THE PRETTY THINGS- (Parachute 1970)

Este es uno de esos discos que yo guardo con cariño y que siempre procuro tener a mano porque nunca me canso de escucharlo.
"Parachute" es el punto final a una etapa psicodélica brillante que The Pretty Things, comenzarían en 1967 con la publicación de "Emotions" , continiarían con el magistral y ambicioso  "S.F. Sorrow" de 1968, y terminar con esta maravilla de disco, calificado por diversos medios periodísticos, como uno de los mejores álbums de 1970.

Grabado en los estudios de Abbey Road con la presencia del ingeniero de sonido de los Beatles, Norman Smith,  este álbum, no se concibió como un trabajo tan conceptual en su temática como el de su antecesor. Sin embargo en el aspecto musical  los temas están estrechamente unidos entre sí, y sobre todo en su primera parte fluyen en cadena, casi sin dar tiempo siquiera a pestañear, Voces armoniosas y desgarradoras, pasan de la ternura de las más delicadas armonías en temas como por ejemplo, "The Good Mr. Square", a las más enérgicas, duras y desgarradoras como es el caso de "Sickle Clowns". Ni un sólo minuto de los 41 que dura el álbum está de relleno. Aquí todo es perfección y resulta complicado decantarse por un sólo tema. Todos brillan a gran altura, aunque algunos lo hacen más que otros. Ante el dilema de elegir, tengo que que decir que a mí me gusta particularmente, "Grass" Una obra maestra como la copa de un pino. además de poseer una letra bellísima: "Y sus sueños se derriten bajo el sol. En un azul suave, pájaros planean y giran. Ella está esperándote".

Con Parachute, los Pretty things alcanzan su cénit compositivo. Todo lo que vendría después ya no sería igual. Sus siguientes trabajos, desde mi punto de vista, rozan lo mediocre, decepcionan bastante y están absolutamente faltos de creatividad. No supieron estar a la altura que requería el sonido progresivo de la nueva década y nos dejaron como se suele decir, con la miel en los labios.



Phil May; Voz
Vic Unitt: guitarra.
Wally Waller: bajo, voz.
John Povey: teclados, voz.
Skip Alan: bateria


GRASS Lyrics:

"As silver tears, they weave and lace
Sad patterns upon her face
She waits for you

So low below a laser sun
Through velvet fields she runs
Reaching for you

And so you bleed now
Your hand holds the knife
That is tearing your life apart

Why don't you leave now
The city's too heavy
And your dreams, they melt in the sun

On mellow blue, birds curve and glide
Through shadows of grief she slides
She waits for you

There on a hill before the dawn
In silence a promise torn
She turns from you

And so you bleed now
Your hand holds the knife
That is tearing your life apart

Why don't you leave now?
The city's too heavy
And your dreams, they melt in the sun

As silver tears, they weave and lace
She waits for you".

Emitt Rhodes (Emitt Rhodes) 1970

  Emitt Rhodes fue el líder de los Merry-Go-Round, banda californiana a la que ya tuve el gusto de presentar en Viejo Zapato Marrón y de la que destaqué ese excelente tema titulado "Time will show the wiser"

Pues bien, el caso es que el jóven  Rodhes que poseía un talento inquieto, decidió hacer su carrera en solitario a finales de los sesenta, cuando aún no tenía veinte años e improvisó un estudio de grabación en la casa de sus padres de la ciudad de Hawthorn en el condado de Los Ángeles,  y se dedicó a componer todas las canciones de este álbum homónimo de 1970 que aquí os presento. Emitt, aparte de cantar, toca todos los instrumentos y se ocupa también de la producción..


 El sello discográfico ABC/Dunhill, en cuyos estudios terminó de pulir las canciones,utilizando una grabadora ocho pistas, lo contrata para publicarle el álbum, y lo pone a trabajar en futuros proyectos, exigiéndole la creación de un álbum cada seis meses.
 Emitt se ve incapaz de cumplir el contrato y se demora en la entrega del material. Ante esta situación, la compañía le impone una demanda que le obliga entre otras cosas a renunciar a los derechos de autor de sus canciones, esto sería el detonante que años más tarde acabaría con su carrera, después de publicar otros dos álbums:  "Mirror" en 1971 y Farewell to Paradise" en 1973, este último ya alejado del sonido característico de su primera obra.
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Es difícil no mencionar el nombre de Paul McCartney cuando se escucha a Emitt Rhodes, la comparación se hace inevitable desde el primer tema del álbum, "With my face on the floor", y continuando con "Somebody made for me". También encontramos una gran similitud de voz, aunque algo más aflautada en  la exquisita "Long time no See", con esas guitarras cortantes a lo Harrison y ese sonido del bajo que tanto nos recuerda a Paul.
 Otra delicia es "Lullabye", una corta balada folk en la que Emitt canta acompañado sólo por su guitarra acústica.
Otro de los temas del álbum que me ha llamado la atención es el titulado "Promises I´ve made". El parecido a George Harrison, tanto en la voz, como en el sonido de la guitarra, es asombroso.
El sello Beatle está presente en toda la obra. Aunque el sonido sea parecido, las canciones son totalmente nuevas frescas y personales. por lo que a mi respecta, la palabra plagio está descartada a la hora de calificar este trabajo.

 No es fácil sacar un sonido Pop tan puro y fresco, plagado de matices tan exquisitos. Hay que reconocer que estamos ante una obra absolutamente magistral, considerando que está hecha por un sólo hombre. Brillante de principio a fin y llena de talento y virtuosismo.
Este disco es sin duda un tesoro para los más nostálgicos.








Agradezco al amigo Boris, del blog:  http://www.miradaocio.com/, el haberme recomendado este disco. De esto hace ya algún tiempo, pero no me he olvidado de su comentario..

SI TE GUSTA EL DISCO, PUEDES VISITAR EL BLOG:
http://ocasodecanopus.blogspot.com.es/2010/06/emitt-rhodes-emitt-rhodes-1970.html

http://viejozapatomarron.blogspot.com.es/2012/07/the-merry-go-round-time-will-show-wiser.html

THE ELASTIK BAND (USA), 1966-1970.

The Elastik Band son una banda de garage  norteamericana procedente de Belmont, cerca de San Francisco. Por circunstancias, no llegaron a sacar ningun LP al mercado, aunque contaban con material suficiente para ello . Sin embrago lanzaron 4 sencillos entre 1967 y 1968 y dejaron bastante material grabado hasta 1970, año de su disolución.

Si por algo es conocida la Elastik Band, es por un tema en concreto titulado "Spazz". Aparecido en 1967, editado por el sello Atco, "Spazz" se adelantó a su tiempo, ya que en él encontramos un anticipo del sonido punk rock que aún tardaría algunos años en aparecer.
Cantado sin aliento con un claro estilo rapero por David Cortopassi y acompañado por el frenético ritmo de guitarra fuzz de Scott Williams. Es un tema delirante desde el principio, Spazz es además una canción controvertida que creó mucha polémica, ya que se pensaba que su letra hacía burla de los deficientes mentales: "Yo estaba caminando por la calle y alguien me golpeó. Vamos, que ahora eso parece lo correcto".

SPAZZ

Un tema odiado y amado a partes iguales por el público, un clásico del garage sesentero que apareció en algunas compilaciones posteriores del estilo de  "Nuggets" y que no se parece en nada al resto de su obra.

En 2007 apareció toda la obra de la Elastik Band remasterizada y reunida en un CD editado por Digital Cellars En el disco se incluyen además de sus singles, todo el material grabado y recuperado perteneciente a sus años en activo. De esta compilación he extraído un par de temas que me gustan especialmente, como por ejemplo, "Fier & Desire", aqui la voz de Cortopassi no suena tan esquizofrénica como en Nazz, pero si que posee un cierto tono desgarrado y unos coros excelentes. Un bonito tema, tranquilo y blusero que avanza en en crescendo,

FIRE AND DESIRE


Otra curiosidad del álbum es"Mr. Pig", un divertido y curioso experimento al estilo del "Piggies" del álbum blanco de los Beatles. Una canción alegre que parece estar pensada para un cuento infantil.

 MR. PIG

Vince Silvera: Batería y coros.

David Cortopassi: Voz, guitarra, vibráfono.

Scott Williams: Guitarra, voz, acústica de 12 cuerdas.

Rusell Kerger: Teclados, coros.

Rusty Kierig: Batería, coros.

ENTREVISTA CON DAVID CORTOPASSI

http://www.musicdish.com/mag/index.php3?id=114

D O W N L O A D
https://mega.co.nz/#!GwoQED4J!pXmMWqBXxhXogPlj9mjLvncCj713cx4seteVumD68Mc

JADE "Faces of Jade" 1970

Jade es el bonito nombre elegido por este cuarteto estadounidense, formado en la ciudad de Cincinnati, a orillas del rio Ohio, que grabaron en 1970 con el sello General American Records este excelente y tardío álbum titulado “Faces of Jade”, desapareciendo poco después del panorama musical sin dejar apenas rastro.

 Se trata de un álbum muy bien montado que posee un sonido estéreo exquisito, con temas diferentes entre si, muy pop psicodélicos, con algo de folk. El disco fue grabado en los  locales de los Jewell Recording Studio, y en él encontramos con sorpresa, buenos temas inspirados en grupos como Beatles o Blossom Toes, por poner un ejemplo, pero con personalidad propia..

El álbum se abre con  “Prelude, Willows end”, un tema largo de mas de seis minutos, pero muy bien construido, un adelanto de la calidad instrumental que encontraremos a lo largo del disco. Destaca  el buen trabajo con  los teclados de Jim Aumann, que además es el vocalista principal. A pesar de su duración se hace amena su escucha, pues alterna con maestría los bien trabajados pasajes instrumentales con algunas partes vocales algo obscuras. Dejo este tema en el reproductor de youtube, pues está grabado directamente de vinilo.

“My Mary” es un experimento alucinante, con pistas grabadas al revés, contrastadas con  voces distorsionadas en sentido normal. Imaginemos una especie de carrusel de feria ofreciendo un distorsionado viaje lisérgico a los felices y aturdidos viajeros que se atreven a montar en él. Pura psicodélia sesentera tardía.

Voces adolescentes en la excelente “Rest of my life”, mi favorita del disco. Aquí brillan a buen nivel las guitarras acústica y las armonías vocales, un tema precioso cuya autoría bien podría pertenecer a alguna banda mas consagrada de la época.

“My Honey” es otro experimento, por lo visto un capricho de Jim Aumann que quiso introducir en el álbum, este delicioso tema jazzistico con ritmo de Foxtrot , a modo del “Honey Pie” de los Beatles, quizás como homenaje a la banda de Liverpool.

 

Jim Aumann. Teclados, voz.

Randy Morse. Guitarra.

Tim Nixon. Batería, percusión.

Nick Root. Bajo, voz.

TRADER HORNE. (Morning Way, 1970)

El nombre de Trader Horne está inspirado en el apodo de un famoso explorador británico del siglo XIX, que escribió un libro, contando sus aventuras en el África Ecuatorial, a raíz del cual se hicieron varias películas para la gran pantalla.

 Estamos ante un excepcional dúo vocal que es para quitarse el sombrero, formado por la Londinense Judy Dyble, la ex cantante de Fairport Convention que fué reemplazada por Sandy Denny, y el norirlandés Jackie McAuley, procedente de los primitivos Then de Van Morrison. Jackye demuestra en este soberbio trabajo, ser un virtuoso multiinstrumentista y un buen vocalista, además del compositor de todos los temas de este álbum que se titula Morning Way y se grabó a principios de1970.

 Odio las etiquetas, pero por lo que he leído en distintos blogs, este disco se podría clasificar como sonido Folk-Pop-Rock con toques psicodélicos.

Como siempre he escogido los temas a mi gusto y los cuatro son bastante diferentes entre si.

 “Sheena”, preciosa canción Pop, cantada por McAuley de forma magistral, posee una melodía muy pegadiza y fácil de tararear, motivo por el cual seguramente fue elegida para lanzarla como single, junto a “Morning Way”.

 La instrumental “Three ringsfor Elven Kings” nos transporta al pasado con ese sonido barroco tan exquisito a base de clavecín, flautas, xilófono y guitarra clásica. Una delicia para los sentidos.

 “The Mutant” , suena como un lamento, una balada folk, acústica tranquila con algunos pasajes de flauta que nos recuerdan al maestro Ian Anderson.

 Por último os dejo “Here comes the rain”, un precioso tema con buen trabajo de piano y guitarra eléctrica, las voces de Jackie y Judy se funden en esta canción para ofrecernos una muestra de esa maravillosa combinación vocal que es característica de este recomendable álbum.

Jackie McAuley: guitarras, flautas, congas, clavicordio, órgano piano, voz.

Judy Dyble: teclados, Arpa, voz.

Ray Elliot: clarinete, flauta.

John Godfrey: bajo.

Andy White: batería.

THE GRODECK WHIPPERJENNY. "Wonder if. 1970", "Put your thing on me, 1970".

The Grodeck Whipperjenny  eran originarios de la ciudad de Cincinatti en el estado de Ohio. No he podido encontrar la traducción de este curioso nombre por mucho que lo he intentado, pero si bastante información respecto a esta excelente banda que estaba liderada por David Mattews el gran teclista, arreglista y compositor de nada más y nada menos que del gran James Brown “Mr. Dynamite”.  Los restantes músicos de la formación, procedían en su mayoría del mundo del Jazz, y eran el bajista Michael Moore el guitarrista Kenny Poole el baterista Jimmy Madison, junto a Mary Ellen Bell con su gran aportación vocal. Su único álbum homónimo, apareció en 1970 y se grabó en los prestigiosos  Starday-King Studios de Cincinatti, se trata de un soberbio trabajo donde mezclan con maestría un estilo Soul-Funky-psicodélico en algunos temas con otros de puro sonido rock progresivo.

Un extraño proyecto que dio un excelente resultado, sólo hay que escuchar temas como “Woder if”, mi favorito del álbum, también es de destacar el cañero y sugerente. “Put your thing on me” o “pon tu cosa sobre mi”, toda una descarga de energía metálica para los oídos que no te dejará indiferente.

Recomiendo este álbum encarecidamente, ya se que no es fácil descargárselo en la actualidad dado que casi todos los enlaces de los blogs están rotos, pero de todas formas podéis escuchar los temas en el infalible youtube.

WONDER IF

PUT YOUR THING ON ME

NEW YORK ROCK & ROLL ENSEMBLE. Dedication, 1970. Noble Dame, 1970. Mr. Tree, 1968.

Quiero ofrecer a los seguidores de este blog un regalo navideño muy especial. En esta ocasión os presento a una muy original banda llamada, New York Rock & Roll ensemble. Este grupo de excelentes músicos se formó en el año 1967 con tres estudiantes de la Juilliard School de Nueva York, quizás la escuela conservatorio de artes escénicas más acreditada de esa ciudad. Estos tres muchachos llamados, Michael Kamen, Marty Fulterman y Rudnysky Dorian, se unieron a los músicos de rock, Brian Corrigan y Nivison Clif. , pronto consideraron que la música rock podía ser más rentable que la clásica y se pusieron manos a la obra, utilizando su talento en la fusión de ambos estilos. El singular estilo resultante de New York Rock & roll Ensemble, mezcla de manera magistral los sonidos de instrumentos clásicos barrocos como el Cello, Oboes, claves etc., con las canciones de rock y pop , dando como resultado un sonido limpio e impactante, de una belleza que no deja a nadie indiferente. En 1968 lanzaron su primer L.P. homónimo impresionando al mismísimo Leonard Bernstein que invitó al grupo a aparecer en uno de sus conciertos con la filarmónica neoyorquina. Al año siguiente se publicaría su segunda obra, otro excelente trabajo titulado “Faithful Friends”, para continuar ya en 1970 con el álbum “Reflections” que es para mi gusto el mejor y más original trabajo de su primera etapa. A partir de su cuarto álbum, curiosamente el más vendido, y ya metidos en plena década de los setenta, su música se hace menos interesante. Pasamos a destapar los regalos: “Dedication” Es una canción, me atrevo a decir que es mi favorita entre las favoritas de este sorprendente grupo, con esa introducción de piano que recuerda a la banda sonora de una película francesa de los sesenta. Triste y bella a partes iguales. Una melancólica obra maestra, cantada por Michael Kamen. En “Noble Dame” tenemos un claro ejemplo del sonido barroco que caracteriza a gran parte de la obra de New York Rock & roll Ensemble. Una maravillosa pieza podríamos llamar greco-barroca con aires de sirtaki griego. Posee una parte central instrumental exquisita, a base de Oboe,Cello y cuarteto de cuerdas genialmente ejecutadas, este pasaje me pone la carne de gallina cada vez que lo escucho, suena antiguo y popular.Ambos temas aparecen en su tercer álbum “Reflectións”, que curiosamente se grabó antes que el segundo, se nota la colaboración del compositor griego, Manos Hadjidakis que preparaba una partitura para una película que nunca se estrenó. Como contraste, quiero incluir por último “Mr. Tree” un tema exquisito perteneciente a su primer trabajo, en él demuestran que también estos muchachos sabían hacer canciones pop sencillas y perfectas.

 

Mr. Tree

 

Dedication

 

Noble Dame

DEEP PURPLE. Child in time, 1970.

“Child in time” fue una pieza fundamental de los conciertos de Deep Purple, durante los primeros años de la década de los setenta. Incluida en el álbum “Deep Purple in rock” de 1970, Posteriormente apareció en el mítico álbum en directo “ Made in Japan” de 1972, con una versión algo más larga. A sido puramente casual el que me cruzara de nuevo con este grandísimo tema, habiendo transcurrido tanto tiempo desde la primera vez que lo escuché en mi juventud. Todo surgió gracias a Youtube, esa maravillosa herramienta que nos permite navegar por mundos que ya creíamos olvidados y descubrir tesoros que considerábamos perdidos en los oscuros e infinitos archivos de nuestra memoria. Me gusta todo de este grandísimo tema, desde el sonido Hammond del órgano de Jon Lord, hasta la voz pura y desgarradora de Ian Gillan, que suena como un lamento creciente que se funde con el resto de la banda, como un instrumento más, y que decir del mensaje de la letra, tan dramático. “Dulce criatura del tiempo…verás la línea, la linea trazada entre el bien y el mal. Mira al hombre ciego disparando al mundo, las balas volando, haciendo mella…”

"Child in time"

Sweet child in time, you´ll see the line, the line that´s drawn between the good and bad. See the blind man shooting at the world, Bullets flying, oh taking toll. If you´ve been bad. Oh Lord i bet you have and you´ve not been hit. Oh by flying bead you´d better close your eyes. Oh bow your head, wait for the ricochet.

KALEIDOSCOPE. Angel´s Song "Dear Elvis Presley", 1970.

Segunda aparición de los londinenses Kaleidoscope en Viejo Zapato Marrón. En esta ocasión quiero centrarme en un sólo tema, el tema que últimamente me persigue y me tiene loco. Hablo de esa maravilla titulada “Angel´s song. Dear Elvis Presley”, canción incluida en su último álbum “White faced lady” álbum con diferente sonido al de los principios psicodélicos de la banda, más sinfónico y progresivo, más popular si cabe. Fue grabado entre los años 1970 y 1971, y por una falta de acuerdo con la discográfica, quedó inédito y olvidado hasta 1991. La canción es al parecer un polémico homenaje que la banda dedica al gran rey Elvis, posee una controvertida letra que cuenta más o menos el embarazo psicológico que sufre una chica, Ángel, de piel blanca, por obra y gracia del Sr.Elvis… (cada vez entiendo menos a estos ingleses). Una canción cortita que a mi parecer podría haber prescindido de toda la orquestación que la acompaña y haberse quedado tan sólo con las excelentes guitarras acústicas y la voz de Peter Daltrey, que pone en ella toda su alma y todo su corazón y que dicho sea de paso, canta como un Ángel. Peter Daltrey (voz, teclados) Eddie Pumer (guitarra) Steve Clark (bajo) Danny Bridgman (batería)

FOTHERINGAY. Nothing More, 1970. Winter winds, 1970. The pond and the Stream, 1970.

Fotheringay, nombre del castillo donde la reina Maria Estuardo de Escocia estuvo encerrada hasta su trágica muerte por decapitación, y del cual sólo quedan unas tristes ruinas en la actualidad. Esta excelente banda de folk llamada también Fotheringay .Surgió en 1970 como continuación de la desaparecida y legendaria “Fairport Convention”. Sus fundadores fueron la gran vocalista Sandy Denny y su futuro esposo el también cantante, poeta y guitarrista Trevor Lucas. El mismo año de su fundación, publicaron su álbum debut que fue producido por Joe Boyd, y que entró de inmediato a figurar en las listas del Melody Maker como uno de los veinte mejores discos. El grupo se separó cuando preparaba la grabación de su segundo LP, por lo que este proyecto quedó guardado y no salió a la luz en su momento. Esto sucedía en el invierno de 1971. Sandy Denny continuó trabajando y publicó cuatro excelentes álbumes en solitario durante los años siguientes de su carrera, pero la fatalidad del destino quiso acabar con su vida un 21 de Abril de 1978, cuando sólo contaba 31 años de edad, a causa de las lesiones cerebrales sufridas tras caer de una escalera. Afortunadamente muchos años después, concretamente en el 2008, algunos supervivientes de la formación, lograron mezclar el material inédito grabado antaño y lanzar un muy aclamado segundo álbum. “El alma de Denny asistió en silencio a aquél mágico acontecimiento. Nadie la vio, pero estuvo presente el día que el álbum póstumo de Fotheringay salió a la luz después de aguardar durante 38 años. Todos pudieron escuchar su maravillosa e invisible voz flotando en el aire…nadie la vio, pero Denny estuvo allí acompañando a los suyos.” La excelente “Nothing More” es el tema que abre el álbum y ya nos da una idea general de la atmósfera melancólica que envuelve a todo el trabajo, a la soberbia voz de Sandy Denny le acompaña una perfecta ejecución a la guitarra por parte del guitarrista principal del grupo, Jerry Donahue. “Winter winds” es otro destacado tema, bello y triste como el viento que sopla en los inviernos del norte, y como bien reza su título. Preciosa melodía y maravillosas guitarras clásicas de aire renacentista. Por último os dejo “The Pond and the Stream” aunque dada la calidad de todo el disco podría haber elegido cualquier otro corte al azar y no hubiera defraudado a nadie. El álbum de Fotheringay no tiene desperdicio, es bueno de principio a fin, aunque hay que escucharlo con paciencia para poder sacarle todo el jugo. Un auténtico tesoro.

Sandy Denny - voz, piano, guitarra acústica: Trevor Lucas - voz, guitarras acústicas y eléctricas: Jerry Donahue - guitarra principal y coros: Gerry Conway - batería y coros: Pat Donaldson - bajo y coros.

Winter winds

The Pond and the Stream

CRESSIDA. One of a group, 1970. Light in my mind, 1970. Spring 69, 1970.

Londres, año 1969. Un afortunado encuentro entre el vocalista Angus Cullen y el guitarrista John Heyworth, hace que ambos músicos decidan unir sus talentos para formar una banda llamada “Charge” que se completaría con el bajista Kevin McCarthy y el batería Ian Cart. Poco más tarde se les uniría un magnífico teclista llamado Peter Jenning, que aportaría un sonido muy característico de mellotrón al grupo. Es entonces cuando deciden cambiar su nombre por el de “Cressida”, extraño nombre inspirado en el poema medieval “Troilo and Cressida” que más tarde inmortalizaría, para generaciones venideras, un tal William Shakespeare. Cressida dio sus primeros conciertos en Alemania junto a grupos conocidos como “Coliseum” y “East of Eden” y actuando en el famoso Star club de Hamburgo. En 1970 sale al mercado un primer álbum homónimo grabado con el sello Vértigo en los Wessex Sound Studios de Londres, propiedad de George Martin. El resultado será un magnífico trabajo a base de canciones melancólicas y bellas, todavía de corta duración, a las que Angus Cullen aporta un lirismo muy particular con su magnífica voz. Por la época a la que pertenece este álbum se podría etiquetar de progresivo, en el mismo encontramos canciones en las que destaca el excelente trabajo de Peter Jenning con los teclados, como es el caso de “One of a group” o la magnífica “Light in my mind”. Otros temas diferentes o como la triste pero muy bella canción “Spring 69”, una simple balada de aire muy folk en la que escuchamos cantar a Angus Cullen, suficientemente acompañado por unas guitarras acústicas. Tras grabar su segundo y también excelente álbum titulado “Asylum” el grupo se separa para siempre, y sus miembros corren diferentes suertes en sus carreras artísticas. El caso del batería Ian Clark fue el más afortunado, por que se uniría posteriormente a los Uriah Heep. El guitarrista John Heyworth, fundador de la banda, falleció en Enero de 2010.

Angus Cullen. Voz,guitarra Peter Jenning.Órgano, piano, Mellotrón.. John Heyworth. Guitarra, voz. Kevin McCarthy. Bajo. Ian Cart. Batería, percusión.

One of a group. Light on my mind. Spring 69

BARCLAY JAMES HARVEST. Mother Dear, 1970. The Iron Maiden, 1970.

En esta ocasión no voy a sorprender a nadie presentando una rara pieza arqueológica de mi colección particular, ya que se trata de la Barclay James Harvest, banda de sobra conocida para casi todos.
Este post está dedicado especialmente a Stuart John (Wolly) Wolstenholme, el gran vocalista y teclista del grupo, tristemente fallecido el pasado 13 de Diciembre de 2010, fundador de La mítica Barclay James Harvest junto al guitarrista John Lees, el bajista Les Holroyd y el batería Mel Pritchard, allá por el año1967.
Los dos magníficos temas que presento pertenecen a su primer álbum, grabado en los famosos Abbey Road Estudios de Londres, entre Noviembre de 1969 y Febrero del 70. El disco se encuentra en una etapa de transición hacia el sonido progresivo, con temas largos y experimentales, aunque los dos temas escogidos son los más cortos del álbum y ambos poseen una buena dosis de espíritu psicodélico de finales de los sesenta.
“Mother dear” es una canción preciosa,escrita por John Wostenholme, se trata al parecer y según he leído, de un cuento gótico de apariciones de fantasmas en la noche, el tema se remonta al año 1967 en el que ya existía una primera versión. La letra reza: “Oh, querida madre….¡¡ Que noche he tenido!! Me desperté a la luz de una blanca visión. La chica más hermosa que he visto jamás”.
En “The Iron Maiden” encontramos algo parecido. Una misteriosa letra sobre una irreal dama que camina a través de la noche. La canción tiene aires de estilo folk medieval, con una preciosa melodía, unos excelentes coros a mitad del tema, y un buen trabajo del bajista Les Holroyd.

Mother Dear

O Mother dear.
What a night this has been
I awoke in the light of a vision in white
The prettiest girl that I have ever seen

Lately my love, said the lady in white
I have watched from afar, but love draws me near
Now take my hand, hold tight, Mother dear
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?

Mother dear, on that same silver night Saw a figure in black by the lady in white
He said his name was death, was he right?
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?
Do you know what this could mean, Mother dear?
Was it just another dream..... in the night?

Mother dear, what a night this has been
It's so cold by your side, no don't cry, can't you see?
Won't you listen to me please, Mother dear
Was it just another dream, Mother dear?

AL STEWART. A Small fruit song, 1970. Lover Man, 1967.

Al Stewart es de sobra conocido por el gran público, debido sobre todo a los éxitos obtenidos durante la década de los setenta con temas como “The year of the cat” o el excelente “Time passages” ambos producidos por Alan Parsons y que lo lanzaron a la fama en todo el mundo. Nacido en la ciudad escocesa de Glasgow en 1945, este gran músico y cantautor de connotaciones folk es autor de una extensísima discografía que comienza en el año 1966 con la publicación de su primer single “The Elf” editado por el sello Decca Records, y se prolonga hasta los años ochenta donde su carrera empezó a sufrir un cierto declive.
Los temas que quiero presentar pertenecen a su primera etapa mucho menos conocida, y están extraídos de un doble álbum publicado en 1993 titulado “To whom it may concerm 1966-1970” donde se recopilan sus tres primeros álbumes, una primera etapa muy influenciada por músicos como Dónovan o el mismísimo John Lennon.
El tema “A small fruit song” de 1970 es una pieza muy folk, a base de guitarras acústicas en la que Al Stewart demuestra su excelencia como virtuso instrumentista. Al se hace de rogar a la hora de entrar a cantar, pero es cierto que cuando su voz aparece por fin hacia el final del tema, nos regala los oídos con una pequeña joya. Una bonita y breve historia que narra la conversación entre una manzana y una naranja. Deliciosa como una fruta.
En “Lover man” tema perteneciente a su primer álbum “Al Stewart First album (Bedsitter images) de 1967, se puede apreciar hasta que punto Al es capaz de crear canciones simples pero llenas de personalidad, divertida, de melodía pegadiza, gusta a la primera, con esa única y maravillosa voz suya que enamora y que en esta canción nos habla de la retorcida historia de un amante celoso y mosqueado con su chica.

A SMALL FRUIT SONG

Said the apple to the orange:"Oh I wanted you to comeClose to me and kiss me to the coreThen you might know me like no other orangeHas ever done before"
LOVER MAN

LONE STAR, Lyla, 1970

Yo todavía era un niño cuando los catalanes Lone Star lanzaron en 1970 el single “Lyla”. Durante toda mi vida he recordado esta canción sin saber a quien pertenecía hasta que hace unos días por pura casualidad la encontré en youtube y me llevé una gran sorpresa, tanto es así que decidí publicarla en Viejo zapato marrón en cuanto regresara de mis vacaciones. “Lyla” es una de esas canciones que me emocionan de verdad cada vez que la escucho, con esos ritmos orientales de su introducción tan logrados, la voz de de Pedro Gené, llena de emoción y ternura, nos cuenta una bonita historia de amor con una mujer palestina. Un grito irrumpe en el tema para dar paso a un precioso estribillo “Lyla Lyla Lyla, no llores más…” una verdadera maravilla.Es la segunda vez que Lone Star aparecen en este blog, pienso que son una banda verdaderamente importante en la historia del pop español, y que es merecedora de los mejores elogios. En los reproductores dejo la versión original del tema y una versión más reciente muy lograda que hizo el grupo en una de sus últimas reuniones. A mi personalmente me sigue gustando más la primera. Soy un nostálgico, no lo puedo evitar.

Adiós mujer
Para siempre adios
Me voy de aquí
Todo se acabó
Tu pensamiento y tu religión
Son mas fuertes que mi corazón.

Tus ojos negros
Tu pelo al sol
Desierta playa que nos unió
No llores Lyla si he de partir
Tal vez pronto te olvides de mi.

Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más

Mañana vuelvo a mi país
Tu imagen ya no se irá de mi
Y allí en mi casa recordaré
Nuestro amor que volando se fue

En la ciudad de Jerusalén
Hay un lugar que no olvidaré
Aquella mesa solos los dos
Y tus labios dijeron Adios

Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más
Lyla lyla lyla no llores más