro tema “Bells of Baytown” está en la misma línea que “Smell of Inciense”, son para mi, y sin menospreciar al resto, las dos mejores composiciones del álbum.
“South West F.O.B” eran una banda psicodélica originaria de Fort Worth en la ciudad de Dallas, que practicaban una música Pop-psique de lo más puro. Las siglas F.O.B. se traducen en algo así como “Freight on board” (Carga de abordo). Originalmente el grupo se llamó “Theze Few” con cuyo nombre ya firmaron algunos singles de éxito como “Dinamite” o ”I want your love”. South West F.O.B.estaba formado por el cantante Dan Seals, que junto al teclista y también vocalista John Colley eran los compositores de los temas originales. El resto lo formaban el guitarrista Larry Stevens, el trompeta Randy Bates, Mike Woolwright al bajo y el batería Tony Durrell. De todos estos músicos el que obtuvo más éxito en su carrera en solitario fue Don Seals, que comenzó formando un conocido dúo llamado, “England Dan & John Ford Coley”, esto fue algunos años antes de convertirse en una importante estrella del country Pop a mediados de los ochenta. Lanzó 16 álbums de estudio y numerosos singles que alcanzaron el número 1 en las listas del país. Dan Seals por desgracia nos dejó hace poco a consecuencia de un cáncer. Murió en casa de su hija, rodeado de sus seres queridos, el 25 de Marzo de 2009, a la edad de 61 años.

“Se quedó quieto, como una sombra pétrea.
¿Qué pasó con sus sueños de infancia?
…Y el olor del incienso, llena su habitación”.

Smell of inciense

She stood as still as the shadows of stone
She stood on the edge of my mind
I tried to push her away
I shut and locked the door
Her eyes grew large and asking

And the smell of incense fills her room

She stood in the ever present fullness
Of expectation
What happened to her childhood dreams?
The sidewalk smothers us
Tomorrow

And the smell of incense fills her room

And the smell of incense fills her
And the smell of incense fills her
And the smell of incense fills her
And the smell of incense fills her room

Bells of Baytown

FORT WORTH, DALLAS, 1968

SKIP BIFFERTY. Come around 1968. Follow the Path of the Stars 1968.

2010-04-07T18:57:00.009+02:00

Skip Bifferty es una banda originaria de Newcastle en el nordeste de Inglaterra, procedían del grupo “The Chosen Few” que publicó varios singles de éxito. En el verano de 1966 fueron descubiertos en el club Marquee de Londres por Don Arden, quien se dio cuenta enseguida del potencial que poseía el grupo y les facilitó un contrato con la discográfica RCA en 1967. El grupo trabajó duramente ese año para preparar el lanzamiento al año siguiente de su álbum homónimo, el cual fue alabado por la crítica del país, convirtiéndose en un gran éxito. Skip Bifferty deciden trasladarse a la mítica isla de Wight durante una buena temporada, donde alquilan una casa de campo y ensayan material nuevo para su próximo álbum. Lamentablemente y por razones varias este disco nunca llegó a ver la luz.
Aunque Skip Bifferty no llegó más lejos como banda, alguno de sus miembros si alcanzaron la fama, como es el caso del estupendo teclista Mick Galagher, un especialista en Hammond que en sus comienzos tocó con The Animals y posteriormente a la disolución de Skip Bifferty, tocó con Peter Frampton, Ian Dury & The Blockheads, The Clash, con quién grabó temas tan famosos como “London Calling” o “Sandinista”. Su prestigio no acaba aquí, contribuyó en bandas sonoras de películas como “Afther Midnight en 1990, también tocó con Paul McCartney, Robbie Williams, Annie Lennox… Todo un maestro que supo adaptarse a diferentes estilos durante su carrera.
En el caso del bajista del grupo, Colin Gibson, he de decir que estuvo con varios grupos en los setenta, artistas tan buenos como Marc Almond con quien se asoció para una gira por los USA. El resto del grupo lo formaban el vocalista principal Gram Bell, el batería Tommy Jackman y el guitarrista John Turnbull.
Los temas que extraigo de este álbum homónimo son, en primer lugar una bonita canción que se titula “Come Around” en la que destaca la voz de Bell. Empieza con unos preciosos coros y una preciosa melodía que va cobrando fuerza conforme avanza el tema. La siguiente pieza es para mi la mejor del álbum “Follow the Path of the Stars” es soberbia, aparte de la magnífica voz del cantante que parece llorar de emoción en algún pasaje del tema, nos encontramos con un acompañamiento de piano magistral a cargo de Gallagher. Suplicante y triste, antigua, transmite un sentimiento nostálgico y bello.

Come around

Follow de Path of the Star

PAPER GARDEN. A Day, 1968. Raining,1968. Raven 1968.

2010-03-29T22:34:00.006+02:00

A finales de los años sesenta la psicodélia se resiste a desaparecer de la escena musical. Una banda neoyorquina llamada Paper Garden se movía en el ámbito universitario del Nordeste de Estados Unidos, dando conciertos entre 1967 y 1968, cuando es descubierta por un productor británico llamado Geoff Turner y se prepara para grabar su primer y único álbum con el sello discográfico Musicor. El grupo ensaya con material nuevo, utilizando para las pistas del álbum diversos instrumentos como el Sitar indú, magistralmente ejecutado por el guitarrista Sandy Napoli, instrumentos de cuerda como violín y violoncello que intervienen en la mayor parte de los temas, trompetas y trombones, todo ello junto a las tradicionales guitarras eléctricas y acústicas, dotan a este álbum de una atmósfera muy beat. La excelente voz de su líder y cantante Paul Logrande se asemeja en algunos momentos a la de Lennon. El resto del grupo lo componen el guitarrista Joe Arduino, el teclista John Reich y el batería Jimmy Tirella.
A pesar de ser un excelente trabajo en conjunto, el poco éxito de ventas de éste álbum, llevó a la pronta desaparición de Paper Garden. Una pena, puesto que en la actualidad el álbum es una rara y cotizada pieza de coleccionista. El disco fue reeditado felizmente en formato CD en el año 2002.

En “A Day” podemos escuchar un psicodélico tema con un pegadizo estribillo, la voz distorsionada de su cantante se ve interrumpida a mitad de la canción por una explosión orquestal con aires de pasodoble español, acompañado de fondo por un bullicio que se asemeja al ambiente de una plaza de toros. Muy ingenioso.
El tema “Rainning” es una preciosa y tranquila balada con un acertado acompañamiento de sitar. Reconozco que la he tenido que escuchar bastantes veces antes de que me gustara, pero ahora no me la puedo quitar de la cabeza, que cosas.
“Raven” otra bonita canción de aire folck campestre con un excelente acompañamiento de violines, y muy bien ejecutada en su conjunto. Preciosa, una joyita.

Raining

Raven

THE ORIENT EXPRESS. Train to Bombay 1969. A Little Star 1969

2010-03-20T23:03:00.006+01:00

Érase una vez tres jóvenes músicos: Un francés llamado Guy Duris, un belga de nombre Bruno Giet, y un Iraní conocido como Farshid Goleshorkhi, que según cuenta la historia, fué condecorado por el mismísimo Sha de Persia, por sus méritos como batería. El destino quiso que estos tres muchachos se conocieran en Europa, formaran un grupo con el nombre de The Orient Express y decidieran asentarse en la costa Oeste de los Estados unidos de América para emprender un proyecto musical y grabar un álbum. Estamos en la soleada California de finales de los sesenta, en la ciudad de San Francisco y en plena efervescencia psicodélica. El ambiente perfecto en el lugar adecuado. La fusión de música occidental y oriental que practican estos músicos, crea un sonido propio y muy original, para lo cual utilizan diversos instrumentos étnicos tradicionales de La India y de Oriente Medio, como el Sitar, la Cítara eléctrica o el Tambor egipcio. El resultado de la grabación fué un álbum homónimo de 35 minutos de duración, editado por la discográfica Mainstream, lleno de bonitas y curiosas canciones atemporales que yo calificaría al menos de interesantes.
“Train to Bombay” en este tema la percusión, las guitarras y las cítaras se mezclan en un exótico y enloquecido ritmo oriental, formando algo parecido al trepidante correteo de un viejo tren de vapor.
“A Little Star” es un tema más convencional. Con guitarras eléctricas, una melodía más Pop y un ligero toque de exotismo que se aprecia sobre todo en el trabajo realizado por Farshid Goleshorkhi con la percusión.

Un curioso álbum de un grupo no muy conocido ni entonces ni ahora, pero que pasó por la historia para disfrute de generaciones venideras.

Guy Duris (Sitar, guitar, voz)
Bruno Giet (Guitar, voz)
Farshid Golesorkhi (guitar, percusión)
Train to Bombay

A Little Star

AL KOOPER. One,1968. Song and Dance from the unborn frightened child,1968. Sad Sad Sunshine,1970.

2010-03-15T18:27:00.009+01:00

No tengo por costumbre publicar artículos tan extensos y detallados como el que hoy traigo a este blog, pero en esta ocasión y tratándose de un personaje tan importante como el norteamericano Al Kooper, es inevitable extenderse un poquito más de lo normal para poder comprender hasta que punto este genial músico es importante a la hora de hablar de la historia de la música desde los sesenta hasta nuestros días.
Al Kooper, cuyo verdadero nombre es Alan Peter Kuperschmidt. Guitarrista pianista, cantante, productor y compositor, nacido en New York en el año 1944. A la temprana edad de 14 años ya era guitarrista de un grupo llamado”The Royal Teen”, pocos años después en 1960, escribió su primer hit “The Diamond ring” para el grupo “Gary Lewis& the Play Boys”. A mediados de los sesenta conoce a Bob Dylan y graba con él legendarios temas como “Like a Rolling Stone” y el álbum “Highway 61 Revisited”. Tras su fugaz paso por el grupo “The Blues Project” con el que actuó en el mítico Festival of Monterrey de 1967, crea una nueva banda llamada “Blood,Sweet and Tears” con la que graba el álbum “Child is Father to the man” en 1968. Las inquietudes de Al Kooper le llevan a abandonar el grupo, que seguiría una extensa y exitosa carrera sin él, para embarcarse ese mismo año en otro proyecto junto a Stephen Stills y Mike Bloomfield, con los que graba el reconocido álbum “Super Session” y en que los tres demuestran su gran calidad como guitarristas. Su bien ganada reputación como músico de sesión, le llevará en sus etapas siguientes a tocar con grandes bandas como The Rolling Stones, The Who, Jimmy Hendrix, Cream, BB King, Alice Cooper y un largo etc. Entre sus muchos trabajos como productor, hay que destacar el lanzamiento de los tres primeros álbums de Lynyrd Skynyrd. Destacables son tambien sus bandas sonoras para cine y televisión, y por si todo esto fuera poco, Al tambien destaca como escritor, publicando libros como “Backstage Passes & Backstabbing Bastards, (Memoirs of a Rock´roll survivor)” publicado en 1977 y posteriormente reeditado en 1998. En el libro Al narra sus valiosas vivencias en el mundo del rock.
En la actualidad Al Kooper es profesor de Producción y técnicas de Composición en el Berklee Collage of Music de Boston, sus alumnos deben estar encantados de poder contar con un maestro de la categoría de Al Kooper.
Los temas que quiero presentar corresponden a su etapa en solitario y están extraídos de un álbum titulado “Lost Psychedelic Álbum” publicado en 1970, en este disco están recopilados temas de 1968, 69 y 70.
El primero de ellos “One” pertenece a su álbum debut en solitario, “I Stand Alone” (Columbia 1968). Unos inquietantes latidos al comienzo, dan paso a un bonito tema de claras connotaciones psicodélicas, deliciosamente cantado por Al y acompañado por una espléndida orquesta de cámara. “Song and Dance for the unborn frightened child” es otra delicia de este álbum. Está en la misma línea de One, llena de sonidos ambientales que se mezclan con los instrumentos clásicos. Unos gritos irrumpen en medio de la canción dándole al tema un aire de opereta antigua. Al igual que en One, aquí se prescinde de las guitarras, teclados y demás instrumentos eléctricos, tampoco aparece la batería por ningún lado. El último tema “Sad Sad, Sunshine” pertenece a su doble álbum de 1970 “Easy Does” Al Kooper canta y toca magistralmente los teclados, guitarras, Sitar y Vibráfono. Un alarde de poderío orquestal de aires pseudos-orientales, magnífico se mire por donde se mire.
Quiero completar este artículo colgando dos interesantísimos videos de Youtube , en uno aparece Bob Dylan, recordando el tiempo en que coincidió con Al Kooper y Mike Bloomfield, durante las sesiones de grabación de “Like a Rolling Stone”. El otro pertenece a la época de Super Session, en las que aparecen Al y Mike junto a Stephen Stills, los tres virtuosos músicos totalmente compenetrados y creando juntos sonidos maravillosos.

One

Song and Dance for the unborn frightened child

Sad,Sad, Sunshine

MONTAGE. My Love, 1968, Desiree,1968.

2010-03-07T17:16:00.012+01:00

Es ciertas ocasiones las apariencias engañan. Detrás de esta horrible portada se esconde una colección de maravillas pop-psicobarrocas, obra de un grupo neoyorquino llamado “Montage” y de la reencarnación de un mago del siglo XVIII llamado Michael Brown, quien poseía el don de poder estar en dos bandas a la vez, por un lado Michael lideraba a The Left Banke, grandísima banda que ya apareció en este blog, con ese estupendo tema titulado “Pretty Ballerina”, y por el otro el que hoy nos trae “Montage” (el nombrecito tampoco me convence). Michael Brown produjo este maravilloso álbum homónimo, grabado en los Allegro Sound Studios de New York en el año 1969. Michael a pesar de no figurar como miembro integrante de la formación, se encarga de los teclados, escribe la mayor parte de las canciones y todavía saca tiempo para la producción. Esta Obra Maestra del barroco tardío se puede saborear por partes, pieza por pieza, grano a grano. Uno se transporta en el tiempo y se sumerge en sus melodías puras. El sonido es Left Banque, brilla a su misma altura lo cual no es poco, estamos ante algo muy especial, unos temas que te atrapan desde la primera escucha y se hacen adictivos, cuidado.
Aunque el álbum se editó en 1969, la mayor parte de los temas se grabaron en 1968. Es difícil escoger entre tanta exquisitez. “My Love” por ejemplo es de una belleza sublime, una de esas canciones que se escucha con una sonrisa de placer por el cosquilleo auditivo tan agradable que produce, una especie de sensación de bienestar antiguo. Bob Steurer canta como un príncipe enamorado, perfectamente acompañado por un clavecín ejecutado por Michael Brown, instrumentos de metal y cuerdas a discreción. Ese maravilloso cuerno francés…Absolutamente encantador.
En “Desiree” encontramos otro ejemplo de genio y talento, posee también una versión instrumental en la que predomina el piano. Me encanta como suena el bajo, me recuerda mucho a “Soffly to me” una de mis favoritas de Love. La orquestación y los coros alcanzan momentos sublimes, perfectamente fundidos en algunos pasajes. “Desiree” es quizás menos barroco, quizá por que intervienen menos instrumentos de cámara, solo el cantante le da cierto aire Folck intemporal con aires olvidados, pero hay algo que me gusta especialmente de esta canción, su parte final. Escuchad y ya me diréis si es, o no es una joya.

My Love

Desiree.

Desiree Instrumental.

MONTAGE
Bob Steurer, (cantante)
Vance Chapman, (voz, batería)
Micke Smith,(guitarra, voz)
Lance Cornelius,(bajo, voz)
Producción y teclados, (Mr.Michael Brown)

LES FLEUR DE LYS. Sugar Love, 1968. So Many Thinngs, 1968.

2010-03-02T17:07:00.006+01:00

Les Fleur de Lys. Con este curioso nombre francés se conoce a esta banda de la escena Mod-Psicodélica británica. Procedente de Southampton, conocida ciudad del sur de Inglaterra, entre otras cosas por su importante puerto de mar, que vio partir en 1912 al famoso vapor Titanic con destino al fondo del océano. La historia del grupo comenzó en 1964 y acabó en 1969. Durante estos años cambiaron constantemente de formación, siendo su bateria Keith Guster el único que permaneció inamovible de principio a fin. La lista de músicos que pasaron por el grupo es interminable y confusa, por lo que no voy a publicarla por considerarlo aburrida e innecesaria. Su primer single editado por Atlantic Records, “Circles” fue producido sorprendentemente por Jimmy Page, quien también sería co-productor de su segundo álbum. Eclipsados por las grandes bandas de su época como The Who, The Small Faces y otros monstruos de peso, Les Fleur de Lys pasaron por la escena Mod bastante desapercibidos a pesar de la gran calidad de sus composiciones, pero hace unos años, concretamente en 1996 fueron rescatados del olvido gracias a la reedición y remasterización de gran parte de su obra en un álbum titulado “Reflections”, en el que se encuentra una selección muy acertada de sus mejores temas propios, y de excelentes versiones, como por ejemplo “Sugar Love” excelente canción de pegadiza melodía beat, con una buena base de piano, guitarras elegantes, un toque de armónica… y la estupenda voz del que creo que es (no estoy seguro) el cantante Frank Smith.
El otro tema se titula “So many Things”, nos sorprende al comienzo con una cortante guitarra que deja paso a una melodía muy Mcartniana, con una bonita orquestación de cuerda de excelente factura ,ambas por lo que he podido deducir de la confusa historia de esta banda, se grabaron en 1968, año mágico sin duda, que junto al 67 son referencia constante en este blog por ser una fuente de inspiración inagotable y única en la historia de la música.

Sugar Love

So many things

THE BEATLES. Sexy Sadie, 1968

2010-02-25T17:36:00.007+01:00

Siempre que los Beatles me hacen el honor de aparecer por esta casa, entran directamente, los cuelo sin pasar por la larga lista de espera de los grupos que aguardan pacientemente su turno de aparición en el blog. A sus Graciosas Majestades no hay que hacerles esperar nunca.
Sexy Sadie es uno de esos preciados tesoros que legaron Los Beatles a la humanidad. Integrada en su noveno álbum, esa maravillosa caja de sorpresas llamada “The White Álbum”, Sexy Sadie, (Sadie es el nombre dado a las chicas guapas, a las que nadie logra conquistar), es una magistral pieza compuesta por una estupenda mezcla de estilos, cantada por un John Lennon en su mejor momento y perfectamente bordada por el resto del grupo que entonces gozaba de inspiración divina. La canción estaba destinada en principio a llamarse “Maharishi”. Como casi todas las canciones de Los Beatles ésta Obra Maestra también posee su propia leyenda. John en la letra de la canción, ataca duramente al Maharhishi Mahesh Yogi, quien al parecer y según él, se dio cuenta de que a parte de impartir carísimas clases de meditación, también daba rienda suelta a sus instintos lividinosos, ligando descaradamente con las jovencitas de la comuna y traicionando los más básicos principios de su religión, el voto de castidad. Se dice que la entonces jovencísima actriz Mia Farrow fue victima directa de sus nada limpios escarceos lujuriosos. Los Beatles abandonaron Rishinkesh desilusionados con la experiencia, pero repletos de ideas para trabajar en su nuevo álbum, especialmente el bueno de George que sentía auténtica fascinación por La India, de él partió la ocurrencia de cambiar el título de la canción y a John le pareció bien.
Según se cuenta en el libro “The complete Beatles Recording Sessions” de Mark Lewison, durante las primeras sesiones de grabación del Álbum Blanco en 1968, John presentó a Paul la escabrosa letra de Sexy Sadie, la cual rezaba en uno de sus párrafos:

“Maharshi pequeño cabrón.
Quien coño te crees que eres?
Quien coño te crees que eres?

Oh cabron!!”

John, guitarra acustica, rítmica, órgano Hammond, voz.
Paul, Piano, bajo, voces.
George, guitarra Fuzz, vocez.
Ringo, batería, pandereta.

hoSexy Sadie what have you done
You made a fool of everyone
You made a fool of everyone
Sexy Sadie ooh what have you done.

Sexy Sadie you broke the rules
You layed it down for all to see
You layed it down for all to see
Sexy Sadie oooh you broke the rules.

One sunny day the world was waiting for a lover
She came along to turn on everyone
Sexy Sadie the greatest of them all.

Sexy Sadie how did you know
The world was waiting just for you
The world was waiting just for you
Sexy Sadie oooh how did you know.

Sexy Sadie you'll get yours yet
However big you think you are
However big you think you are
Sexy Sadie oooh you'll get yours yet.

We gave her everything we owned just to sit at her table
Just a smile would lighten everything
Sexy Sadie she's the latest and the greatest of them all.

She made a fool of everyone
Sexy Sadie.

However big you think you are
Sexy Sadie.

HP LOVECRAFT. I´ve been wrong before, 1967. The White Ship,1967

2010-02-17T19:07:00.002+01:00

Formados en la primavera de 1967 en la metrópoli de Chicago, HP Lovecraft tomaron el nombre prestado del famoso y venerado escritor de novelas de terror Howard Phillips Lovecraft. El estilo musical de esta banda posee tintes acid-folck-rock, fuertemente marcados por la personal voz de su fundador George Edwards que era una especie de trovador norteamericano muy influenciado por Bob Dylan, Fred Neil y los mismísimos Beatles, de los que tomó prestada la canción “Norwegian Wood” para hacer una magnífica y personal versión. Desde el principio estuvo unido a su amigo Dave Michael, gran teclista de formación clásica que formaba junto a George el alma del grupo. La banda trabajó duro aquellos años de psicodélia, y no tardó ni un año en publicar sus dos excelentes álbumes de estudio, ambos homónimos, el primero se grabó en Chicago en 1967 y el segundo en California para el sello Philips en 1968. Por desgracia antes de finalizar la década el grupo se disolvió, debido en parte a la mala gestión de su manager, las fricciones internas y el abuso de las sustancias psicoactivas como el LSD.

El tema “I´ve been wrong before” tiene una enorme fuerza vocal, a mi me recuerda mucho a Héroes del Silencio por el tono y enorme potencial de su voz, una alucinante balada de amor cargada de dramatismo. En el video podemos ver una antigua grabación correspondiente al tema “The White Ship” basado en una novela corta del genial escritor, en el que emplean armonías barrocas junto con el uso del clavicordio, incluso como curiosidad podemos escuchar el repicar de una auténtica campana perteneciente a un navío de 1811.

The night we met

The night that I won't forget

You see what I've been waiting for

But, baby, I've been wrong before

You held me tight

And everything seemed alright

I couldn't ask for more

But, baby, I've been wrong before
She used to smile at me

And hold my hand like you do

Then she left me

And broke my heart in two
See your face

Empty your warm embrace

You're all that I adore

But, baby, I've been wrong before

Geroge Edwrds, Guitarra, voz

Dave Michaels, teclados, Harpsichord.

Tony Cavallari, guitarra,voz.

Jerry Mcgeorge, bajo.

Michael Tegza, batería.

GROUP 1850. Refound, 1968, Reborn,1968.

2010-02-11T17:52:00.006+01:00

Grupo 1850 es el nombre de una fabulosa banda formada por seis músicos psicodélicos holandeses procedentes de la ciudad de La Haya. En sus comienzos por el año 1964 se hacian llamar "Klits" (clítoris), afortunadamente decidieron cambiar de nombre en 1966, año en el que ya comenzaban preparar un material para el lanzamiento de su primer álbum. "El viaje de Agemos a la Madre Tierra" fué el título elegido para este álbum de debut, producido por el sello holandés Philips, que apareció en 1968 paralelamente a la publicación del álbum de Pink Floyd "Saucerful of Secrets", y por supuesto salvando Las distancias el disco no obtuvo ni mucho menos el éxito de este, limitándose casi exclusivamente al mercado holandés, pero Siendo como es una obra maestra no pasó de ahí, a Pesar De ser un trabajo excelente y muy creativo. La portada del álbum mostraba una imagen en 3D y el disco incluía unas gafas para visionarla Qué hacía las delicias de sus asombrados y alucinados poseedores.

Grupo 1850, Publicó dos álbumes más antes de su Desaparición, uno en 1969 llamado "Paradise Now" y otro al final de su carrera en el 74 "Polyandri",

"El viaje de Agemo a la Madre Tierra" fue uno de los trabajos más ambiciosos que vieron la luz en la vieja Europa de habla no inglesa en aquellos años, y otro ejemplo de un excelente disco injustamente olvidado, hasta hace poco que Pudo Ser felizmente rescatado y reeditado en CD.

Al final de la primera parte de este álbum doble, Aparecen dos temas titulados, "Refundación" y "Reborn", ambos REQUIEREN ser escuchados con paciencia y relajación, para poder extraer de ellos, todos los ricos matices musicales que Poseen, destacando el excelente trabajo de Peter Sjardin con la flauta clásica. Ritmos pseudo-orientales mezclados con aires de guitarra española, dotan a temas los de una atmósfera mágica y misteriosa, como hecha a propósito para experimentar con viajes psiconáuticos.

, Peter Sjardin (voz, flauta, órgano),

Ruud Van Buuren (bajo)

Daniel Van Bergen (guitarra, piano)

Beer Klase (batería, percusiones)

, Rob Rijke (bajo, contrabajo, flauta).

La Haya

FOREVER AMBER. Me oh my,1969. Letters from her,1969

2010-02-07T09:49:00.006+01:00

Forever Amber es el nombre de este grupo británico originario de la ciudad de Cambridge. Formado en el año 1967 por seis jóvenes músicos procedentes de una banda llamada “Country Cousins”. Su líder era el jóven pianista John M.Hudson, compositor y productor de todos los temas, se cuenta que se encerró en la habitación de una tienda de Cambridge una buena temporada para escribir canciones y ensayar con el grupo, John por entonces sólo contaba con 17 años de edad, pero ya soñaba con publicar su primer álbum. En 1969 el sueño se hizo realidad y fue lanzado al mercado británico el álbum titulado “The Love Cycle”, del cual sólo se editaron 99 copias,con la intención seguramente de evitar impuestos. La grabación del disco se realizó en el “Studio Sound”, una tienda de música que estaba en el barrio de Hitchin, y al parecer la banda pudo aprovechar todos los instrumentos que tenían disponibles en aquel comercio, la factura costó 200 libras que salieron directamente de los empobrecidos bolsillos de los jóvenes músicos de la banda, se grabaron todas las canciones en una sesión intensiva que duró 19 horas. El álbum de tipo conceptual constaba de 16 temas divididos en varias etapas, formando una romántica historia de amor con un bonito comienzo y un mal final. El uso de órgano y clavecín se aprecia en la mayoría de los temas, creando una atmósfera Pop muy agradable, con bellas armonías pegadizas y en constante experimentación psicodélica. “The Love Cycle”está considerado hoy en día como una obra importante de la era del Pop psicodélico, en su momento pasó bastante desapercibido, pero en la actualidad es una rareza que está muy buscada por coleccionistas dispuestos a pagar una buena cifra por conseguir una copia.
Los temas que quiero presentar son: “Me oh my” una breve y alegre canción de enamorado perteneciente a la primera parte del álbum titulada “El encuentro”. El segundo tema,”Letters from her” es una bonita balada, perteneciente a la parte final titulada “El Duelo”. Triste y hermosa como una carta de despedida.

FOREVER AMBER:
Michael Richarson, voz
Anthony Munford, bajo
Richard Lane, guitarra y voz
Chris Jones, guitarra y voz
Christopher Darren, teclados
Barry Broad, batería
John M. Hudson, piano.

HITCHIN

FREEDOM. Trying to get a glimpse of you, 1967. The Butt of deception, 1968

2010-01-29T19:37:00.012+01:00

El grupo británico “Freedom” se formó en el verano del 67 por dos ex componentes de la mítica banda Procol Harum. El guitarrista Ray Royer y el percusionista Bobby Harrison, que fueron despedidos por Gary Broker poco antes de la publicación del famoso álbum “A whiter sade of pale”, para alistar en su lugar a sus antiguos amigos de la Paramounts, Robin Trower y Barry Wilson. Apoyados por la discográfica Mercury Records, poco tardaron estos talentosos músicos en lanzar sus primeros singles. Temas como “Where will to be tonigth” o “Kandy Kay”, aparecieron en su excelente primer álbum titulado “Black on White” del que al parecer sólo se editaron 250 copias. En 1969 el gran productor Dino de Laurentis se fijó en ellos y les propuso componer la banda sonora de su film “Nero su Bianco”, que en el mercado USA se llamó ”Attraction”. La película de corte erótico fue dirigida por el polémico director italiano Tinto Brass, y se presentó en el festival de Cannes de aquel mismo año.
Quiero presentar dos temas de Freedom, uno es el titulado “Trying to get a glimpse of you” en el que podemos apreciar el excelente trabajo con los teclados de Mike Lease, demostrando su gran talento compositivo dotado de una gran originalidad, tambien es de destacar la estupenda voz del cantante y bajista Steve Shirley, que recuerda mucho al Peter Gabriel de los primeros tiempos con Génesis. El segundo tema que pertenece a la mencionada banda original de “Nero su Bianco” es el titulado “The Butt of decepción” tiene un aire a Procol Harum, que delata sus orígenes, pero no deja de poseer su propia personalidad, excelente pieza de principio a fin, la verdad es que todo el álbum vale la pena. Pura Psicodélia que mas tarde derivaría hacia el progresivo, siguiendo un camino natural. Una auténtica joya oculta que hay que recastar necesariamente del olvido, por que el trabajo de esta desconocida banda merece un reconocimiento en la historia de la música. Grupos tan excelentes como Freedom después de pasar tantos años aletargados salen a la luz, gracias a esta maravilla llamada Internet.

Trying to get a glimmse of you
The butt of deception

FREEDOM
Bobby Harrison: batería
Mike Lease: teclados
Ray Roger: guitar
Steve Shirley: bajo y voz.

LOS PEKENIKES. Cerca de Las Estrellas, 1968.

2010-01-20T18:07:00.009+01:00

Hablar de Los Pekenikes es hablar del que para mucha gente fue el mejor grupo español de los sesenta (con permiso claro está de Los Ángeles Los Iberos, Lone Star y unos cuantos más). Hay muchísima gente en este país y fuera de él, que siente auténtica veneración por estos Madrileños, y por lo tanto hay que llevar cuidado con lo que se escribe de ellos y hacerlo siempre desde una postura respetuosa. Entre su extensa discografía existen temas realmente maravillosos de una calidad indiscutible y dignos de merecer los mejores elogios, este es el caso del que quiero presentar hoy, titulado “Cerca de las estrellas”. El disco salió al mercado en formato single editado por el sello Hispavox en el mágico año de 1968, yo por entonces era todavía muy pequeño y tengo un vago recuerdo, pero es cierto que, salvo excepciones como esta me gustaban más en general las canciones de los grupos extranjeros que el producto nacional, influenciado sin duda por los discos que compraba mi hermano mayor que en aquella época era una especie de Hippie más o menos acomodado y por el que yo como hermano pequeño, sentía cierta admiración. Volviendo al tema que nos trae, “Cerca de las estrellas” sonaba como la música que hacían los grupos de fuera de nuestras fronteras, algo fresco, nuevo, misterioso, lleno de sonidos espaciales y estratosféricos que tanto me cautivaban en mi niñez. Guitarras punzantes y abundancia de metales, fundidos en una orgía interestelar sonora hecha para deleite de mis jóvenes oídos, una maravillosa melodía que acompañaba a mis juegos infantiles. Dejo en el reproductor de sonido, la versión original grabada en estudio, y en el video de youtube un curioso y bonito montaje hecho de una grabación en directo del tema, donde podemos apreciar el gran despliegue instrumental que poseían Los Pekenikes.
“Buscaré… otro mundo lejos del sol, en las estrellas. Un lugar… donde el tiempo no pasará, en las estrellas.

LOS PEKENIKES EN 1968.

Ignacio Martín (bajo y armónica)
Antonio Obrador (guitarra solista)
Tony Luz (guitarra rítmica)
Alfonso Sainz (Saxo y trombón)
Félix Arribas (batería y percusión)
Antonio Brito (trompeta)
Pedro Luis García (trompeta, flauta y trombón)